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La fontaine de Hayange

 

En 2001 la municipalité socialiste de Hayange (Moselle) avait eu la bonne idée de commander au sculpteur local Alain Mila une sculpture en métal et pierre. La sculpture représentait un gros œuf appuyé contre un rocher (coût 9000 €).

 

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La Sculpture originale
(A. M./ DR.)

 

Le 28 juillet le sculpteur a été informé par un coup de téléphone anonyme que sa création avait été repeinte en bleu !!!!!
Une personne déléguée sur place a fait parvenir une photo à l’artiste qui n’a pu que constater les dégâts.


Il faut dire qu’entre temps la municipalité avait changé de bord. La Mairie était maintenant aux mains du Maire Front National Fabien Engelmann.

 

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Fabien Engelmann
DUCLOUX/SIPA


Le dit Fabien Engelmann trouvait la ville sinistre et lugubre, ce sont ces mots. Il ne comprenait pas non plus qu’on fasse tout un pataquès pour une œuvre "dont on a peine à appeler ça de l’art". Monsieur Engelmann serait-il un expert dans ce domaine ? Ou un iconoclaste…

Dans l’esprit du Maire il n’était pas question de détériorer quoi que ce soit, le fond était peint en bleu piscine et l’œuf en bleu, couleur FN . Ils n’ont pas pensé à y mettre des poissons rouges, ç’eut été moins triste.

 

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La sculpture revue par le Front National
(J-C. VERHAEGEN/AFP)

 

Suite aux polémiques engendrées, le Maire a eu l’idée géniale de proposer à l’artiste de lui revendre sa sculpture !!!! On lui fera un prix, a-t-il ajouté. Le plus urgent étant de la faire disparaître.

L’artiste va certainement porter l’affaire devant la justice.

 

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Aurélie Filippetti
Photo Radio France 2012

 

Le Ministre de la culture Aurélie Filippetti a dénoncé une violation manifeste du droit moral et évoqué la protection du patrimoine.

 

Espérons que cette affaire n’en restera pas là.

 

Malheureusement cela nous rappelle de tristes moments de notre histoire, souvenez-vous l’exposition des peintres dégénérés. Bientôt les Maires Front National viendront mettre de l’ordre (à leur façon) dans les bibliothèques municipales, le prochain autodafé n’est peut-être pas si loin.


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L'art dégénéré

 

⭐️

 

 

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Publié dans : #B.M.C.
Goya la Maja Desnuda - 97 x 190 cm. -Musée du Prado - Madrid

Goya la Maja Desnuda - 97 x 190 cm. -Musée du Prado - Madrid

Goya la Maja Vestida- 97 x 190 cm. -Musée du Prado - Madrid

Goya la Maja Vestida- 97 x 190 cm. -Musée du Prado - Madrid

Francisco de Goya y Lucientes (1746 - 1828 ) est un artiste qui se veut le témoin de son temps. Il sera entre autre un très grand portraitiste.

 

Vous n’êtes peut-être pas sans savoir que vers 1793 Francesco de Goya avait été victime d’une maladie qui l’avait rendu sourd, ce qui bien entendu n’empêche pas de peindre. Sa vie à été très difficile, j’aurais sans doute l’occasion d’y revenir dans un prochain article.

 

 

Goya autoportrait, ce tableau se trouve au Musée D'Agen. Il avait été volé puis retrouvé.

Goya autoportrait, ce tableau se trouve au Musée D'Agen. Il avait été volé puis retrouvé.

Goya n’abordera jamais les sujets faciles. Des désastres de la guerre, aux Caprices en passant par la corrida telle qu’elle était pratiquée à son époque, c’est-à-dire, sans aucun règlement, tout le monde y participait, c’était une boucherie sans nom. Rien à voir avec la corrida d’aujourd’hui. Voir sur ce blog ses gravures sur le sujet (Goya - Tauromachie)

 

On peut comprendre que dans le contexte de l’époque représenter une femme nue, sans le moindre artifice est considéré comme impudique, l’inquisition qui a encore pignon sur rue ne va pas tarder à “ s’intéresser ” au maître qui, grâce à ses relations, s’en tirera sans trop de problèmes.

Concernant “Les Maja” la date de réalisation des œuvres reste contestée, probablement entre 1790 et 1800. Si la date de création est contestée, le modèle fait débat; s’agissait-il, comme cela a été souvent dit de la Duchesse d’Albe ? Le tableau était d’abord connu sous le nom de “La Gitane”, on a dit aussi qu’une certaine Pepita Tudo en aurait été le modèle.

Je préfère laisser les historiens de l’Art à leur bataille et revenir au tableau proprement dit. Une première chose saute aux yeux, sa dimension (La même pour les deux toiles)

Il semblerait que la Maja Vestida aurait servit de “couvercle” se superposant à la Maja Desnuda protégeant ainsi sa pudeur.

Vous vous souvenez peut-être que ce procédé aurait été utilisé plus tard pour l’origine du monde de Courbet, une première fois recouverte d’un paysage. Par la suite c’est Jacques Lacan et Sylvia Bataille qui demanderont à André Masson de créer une peinture surréaliste servant à la recouvrir. Voir sur ce blog (Courbet - L’Origine du Monde). Depuis son entrée au Musée d’Orsay l’Origine du Monde est visible à tous les regards sans limitation d’âge et sans couvercle.

Lorsqu’il peint la Maja Desnuda Goya peint une vraie femme sans artifices. Jusque là les artistes trouvaient un prétexte mythologique ou autre pour y inclure un modèle.

En 1930 un timbre-poste représentant la Maja Desnuda fut édité: c’était la première fois qu’une femme nue figurait sur un timbre, ce fut un scandale.

Toutes les enveloppes sur lesquelles figurait ce timbre et destinées aux Etats-Unis furent systématiquement retournées à leur expéditeur.

GOYA - LA  MAJA  DESNUDA - LA MAJA VESTIDA .

De nos jours la Maja Desnuda ne fait plus rougir personne. Autre temps, autre mœurs !

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" L'impuissance d'un jeune homme de trente ans: le sujet est casse-gueule, surtout quand c'est une femme qui décide d'en parler. Et pourtant... en évitant le trash, la provocation facile et l'auto-fiction à la mode, Clémence Dumper signe un premier roman étonnant.

 Alexis, à trente ans, n'a jamais réussi à faire l'amour et se sent chaque jour plus oppressé par une société qui établit des normes dans tous les domaines, jusque dans les plus intimes. Sensible et "inadapté", l'anti-héros va se lancer dans une quête frénétique et haute en couleurs pour retrouver cette part de virilité. Dans des chapitres courts, comme des instantanés de vie, l'auteure dépeint avec malice et sans pathos le malaise de celui qui veut vivre son désir. De solutions chimiques en abstinence forcée, en passant par les doutes sur l'hétérosexualité, Alexis se jette à corps perdu dans cette aventure, entrainant le lecteur avec lui dans un univers où le sexe, s'il est devenu une valeur comme une autre, est aussi un haut lieu de performance absolue. Oscillant entre humour et gravité, mêlant la poésie à la réflexion profonde sur la place que l'on cherche, Débandade est avant tout l'histoire d'un garçon. L'odyssée d'Alexis, si elle fait la part belle au sexe, permet aussi de creuser du côté de la famille, de l'adolescence, du déni: après une première partie où les problèmes du corps sont évoqués avec réalisme, le lecteur plonge dans les méandres plus sombres du personnage, se confronte avec lui au cœur du problème - douloureux.

 En choisissant le "tu", Clémence Dumper met le lecteur dans une position ambiguë par rapport à la narration: ce "tu" interpelle, remet en question, touche forcément et instaure une profonde intimité entre le lecteur et la narratrice.
Ce qui surprend le plus dans ce premier roman prometteur, c'est la facilité avec laquelle l'auteur mêle sensibilité (et non sensiblerie) et ironie. Malgré des mots crus, l'ensemble reste subtil et profondément touchant, ce qui n'est pas si fréquent en littérature contemporaine."

                                                                                                      BMC

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“NOTRE PÈRE À TOUS” DISAIT PICASSO”.

 

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Paul Cézanne (19 janvier 1839 - 22 octobre 1906), Autoportrait.
Huile sur toile 64 x 53 cm. (Vers 1875)
Musée d'Orsay, Paris (Donation Jacques Laroche)


La peinture de Cézanne est généralement assimilée à l’impressionnisme, sans doute est-ce plus une question d’époque plutôt que de style. Durant cette période, il y eut trois peintres qui, à mon avis, vont donner naissance à l’art “dit moderne”.

 

I. Cézanne, le peintre de la raison, qui va par ses théories et surtout par son œuvre être à la base du cubisme et de tout ce qui va en découler. Sur ce tableau, on entrevoit très nettement une prémonition de ce que seront les peintures cubistes de Braque et Picasso.

 

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Paul Cézanne, la Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves ,
Huile sur toile, 65 x 81 cm. (1902 - 1904)
Philadelphia Museum of Art,

 

II . Vincent Van Gogh, le peintre de la passion, l’initiateur de l’expressionnisme moderne.

 

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Vincent Van Gogh, Autoportrait à l’oreille bandée
Huile sur toile 51 x 45 cm. Fev 1889
Collection privée, Chicago.


III. Claude Monet, peintre de la sensibilité ira jusqu’à l’abstraction. Même si le premier tableau abstrait fut peint par Kandinsky en 1910, il faut bien reconnaître que certaines œuvres de Monet deviennent presque totalement abstraites.

 

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Claude Monet, Le pont japonais
Huile sur toile 89 x 116 cm. (Vers 1918 - 1924)

Musée Marmottan, Paris


À la période dite impressionniste correspond un certain nombre de peintres dont l’importance n’est pas contestable et je ne voudrais pas diminuer leur mérite. Mais pour moi, il s’agit avec les trois que je viens de citer de ceux que l’on pourrait appeler “Les 3 piliers de l’art moderne”.

Revenons, si vous le voulez bien à notre cher Cézanne.


LA JEUNESSE

 

Le petit Paul naît à Aix le 19 janvier 1839. Bien que faisant partie de la bourgeoisie locale son père vit en concubinage avec une de ses anciennes ouvrières, attitude très choquante pour l’époque. Ils ne se marieront (à l’église) qu’en 1844. C’est seulement en 1847 que Paul Cézanne et sa sœur Marie seront reconnus officiellement par leur père. En 1854 naîtra la deuxième sœur de Cézanne prénommée Rose.

 

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Paul Cézanne - Louis-Auguste Cézanne lisant “L’Evénement”
Huile sur toile 198,5 x 119,3 cm. 1866
National Gallery of Art, Washington


Louis Auguste Cézanne tient un magasin de chapeaux sur le cours Mirabeau. Les affaires prospèrent au point que lorsque la Banque Bargès fait faillite, Louis Auguste décide de la racheter en s’associant avec un dénommé Cabassol. Ainsi se retrouve-t-il à la tête de la nouvelle et unique banque d’Aix : Banque Cézanne & Cabassol.

Louis Auguste Cézanne voit en son fils le futur directeur de la banque. Aussi décide-t-il que Paul fera des études de droit.

Pour le moment Cézanne fréquente le collège Bourbon où il va se lier d’amitié avec un certain Émile Zola.

 

 

PAUL, EMILE & BAPTISTIN

 

 

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Paul Cézanne, Portrait d’Emile Zola
Huile sur toile 25,8 x 20,8 cm. (Vers 1862 - 1864)
Musée Granet Aix-en-Provence France

 

On ne le sait pas toujours, mais Cézanne est d’origine italienne, à l’époque où il rencontre Zola celui-ci est toujours italien et ne sera nationalisé français qu’à l’age de 21 ans. Émile est chétif, il parle en zézayant, avec un accent parigot, et, pour comble, il est un très bon élève. Il n’en faut pas plus pour être pris pour cible par ses petits camarades. Le “françiot” va devenir leur souffre-douleur.

Cézanne qui pourtant n’est pas dans la même classe va très vite se rendre compte de ce qui se passe. Il intervient et comme il est grand et fort, n’a aucun mal à remettre de l’ordre. Mais le règlement de l’école est formel, Cézanne est sévèrement puni. La légende raconte que pour le remercier de l’avoir défendu Zola lui apporta un panier de pommes.

Cézanne et Zola resteront très liés durant toute leur jeunesse, mais il y a un troisième larron dénommé Baptistin Baille qui réussira dans le domaine scientifique d’abord en physique, professeur à l’école polytechnique il finira sa carrière comme astronome à l’Observatoire de Paris. Les trois amis découvriront ensemble la musique, la littérature, la peinture. Leurs fréquentes promenades sont agrémentées de discussions sans fin et particulièrement dans les domaines que je viens de citer.

Cézanne qui joue du cornet et Zola de la clarinette iront plusieurs fois interpréter une aubade sous le balcon de telle ou telle fille qu’ils espèrent séduire mais, dit-on, sans succès. À moins que l’on considère les bassines d’eau froide comme une réussite.

De cette époque, ils garderont le souvenir de jours heureux. Dans ses lettres Cézanne évoquera souvent cette période, Zola dans ses écrits transcrira les expériences vécues à Aix (qu’il nommera Plassans). Voir dans l’Assommoir Gervaise qui se souvient du temps où elle était blanchisseuse à Plassans. La famille Rougon-Macquart a ses origines à Plassans, c’est dire à quel point Aix avait marqué Zola.

 

 

CÉZANNE LE PEINTRE


De nos jours, cela peut paraître bizarre, mais à l’époque on ne disait pas NON à son père, aussi lorsque le jeune Paul est envoyé à la Faculté de droit, il n’a pas le choix. Pourtant il a maintenant découvert la peinture, suivi des cours à l’école de dessin d’Aix , il a même installé un atelier dans la propriété paternelle du Jas de Bouffan.

 

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Le Jas de Bouffan

 

C’est maintenant l’âge où l’on pressent ce que l’on veut vraiment faire, Cézanne sait qu’il sera peintre. Il sait aussi que la route sera longue, que son père a d’autres ambitions le concernant.

Son ami Zola rentre à Paris. Cézanne rêve de Paris qui est la capitale des arts.

En 1861 Cézanne a 22 ans. Depuis Paris, Zola lui écrit de nombreuses lettres. Il lui raconte un rêve dans lequel il a écrit un livre que Cézanne va illustrer.


 

À NOUS DEUX PARIS !

 


Cézanne n’y tenant plus abandonne ses études, fait le plein d’huile d’olive et monte à Paris. Inutile de dire qu’il n’a pas été facile de convaincre Louis Auguste.

Il aurait bien voulu rentrer à l’école des Beaux-Arts, mais il échoue au concours d’entrée à cause d’un “tempérament excessif”, Cézanne est très colérique, il lui arrive souvent de s’en prendre à son chevalet. Il détruira bon nombre de ses toiles, en fait il se bat contre lui-même.

Cézanne est très marqué par cet échec. Il retourne à Aix où son père, comme on pouvait s’y attendre, lui trouve immédiatement une place à la banque.

En fait il s’agira d’un passage éclair. Cézanne ne pense qu’à une chose : retourner à Paris, retrouver son ami Émile et devenir peintre.

De retour à Paris, c’est à l’Académie Suisse qu’il continuera ses études artistiques. C’est là qu’il va rencontrer Renoir, Monet, Guillaumin, Sisley et surtout Camille Pissarro avec qui il deviendra très ami. Cézanne présentera ses amis peintres à Zola, qui par la suite écrira de nombreux articles en faveur des impressionnistes. C’est aussi Cézanne qui présentera Alexandrine à Zola, il sera même témoin à leur mariage.

Cézanne bénéficie d’une maigre pension que lui alloue son père, mais il s’en contente.

Il fait de plus en plus d’allers-retours entre Paris et la Provence.

1863 - Exposition au Salon des Refusés.

1864 - Cézanne est refusé au Salon, qu’il dénomme : “Le Salon de Bouguereau”

1865 - Nouveau refus au Salon.

1866 - de retour à Aix Cézanne a une production abondante.

 

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Paul Cézanne, Achille Emperaire, peintre
Huile sur toile 200 x 210 cm. Vers 1868
Musée d’Orsay, Paris.

 

 


 LA LIAISON AVEC HORTENSE ET “L’ARRIVEE DU PETIT PAUL”

 

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Paul Cézanne, Hortense Fiquet
Huile sur toile 46 x 38 cm. (1873-1877)
Collection privée, France.


En 1869 Cézanne rencontre Hortense Fiquet qui est modèle à l’Académie Suisse. Cette liaison est soigneusement cachée à son père. Le couple s’installe près de Marseille. Cézanne fait très souvent la route à pied pour rejoindre Aix. Il ne fallait surtout pas que son père se doute de quoi que ce soit. En janvier 1872 va naître de cette union un garçon nommé Paul.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Paul, fils de l’artiste
Huile sur toile 17,1 x 15,2 cm. (Inachevé)
Metropolitan Museum of Art, New York.


Cézanne fait régulièrement la navette entre Aix et la capitale. En 1872 il s’installe quelque temps à Auvers-sur-oise et rencontre le Docteur Gachet. Il peint sur le motif en compagnie de son fidèle ami Camille Pissarro. Il expose avec ses amis impressionnistes dans l’atelier du photographe Nadar. Ses œuvres sont rejetées par un public scandalisé.

 

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Paul Cézanne, La maison du pendu, Auvers-sur-Oise .
(Exposé chez Nadar en 1874)
Huile sur toile 55 x 66 cm.1873
Musée d’Orsay, Paris

 


C’est en 1876 que Louis Auguste Cézanne ouvrant le courrier de son fils (celui-ci avait 37 ans) apprend qu’il est grand père, et que son fils a une liaison avec une certaine Hortense dont il n’a jamais entendu parler.

La réaction ne se fait pas attendre, il déshérite son fils.


 

1882 - Cézanne est enfin reçu au Salon pour la première fois.

À partir de 1882, Cézanne va retourner en Provence, il s’installe d’abord à L’Estaque près de Marseille et en 1885 à Gardanne.

 

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Paul Cézanne, Le Golfe de Marseille vu de l’Estaque
Huile sur toile, 73 x 100 cm. 1885
The Metropolitan Museum of Art, New york.

 

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Paul Cézanne, Gardanne
Huile sur toile 100 x 65 cm. 1886
Fondation Barnes USA.

 

1883 Monet et Renoir rendent visite à Cézanne.

 

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Paul Cézanne, Nature morte à la commode
Huile sur toile, 71 x 90 cm. vers 1885
Nouvelle Pinacothèque, Munich.


En 1886, quelques mois avant sa mort, Louis Auguste accepte que son fils se marie avec Hortense et qu’il hérite de ses rentes.

Le 23 octobre 1886 Louis Auguste meurt laissant à son fils un héritage confortable.

 

Entre temps Zola avait réussi sa conquête de Paris. "L’Assommoir“ lui avait assuré le succès et la maison de Médan était en cours d’aménagement.

Dans une période difficile, Zola a aidé financièrement son ami Cézanne. Mais les choses vont se gâter.

Un peintre qui ne réussit pas fini toujours par lasser, même ceux qui y croyaient. Pour Zola c’est la réussite dont il avait toujours rêvé, mais son ami Cézanne qui va bientôt avoir 50 ans est toujours au fond du trou. C’est de cette constatation que va naître en 1886 “l’Œuvre”. Zola s’inspire de la vie de Cézanne pour nous conter l’histoire d’un peintre raté, refusé au Salon, tout comme Cézanne . Totalement incompris, Claude Lantier, alias Cézanne, finira par se pendre devant ses grandes toiles. Difficile de ne pas faire un rapprochement avec Cézanne et ses grandes baigneuses.

 

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L’ŒUVRE, édition originale

 

Zola envoi l’Œuvre à son “ami”. Cézanne rompt tout contact avec Zola.

 

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Paul Cézanne, Le Château Noir
Huile sur toile,97 x 74 cm.1904
Washington National Gallery

 

1887 - Cézanne loue une pièce au Château Noir, il va également louer un cabanon dans la carrière Bibémus pour entreposer son matériel lorsqu’il se rend à la Sainte Victoire.

 

 

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Paul Cézanne, La carrière de Bibémus
Huile sur toile, 65,1 x 81 cm. 1895
Muséum Folkwang, Essen.

 

En 1891 Cézanne s’installe au Jas de Bouffan avec sa mère. Sa femme ira habiter rue de la monnaie à Aix !!!


En 1895 le célèbre marchand Ambroise Vollard qui n’a alors que 27 ans, organise une rétrospective Cézanne. 150 œuvres.

 

 

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Paul Cézanne, Portrait d’Ambroise Vollard
Huile sur toile, 100 x 81 cm. 1899
Musée du Petit Palais, Paris

 

La critique commence à s’intéresser à son travail. Cézanne a 56 ans, on regarde enfin sa peinture. Vollard organise une deuxième exposition en 1898. En dehors de quelques rares exceptions (Ambroise Vollard, le Docteur Gachet, Victor Choquet, Le Père Tanguy), ce sont surtout les peintres qui comprennent son message.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Victor Choquet
Huile sur toile 46 x 36 cm.
Collection privée,


Jusque-là Cézanne avait très peu exposé sauf chez le père Tanguy. Vous connaissez sans doute le portait que Van Gogh a fait de lui.

 

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Vincent Van Gogh, Portrait du père Tanguy
Huile sur toile, 92 x 75 cm. 1887
Musée Rodin, Paris.

 


Le père Tanguy tenait une minuscule boutique de couleur pour artistes rue des Martyrs à Paris. Sa boutique était si petite qu’il ne pouvait mettre qu’un tableau en vitrine. Pourtant si vous aviez eu la chance de le connaître à cette époque, vous auriez pu vous fournir en Van Gogh et en Cézanne à des prix défiant toute concurrence.

 

Le peintre et théoricien de l’art Émile Bernard, , mais aussi Maurice Denis, les critiques Gustave Geoffroy, Roger Marx vont s’intéresser à Cézanne et comprendre enfin à quel point le message qu’il essaie de faire passer est important.

 

1899 - Cézanne vend Le Jas de Bouffan, il espère acquérir Le Château Noir. L’affaire ne se fait pas. Il emménage au 23, rue Boulegon (siège de l’ancienne banque).

 

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Le 23 rue Boulegon. Qui fut le siège de l’ancienne banque Cézanne & Cabassol.

 

1900 - Maurice Denis peint l’hommage à Cézanne.

 

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Maurice Denis,Hommage à Cézanne
Huile sur toile 180 x 240 cm. 1900
Musée d’Orsay, Paris
De gauche à droite : Redon, Vuillard, Mellerio, Vollard, Denis, Sérusier, Ranson, Roussel, Bonnard, Marthe Denis.

Le tableau de Cézanne présenté sur le chevalet a appartenu à Gauguin.


Cézanne commence enfin à être reconnu.
En 1901 il se fait construire un grand atelier dans la périphérie d’Aix spécialement aménagée pour y peindre de grandes toiles (Les baigneuses).

 

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Le grand atelier

 

1902 - Visite d’Ambroise Vollard à Aix.

1904 - Visite à Aix d’Émile Bernard et Charles Camoin. Maintenant tout le monde veut rencontrer Cézanne.

1905 - Cézanne expose au Salon d’Automne, il a 66 ans.

Octobre 1906 Paul Cézanne revient de peindre sur le motif, près de la Sainte Victoire, il est surpris par un violent orage, il a un malaise. Des charretiers de passage le reconduisent à sa maison de la rue Boulegon. Il meurt à 67 ans d’une pneumonie le 23 octobre 1906.

 

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1907 - 56 œuvres de Cézanne figurent dans une rétrospective organisée par le Salon d’Automne. La même année Picasso peint Les demoiselles d’Avignon.


Comme je l’ai écrit précédemment, les premières œuvres de Cézanne n’ont rien d’impressionnistes, c’est ce qu’il appelait “sa période couillarde”. Personnellement je la qualifierais plutôt de romantisme baroque.

 

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Paul Cézanne, Le baiser de la Muse, d’après Frillé
Huile sur toile 82,5 x 66 cm. Vers 1859 - 1860
Musée Granet Aix-en-Provence,France

 

Il faut dire que ses premiers tableaux reflétaient l’influence de Delacroix, peintre pour lequel il avait une profonde admiration, et aussi des réalistes, en particulier Courbet. Sans compter tous les autres peintres, qu’il “côtoyait” au Louvre.

Non seulement sa peinture était très “classique”, mais il y avait un côté que l’on pourrait qualifier d’espagnol, je pense à Murillo et même à Zurbaran.

Heureusement pour nous Cézanne a viré sa cuti, ce ne sont certainement pas ces œuvres-là qui nous auraient laissé un souvenir impérissable.

Dès les premiers tableaux, on s’aperçoit que chez le maître d’Aix la forme et la composition priment sur la couleur. Chez lui la couleur est plus là pour souligner la forme que pour créer une impression comme ce serait le cas chez Pissarro ou Monet. Je ne veux pas dire que Cézanne n’attachait aucune importance à la couleur, il en parlera souvent, mais il ne l’utilisera pas comme un peintre impressionniste ou pointilliste, qui eux vont se soucier de juxtaposer les tons complémentaires de telle ou telle façon, par exemple pour l’ombre d’un objet.

À titre indicatif voici quelle était la palette de Cézanne :


Jaune brillant, Jaune de Naples, Jaune de chrome, Ocre jaune, Terre de Sienne naturelle,Terre de Sienne brûlée, Vermillon, Ocre rouge, Laque de garance, Laque carminée fine, Laque brûlée,Vert Véronèse, Vert émeraude, Terre verte, Bleu de cobalt, Bleu outremer, Bleu de Prusse, Noir de pêche.

En ce qui concerne le blanc , je n’ai aucun renseignement, peut-être a-t-il utilisé le blanc de céruse, dont à l’époque on ne connaissait pas encore la nocivité.

Au début Cézanne “s’embourbe” dans une pâte épaisse. Bien qu’il n’utilise pas le bitume comme son maître Delacroix, les fonds sont souvent noirs ou foncés. Par exemple, dans “L’Assasinat”


LA PENDULE NOIRE

 

 

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Paul Cézanne, La pendule noire
Huile sur toile 55,7 x 74,3 cm. 1869 - 1870
Musée d’Orsay, Paris

 

Dans “La pendule noire” (1867), on va se rendre compte à quel point Cézanne attache de l’importance à la composition. Ce tableau est organisé selon des verticales et des horizontales, comme beaucoup plus tard aurait pu le faire Mondrian.

 

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Remarquez le “cadrage” très particulier pour une peinture de l’époque, cadrage qui serait celui d’un photographe contemporain mais sûrement pas d’un peintre de 1870.

Je ne résiste pas à l’envie de vous conter la petite histoire de cette toile dont la sobriété et le dépouillement feraient facilement penser à une vanité. Tout l’esprit de Cézanne est dans ce tableau.

Vers 1869, date approximative à laquelle il fut peint, Zola habitait aux Batignolles, rue de la Condamine (Lire “l’Œuvre” ou Zola raconte les soirées du jeudi chez Sandoz, alias Zola) . Dans cette toile Cézanne avait réuni quelques objets chers à son ami. La pendule, bien sûr, son encrier, sa tasse à thé.

Curieux de constater que la pendule n’a pas d’aiguilles, venant d’un esprit aussi rigoureux que celui de Cézanne, ce n’est certainement pas un hasard. Peut-être voulait-il arrêter le temps, peut-être pressentait-il sa future brouille avec Émile ?

Pour l’explication du coquillage, voir un psy qui aura certainement beaucoup plus de choses à dire que je ne pourrais le faire sans tomber dans de la psychologie de bistrot.

Par la suite ce tableau ira dans la célèbre maison de Médan où, après leur “fâcherie”, il se retrouvera face au mur dans le grenier.
Aujourd’hui cette toile est au Musée d’Orsay où vous pourrez l’admirer et raconter son histoire à ceux qui ne la connaîtrait pas encore.


Décidément très marqué par Manet, Cézanne va peindre “Une moderne Olympia”, là aussi il en existe deux versions. La première a été réalisée quatre ans après celle de Manet. Il y a dans ce tableau une très belle recherche au niveau de la composition, mais l’ensemble reste encore très académique.

 

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Paul Cézanne - “Une moderne Olympia, première version
Huile sur toile 1867-70
Collection privée.

 

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Paul Cézanne - “Une moderne Olympia” deuxième version
Huile sur toile, 46 x 55 cm. 1873 - 1874
Musée d’Orsay Paris.


Dans la deuxième version, on trouvera une influence impressionniste beaucoup plus marquée. Il faut dire qu’entre temps Cézanne a rencontré Pissarro qui l’a fortement “impressionné”. Mais chez Cézanne le cerveau aura toujours la priorité sur l’œil, Cézanne est plus un cérébral qu’un instinctif, chez lui tout est réfléchi. Renoir peint pour s’amuser en se laissant aller à son instinct. Chez Cézanne, rien n’est laissé au hasard.

On connaît tous la célèbre formule de Cézanne : “Il faut traiter la nature selon le cube, la sphère et le cône”.
Et Émile Bernard ajoutait : “Si on est capable de dessiner parfaitement un cube, un cylindre et une sphère, on peut alors dessiner tout ce que l'on voit, que ce soit une table, une fenêtre, un paysage ou un visage... car tout objet, tout corps est structuré à partir de ces formes simples”.

 

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Paul Cézanne, Le Garçon au gilet rouge
Huile sur toile,79,5 x 64 cm. 1888 -1890
Fondation Emil G. Bûhrle, Suisse

La toile a été volée en 2008 ainsi qu’un Van Gogh, un Monet et un Degas. Seul le Garçon au gilet rouge a été retrouvé en 2012 en Serbie ?

 

En 1872, le séjour de Cézanne à Auvers- sur-Oise qui durera un an, va lui permettre de remettre en question les bases de son art.

On imagine facilement les discussions entre Cézanne, Guillaumin, le docteur Gachet et surtout son ami Pissarro.

 

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Paul Cézanne, La maison du docteur Gachet
Huile sur toile, 46 x 38 cm. 1873
Musée d’Orsay, Paris

 

 

Durant cette période (1872 - 1873) Cézanne, Pissarro, Guillaumin et, bien entendu, le docteur Gachet travailleront ensemble dans le grenier de la maison qui a été aménagé en atelier de gravure. Ils y effectueront de nombreuses estampes.

C’est maintenant que Cézanne va se libérer du “bourbier” dans lequel s’enfonçaient ses premières œuvres. La touche devient plus nette, les couleurs plus franches. S’il n’est toujours pas franchement impressionniste, il a retenu les leçons de Pissarro.

 

 

LA NATURE MORTE CHEZ CEZANNE


“Avec une pomme, je veux étonner Paris !”

                            Cézanne

 

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Paul Cézanne, Pommes et serviette
Huile sur toile 49 x 60 cm. 1879 - 1880
Collection privée.

 

Cézanne peint sur le motif. S’il s’agit d’un paysage, il est toujours possible de choisir un certain angle de vue, mais impossible de déplacer le clocher de l’église s’il n’est pas au bon endroit.

 

Avec la nature morte, l’artiste dispose les éléments comme il l’entend, rien n’est laissé au hasard. Cela convient particulièrement bien à Cézanne qui prendra un soin tout particulier à la composition de ses natures mortes.
Cela ira du plus simple :

 

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Paul Cézanne,Nature morte, poire et pommes vertes
Hule sur toile, 22 x 32 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

 

Et parfois au plus compliqué :

 

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Paul Cézanne – Nature morte, pommes et oranges
Huile sur toile, 74 x 93 cm. 1895
Muséz d’Orsay, Paris

 

CEZANNE, ET LE PAYSAGE

 


Jusqu’en 1872 Paul Cézanne avait toujours peint en atelier et jamais “sur le motif ” comme on disait à l’époque.

À la demande insistante de son ami Camille Pissarro, Cézanne s’installe pour quelque temps, d’abord à Pontoise et ensuite à Auvers-sur-Oise chez le docteur Gachet.

 

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Camille Pissaro et Cézanne à Pontoise

 

L’influence de Pissarro va être notable durant la période où ils travailleront en commun (1872 -1873). Ce sera certainement à ce moment que la peinture de Cézanne n’aura jamais été aussi impressionniste. De cette époque, “La maison du pendu”, “La maison du docteur Gachet” ; il y aurait bien d’autres exemples.

 

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Paul Cézanne,L’Etang des sœurs à Osny près de Pontoise
Huile sur toile 60 x 73 cm.
Courtauld Institute of Art Gallery, Londres

 

De retour à Aix, Cézanne n’aura de cesse d’aller peindre d’après nature, mais maintenant sa peinture favorisera toujours le côté construit. Cézanne trouve vraiment son style. L’influence de Pissarro disparaît. Ce qui n’empêchera pas Cézanne de vouer durant toute sa vie une très grande admiration pour son confrère et ami.

 

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Paul Cézanne, Le pont de Maincy
Huile sur toile, 60 x 75 cm. 1878 - 1879
Musée d’Orsay, Paris


Probablement Cézanne n’aurait pas revendiqué la paternité du cubisme, mais difficile d’imaginer que ce dernier ne soit pas né de sa peinture. Les premières œuvres de Braque et Picasso sont directement inspirées de Cézanne. Voir par exemple de Braque “Viaduc à l’Estaque”

 

 

LA SAINTE VICTOIRE

 

 

Il existe 11 peintures de la Sainte victoire et 17 aquarelles.

 

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Paul Cézanne, Le Château Noir devant la Montagne Sainte-Victoire
Aquarelle et mine de plomb, 31,6 x 48,7 cm.
Albertina, Vienne.


Dans ces aquarelles, on va se rendre compte à quel point Cézanne souhaitait tout ramener à l’essentiel, sur ces petits chefs d’œuvres ne reste plus que quelques lignes et autant dire pas de couleurs. Ne subsistent que les caractéristiques fondamentales du paysage.

 

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Paul Cézanne,La Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves
Aquarelle et mine de plomb sur vélin 29,8 x 46,2 cm. 1901 - 1906
Musée Granet, Aix-en-Provence,France

 

Comme on le sait, Cézanne était “obsédé » par la sainte victoire, il y retournera sans cesse. Il était un perfectionniste et non un laborieux, comme certains le laisseraient entendre. Il peignait lentement, revenant sans cesse sur l’œuvre en cours, on se rend compte du travail accompli pour réaliser autant de tableaux.

 

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Paul Cézanne,La Montagne Sainte-Victoire
Huile sur toile, 65 x 81 cm. 1895
Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City.

 

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Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire
Huile sur toile 1902 -1906
Metropolitan Museum of Art, New york.

 

 

 

CEZANNE ET LE PORTRAIT

 


Il y a aussi les autoportraits. Hormis Van Gogh, peu de peintres de cette époque ont en fait autant.

 

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Paul Cézanne, Autoportrait
Huile sur toile 64 x 53 cm. 1873 -1876
Musée d’Orsay, Paris

 

Difficile pour Cézanne de trouver des modèles suffisamment patients… Cela aussi explique ses nombreux autoportraits.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Vallier
Huile sur toile 54 x 64 cm.1906
Collection privée, Chicago USA.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Victor Choquet
Huile sur toile, 46 x 38 cm. 1877
Colombus Museum of Art, USA


Victor Choquet était un homme modeste, pas bien riche, mais qui, à une époque où personne ne s’intéressait aux “impressionnistes”, a su voir avant tout le monde l’intérêt de ces peintres. En fonction de ses moyens, il achetait quelques tableaux, et particulièrement des Cézanne dont il adorait la peinture. Il existe aussi un portrait de lui peint par Renoir.

 

CEZANNE ET LES GRANDES BAIGNEUSES

 

Mais c’est bien avec “ Les grandes baigneuses” que Cézanne va arriver à l’accomplissement de ses théories.

 

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Paul Cézanne, les grandes baigneuses
Huile sur toile,132,4 x 219,1 cm.Vers 1900 - 1905
Fondation Barnes USA.

 

Il est curieux de constater que les peintres qui produisent de petits tableaux se surpassent souvent dans les grands formats, ce fut le cas pour Cézanne.

 

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Paul Cézanne, Les Grandes Baigneuses
Huile sur toile 210,5 x 250,8 cm. Vers 1894 - 1905
Philadelphia Museum of Art.

 

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Paul Cézanne, Les Grandes Baigneuses
Huile sur toile 82 x 101,2 cm. 1900
The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania.

 


Cézanne va aussi s’intéresser à la composition avec plusieurs personnages, en particulier avec ses célèbres joueurs de cartes.

                                                                          ☆

 

LES JOUEURS DE CARTES


Il en existe plusieurs versions.

 

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Paul Cézanne, Les Joueurs de cartes
Huile sur toile, 1893 - 1896
Musée d’Orsay, Paris

 

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Paul Cézanne, Les Joueurs de cartes
Huile sur toile,65,4 x 81,9 cm. Vers 1890- 1892
Metropolitan Museum of Art, New York


 

Cézanne sait tout peindre, il peint même des fleurs - la preuve :

 

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Paul Cézanne, Le Vase bleu
Huile sur toile, 50 x 61 cm.1885 - 1887
Musée d’Orsay, Paris

 

Pour la petite histoire : En 1973, dans le cadre de l’amitié franco-polonaise fut organisée, sous la houlette du ministre des beaux arts Jacques Duhamel et de son confrère polonais, une exposition d’artistes ayant participé au Salon d’Automne (Cézanne y avait eu droit à une rétrospective). La toile de Cézanne “Le vase bleu” y figurait, ainsi que des œuvres de Bonnard, Gauguin, Vuillard, Matisse, Marquet, Juan Gris, Braque et j’en passe…

Parmi les contemporains, on pouvait voir : Bernard Buffet, Gérard Schneider, Chastel, Marzelle, Rohner. Bref, il y avait en tout 135 peintures triés sur le volet.

Allez donc savoir pourquoi on m’avait demandé de participer à cette exposition avec un tableau : “Requiem pour une étoile” . Cette toile avait bien été exposée au Grand Palais à un Salon d’Automne dont j’ai oublié la date., mais je ne sais pas qui avait pu choisir mon nom parmi les quantités de peintres ayant participé à ce salon. Sans doute ne le saurai-je jamais. Plusieurs tableaux que j’avais exposés au Salon d’Automne furent détruits ou repeints, celui dont il est question est toujours en ma possession et même s’il n’est pas au mur, je le revois toujours avec plaisir.

 

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BMC, Requiem pour une Etoile
Technique mixte sur toile,130 x 162 cm.
Collection de l’artiste

 

L’exposition a eu lieu à Varsovie puis à Katowice.


Tout ça c’était pour vous dire que j’ai eu au moins une fois dans ma vie l’occasion d’exposer avec certains de mes artistes favoris. Vanité des vanités !!!!
 

 

 

⭐️

 

 

 

C’est effrayant, la vie !

                                                                                Paul Cézanne

 

 

 

 

Publié le par BMC

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Je ne peux m’empêcher de faire un rapprochement avec le Mahatma Gandhi, et je suis très étonné que peu de chroniqueurs aient noté cette similitude.

En 1893, Gandhi (qui était avocat comme le fut Nelson Mandela) se trouve en Afrique du sud, il y découvre le racisme et l’intolérance. Durant vingt et un ans, de 1893 à 1914, il mènera un combat non violent. Après quoi il retournera en Inde. On connaît la suite. Gandhi conduira toute sa vie une lutte contre le racisme et l’intolérance.

En 1944 Nelson Mandela entre au Congrès National Africain, il vient d’avoir 26 ans.
A ce moment son objectif est de lutter contre le régime d’apartheid qui règne sur l’Afrique du Sud.

Je ne sais pas si c’était une bonne idée, en 1961 il fonde “Umkhonto we Sizwe”, la branche de l’ANC qui commet de nombreux sabotages Ce qui permet aux autorités d’arrêter Nelson Mandela le 12 juillet 1963. Il sera condamné à la prison à perpétuité et aux travaux forcés.
Inutile de vous faire un dessin. A cette époque les travaux forcés sont du même niveau que ceux qui existent encore en Russie, en Chine, en Corée du Nord et sans doute dans bien d’autres pays.

1964 Sera une date très importante pour l’avenir de son pays, il est enfin libéré par Frédérik De Klerk. Tous deux obtiendront le prix Nobel de la Paix en 1993.

Le 10 mai 1994 Nelson Mandela est élu Président.


Mandiba s’est éteint le 5 décembre 2013, des suites d’une tuberculose contractée lors de son séjour en prison.


P.S. si j’ai comparé Nelson Mandela au Mahatma Gandhi, j’aurais aussi bien pu le comparer à Martin Luther King.

Mais si l’on prend les trois personnages en question, ne sont-ils-pas ceux qui incarnent le mieux la lutte contre le racisme en cette fin de siècle ?

 

Ils nous ont quitté, mais bien d’autres sont prêts à prendre la relève. Les luttes contre le racisme ne finiront donc jamais…

 

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Publié le par BMC

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Article paru ce jour dans Le Monde


1 500 tableaux confisqués par les nazis découverts à Munich
Près de 1 500 tableaux de maîtres, propriétés de collectionneurs juifs, ont été découverts dans l'appartement d'un octogénaire à Munich, selon l'hebdomadaire allemand Focus. Parmi les toiles, d'une valeur totale de près d'un milliard d'euros, figurent des œuvres de Picasso, Matisse, Chagall, et de grands noms allemands comme Emil Nolde, Franz Marc, Max Beckmann et Max Liebermann.
D'après Focus, le père de l'octogénaire, un célèbre collectionneur allemand, Hildebrand Gurlitt, avait acheté ces tableaux dans les années trente et quarante : des toiles soit confisquées par les nazis à des juifs et revendues ensuite, soit vendues à bas prix par des juifs en fuite. Ou encore emportée par les agents du Troisième Reich parce qu'étant considérés comme de "l'art dégénéré" – par opposition à l'art officiel prisé par Hitler – et revendues ensuite par les nazis.
Hildebrand Gurlitt, peu apprécié des nazis au départ à cause d'une grand-mère juive, sut se rendre indispensable auprès des dignitaires du IIIe Reich grâce à ses innombrables contacts et ses immenses connaissances artistiques. Il fut ainsi chargé par le ministre de la propagande, Joseph Goebbels, de vendre dans des pays étrangers des tableaux d'"art dégénéré" exposés dans des musées allemands. Après la seconde guerre mondiale, le collectionneur sut se défendre de ses accointances suspectes, en mettant en avant ses origines juives et sa non-appartenance aux organisations du Reich. Il affirma également avoir aidé des Juifs et des artistes persécutés en achetant leurs biens.
Pendant près de cinquante ans, le fils avait gardé ces tableaux dans des pièces sombres de son appartement. Au fil des années, il les avait vendus et avait vécu du fruit de ces ventes. Parmi les œuvres découvertes, se trouve un tableau d'Henri Matisse qui avait appartenu auparavant au collectionneur juif Paul Rosenberg, forcé d'abandonner sa collection lorsqu'il avait fui Paris.
Cité par l'agence de presse allemande DPA, le parquet d'Augsburg, compétent dans cette affaire, n'a pas voulu commenter l'information.
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Question:


Anne Sinclair, petite-fille de Paul Rosenberg, va-t-elle demander la restitution du Matisse (et peut-être d’autres tableaux) ayant appartenu à son grand père ?

En 2008 Anne Sinclair a fait une dation au Musée Picasso d’une toile du maître : “Portrait de Madame Rosenberg et sa fille, toile datée de 1918”.

 

Voici la copie de mon article du 11 novembre 2006 sur le sujet :

 

L’art dégénéré


En 1933, le III° Reich a organisé un gigantesque autodafé : toute la littérature jugée contraire à l'esprit nazi y est passée. Vous vous souvenez peut-être du roman de Ray Bradbury, Farenheit 451; c'est le degré de température nécessaire à la destruction d'un livre.
Dans l'Allemagne nazie de 1933, il ne faisait pas bon avoir dans sa bibliothèque un livre de Bertolt Brecht ou d'André Gide. Des milliers d'ouvrages furent détruits par le feu.
Et une fois avoir détruit presque tous les livres subversifs, très peu en réchappèrent, on décida de s'attaquer aux œuvres d'art plastiques.

 

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Art National Socialiste

Vu l'état d'esprit de la population, qui dans sa majorité ne comprenait rien à l'Art Moderne, c'était très facile; il suffisait d'organiser une exposition ridiculisant les artistes.
C'est ainsi qu'en 1937 fut organisée à Munich une exposition des "arts dégénérés". Bien entendu, priorité aux artistes juifs.
Dans tous les régimes totalitaires la création est gênante car elle nous oblige à nous remettre en question et par la même occasion remettre en question l'ordre établi.

 

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Adolphe Hitler - (Aquarelle)

 

Adolphe Hitler, qui se prenait pour un artiste, nomma comme président de la "Chambre des Arts Visuel" un autre peintre "bidon" Adolphe Ziegler.
À peine installé dans ses fonctions, Ziegler va faire décrocher des cimaises des plus grands musées plus de 5.000 œuvres.
Ce serait trop fastidieux de vous en donner la liste complète, mais à titre indicatif voici les noms de quelques-uns des peintres mis au rebut : Braque, Chagall, Ensor, Ernst, Van Gogh, Gauguin, Kandinsky, Matisse, Munch, Picasso et tant d'autres…
17 tableaux de Klee seront présentés comme l'œuvre d'un schizophrène.


À compter de l'Impressionnisme tout ce qui pouvait se rattacher à un style était considéré comme dégénéré. Fauvisme, Dadaïsme, Cubisme, Expressionnisme, Futurisme, bref tout ce qui finissait par isme était systématiquement rejeté (sauf le nazisme…).

Revenons à Munich et à notre exposition des "arts dégénérés".
Adolphe Ziegler prit un plaisir machiavélique à organiser cette expo.

 

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Adolphe Hitler visitant l'exposition

 

Il fallait que cette exposition ridiculise les peintres et sculpteurs d'avant-garde et par la même occasion permette au public de trouver des arguments contre l'Art Moderne.
À côté de chaque œuvre étaient affichées des citations de l'artiste. Bien entendu ces citations sorties de leur contexte ne voulaient plus dire grand-chose, ou semblaient faire passer le peintre pour un débile. Si par malheur on n'avait rien trouvé, on affichait quelques sentences du Führer, parlant du snobisme des intellectuels de Weimar. Dans ces textes, il était question de "juiverie", de "production de malades mentaux", d'escroquerie, je passe sur tous les adjectifs qui furent utilisés. Le but final étant bien de faire passer ces artistes pour des aliénés.

En dessous de chaque œuvre était indiqué le prix auquel elle avait été achetée, montrant ainsi comment avait été dilapidé l'argent du contribuable, permettant au visiteur d'avoir un argument de plus.
Certaines des œuvres exposées furent détruites. Pour les "restantes", on organisa une vente; les amateurs y firent des affaires en or, il fallait avoir le courage de s'y montrer, avec le risque que cela comportait. Les prix étaient ridiculement bas, le record fut atteint par un Van Gogh qui partit à un prix dérisoire, ce fut le peintre dégénéré le mieux coté.

 

Inutile de dire que de nombreux artistes quittèrent l'Allemagne nazie.
Le cas le plus significatif fut celui de George Grosz, je vous en parlerai plus en détails une autre fois.


Proche de l'exposition des arts dégénérés se tenait une autre exposition consacrée aux "Arts Allemands". Il fallait bien que le public compare, on pouvait voir des sculptures "néo-grecques", des peintures exaltant le Travail, la Famille, la Patrie (je ne sais pas pourquoi ça me rappelle quelque chose). Les personnages étaient tous blonds avec des yeux bleus, les hommes dotés d'une musculature style monsieur univers, les femmes le plus souvent étaient réduites à "l'état de mère à l'enfant"; on verra de nombreuses peintures où elles donnent le sein à un rejeton, blond, bien entendu.

 

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Art national socialiste


Le projet Linz


Le projet prévoyait de faire de la ville de Linz la capitale mondiale de l'art, selon les critères nazis, bien entendu.
À Linz devait être rassemblées toutes les œuvres "récupérées" lors des pillages des musées et collections, en particulier en France. On se souvient des œuvres que Goering avait dans sa collection (souvenez-vous les faux Vermeer); ce n'était qu'un début.

 


Hitler qui donc se prenait pour un artiste ( à voir ses œuvres on se demande bien pourquoi ), avait dès le départ fixé les principes qui devaient régir l'art national-socialiste. Dans Mein Kampf, voici ce qu'il écrit : "Un artiste qui peint l'herbe en bleu est un menteur". On peut se douter qu'avec des principes de cet ordre l'art ne risquait pas d'évoluer. Les canons de l'art étaient fixés une fois pour toutes, et ne devaient en aucun cas être changés.

 

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Art national socialiste

 

La plupart des artistes dont le régime souhaitait avoir le soutient quittèrent l'allemagne nazie, on se souvient du cas Fritz Lang. Klee se rendit à Berne. D'autres vont collaborer, particulièrement parmi les musiciens: Carl Orff, Richard Strauss, Herbert Von Karajan.
Le sujet que j'ai abordé aujourd'hui est vaste; comme je ne peux traiter tout ce qui à un rapport avec lui j'y reviendrai dans d'autres articles. J'aurais voulu vous parler du camp de Miles où furent conduits de nombreux artistes, dont Hans Bellemer.

 

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Art national socialiste

 

L'art totalitaire n'a pas existé qu'en Allemagne, la Russie Soviétique en est un autre exemple.
Allez donc voir ce qui se passe en Corée du Nord en ce moment…
Sans doute le combat pour la liberté de l'Art ne sera-t-il jamais fini.

 

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Art national socialiste

 

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Art national socialiste

 

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A propos du premier conclave je vous ai récemment parlé de Viterbe. Non loin de Viterbe , toujours dans la région du Latium  ,se trouve le petit hameau de Bomarzo, depuis Rome il suffit d’environ une heure de route pour s’y rendre.

On prétend que le nom de Bomarzo signifierait: “Ville de Mars”.

Le village de Bomarzo est déjà une curiosité par-lui-même, et mérite un large détour (pour le voir). Mais tout ça  n’est qu’une mise en bouche par rapport à ce qui va suivre.

 

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Entre 1552 et 1580 le Duc Gianfrancesco Vicino Orsini ,qui de son château dominait la plaine, décida de créer à proximité un parc peuplé de monstres, de géants. Si vous vous y rendez il vous faudra choisir entre rêve et cauchemar. Pourquoi cette maison inclinée? L’ensemble des monstres ne correspond, que je sache, à aucun rite initiatique connu. A propos de la maison inclinée on peut penser au voyage de l’air dans les initiations maçonniques, mais il n’y a aucune cohérence avec les autres symboles. Bien entendu de nombreuses références à la mythologie.
Le temps, l’érosion, sont passés par là, aussi la mousse, les plantes qui envahissent tout ajoutent au mystère.
En tout cas le dépaysement est certain, s’agit-il d’une demeure philosophale, il faudrait demander à Fulcanelli, si vous connaissez son adresse....

 

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1 - "Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 73 x 56 cm. Peint du vivant de l'artiste

1 - "Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 73 x 56 cm. Peint du vivant de l'artiste

Comme vous le savez certainement, ma série de peinture “Les Hommaginaires” est destinée à rendre hommage aux personnes qui, à mes yeux, méritent d’être reconnus. Il s'agit souvent de peintres, et pour cause. Toutefois je ne suis pas sectaire, les scientifiques y ont leur place, on y trouve aussi des alchimistes: Nicolas Flamel, des écrivains: André Malraux, Antonin Artaud, des mystiques: Marthe Robin, et bien d'autres, inutile de les citer il vous suffit d'aller sur la colonne de droite de mon blog pour les découvrir.

Lorsque je réalise une peinture: “Hommaginaires à” et qu''il s'agit d'un peintre, il m'arrive souvent de “singer’ son œuvre, ne vous étonnez plus si dans mes Hommaginaires à Bacon vous trouvez une ampoule électrique ou un interrupteur, je ne cherche pas à faire des faux Bacon, "copier" ou "s'inspirer de" est pour moi une façon de rendre hommage à l'artiste. Voir l'ensemble de mon œuvre pour se rendre compte que je ne suis ni un copieur ni un un faussaire.

Voici les 14 nouveaux Hommaginaires à la suite des plus anciens que vous connaissez sans doute.

 

Les anciens hommaginaires à Francis Bacon

2 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

2 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

3  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

3 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

4  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

4 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

5  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

5 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

6  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

6 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

7  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

7 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

8 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

8 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

9  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 65 x 50 cm.

9 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 65 x 50 cm.

10  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 3 x 65 x 50 cm .

10 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 3 x 65 x 50 cm .

14 Nouveaux hommaginaires à Francis Bacon

11  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

11 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

12  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

12 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

13  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

13 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

14  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

14 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

15  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

15 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

16  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

16 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

17  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

17 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

18  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

18 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

19  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

19 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

20  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

20 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

21  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

21 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

22  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

22 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

23  - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

23 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

24 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

24 - Les Hommaginaires - Francis Bacon par BMC - Technique mixte 110 x 75 cm.

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Mon dernier article, vous l’aurez compris, avait été écrit en réaction à un changement brutal dans l’organisation de mon blog: le passage à Overblog Kiwi. Je suis comme tout le monde, je n’aime pas que l’on vienne chambouler mes petites habitudes.
Fort heureusement pour moi Overblog a eu la gentillesse de me contacter pour m’apporter son aide. J’ai pu à la suite de cela remettre certaines choses en forme, d’autre part je suis rassuré pour l’avenir. De nombreux changements sont prévus qui ne peuvent qu’améliorer la situation. (par exemple des nouveaux modules texte libre, possibilité d’en changer l’ordre, etc.)
C’est sur cette note optimiste et avec le retour des beaux jours que j’invite tout ceux qui auraient quelques difficultés avec Overblog Kiwi à faire preuve de patience.

A mes chers et fidèles internautes, je  demande de faire également preuve de persévérance le temps (il en faut) de remettre les articles et les catalogues peintures en forme.

 

L'homme à la fleur - peinture BMC

L'homme à la fleur - peinture BMC

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Overblog " m'a tuer "

 

Pourquoi avoir tout chamboulé ?

Pourquoi ne peut-on garder le design que nous avions peaufiné au cours de nombreuses années de travail ?

Pourquoi vouloir à tout prix tout simplifier?

Pourquoi ce nivellement par le bas ?

Résultat: Vous ne verrez plus mes albums peintures (1500 œuvres), La liste des articles a disparu si vous en cherchez un, il faudra y aller à la billebaude, Le traducteur apparaît dans le module pages mais il ne fonctionne pas ?.

Pour ceux qui le désirent, et parce qu’on me l’a demandé, je laisse l’ensemble de mes articles, patientez, je les reprends un à un pour les remettre en forme.
Ne vous étonnez pas si je ne réponds pas toujours aux commentaires, certains n’apparaissent pas, je n'arrive pas à programmer mes réponses????

 

MERCI Overblog !

 

 

 

Peinture BMC - Technique mixte - 110 x 75 cm.

Peinture BMC - Technique mixte - 110 x 75 cm.

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Le Pape est mort, un nouveau Pape est appelé à régner. Araignée ! Quel drôle de nom pour un pape, pourquoi pas libellule ou papillon ?

                                                                                          Jacques Prévert

 

 

Comme tout le monde le sait conclave vient du latin cum (avec) clavis (la clef). Autrement dit enfermé à clef.

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Clément IV

 

C’est à Clément IV que nous devons le spectacle auquel nous allons bientôt assister, parait-il pour la dernière fois. Pour ceux qui ne me croiraient pas, voir les prophéties de Saint Malachie (qui ne profitent jamais).

 

D’ailleurs à ce sujet, voici quelques précisions: Le saint homme (Malachie) nous donne la liste des 111 (à son époque) papes à venir. Il ne nous  délivre pas les noms mais une devise correspondante à chacun d’entre eux. Pour Benoit XVI ce sera: “La gloire de l’olivier”, les branches d’olivier sont parait-il le symbole de l’ordre de Saint Benoit.

 

Et pour le 112° et dernier pape  la devise est très claire, il se nommera Petrus (aucun lien avec le vin) Romanus. Pierre le romain (aucun rapport avec le bistrot).

 

Certains prétendent qu’entre les deux derniers papes, il y aurait  des antipapes. Je  laisse cette hypothèse à leur imagination délirante. Cela  semble-t-il n’est pas très sérieux.

 

Mais revenons à nos moutons. A l’origine Clément IV s’appelait Gui Foulques, ou Fouquois, même peut être Foucault (avec l’accent gardois difficile de s’y retrouver). A son époque il était plus connu dans sa bonne ville de Saint-Gilles (Gard) sous le sobriquet de “le Gros”.

 

“Le Gros” à, d’abord été avocat ; comme à son époque le mariage pour tous n’avait pas été inventé, il se maria normalement avec une femme dont il eut plusieurs  enfants. Bien entendu, les mœurs avaient évolué et ce n’est tout de même pas  le fait d’avoir, dans quelques moments d’égarement, fait plusieurs enfants qui allaient l’empêcher d’être pape, d’autant qu’entre temps sa femme était passée rendre visite à Saint Pierre.

 

Le pontificat de Clément IV s’étendit du 5 février 1265 au 29 novembre 1268.

C’est à Viterbe (à Rome, c’était la guerre) que s’installe le Saint Siège. Clément fréquente des tas de gens très bien, entre autres Roger Bacon (l’illustre aïeul du peintre Sir Francis) et surtout son pote Saint Thomas d’Aquin.

 

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Viterbe

 

Clément IV était un pape très à cheval sur les principes. Un jour où l’armée de Conradin de Souabe défilait le long du palais Dominical, depuis la loggia papale, il en profita pour hypocritement excommunier l’armée toute entière. (Je ne sais pas si ça figure dans le livre des records).

 

Mais tout a une fin, même les papes, ce fut le tour de Clément IV.

Et il fallut bien organiser une nouvelle élection.

 

C’est à Viterbe en 1271 que se tint le premier conclave. Les cardinaux convoqués en urgence devaient trouver un remplaçant à Clément, ils prirent tout leur temps. Il faut dire que la cantine était plutôt du genre ★★★★. Durant une année il ne se passa rien, en dehors des agapes. Comme cette situation ne pouvait pas durer, Bonaventure, ministre général des franciscains (le futur Saint Bonaventure) prit les choses en main, en accord avec le Seigneur de Viterbe il décida d’enfermer les cardinaux dans une seule pièce dont on retira le toit “afin que l’Esprit Saint puisse se manifester”. Si vous faites une demande au Ciel n’oubliez pas de retirer la toiture, ou alors allez vous agenouiller sur votre pelouse, autrement ça ne marche pas. Comme cela ne suffisait pas les cardinaux furent mis au pain sec et à l’eau. On menaça même de les affamer.

 

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Saint Bonaventure

 

Les cardinaux devenus enfin raisonnables élisent 6 d’entre eux  qui finissent enfin par se mettre d’accord.

Il fallut tout de même près de trois ans pour obtenir un résultat.

 

Pour le prochain pape j’espère qu’il n’y aura pas de difficultés, ce serait dommage d’être obligé d’enlever le toit de la Sixtine !

 

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P.S. À tout hasard je porte à la connaissance des cardinaux qui pourraient me lire, et qui n’en auraient pas eu connaissance, qu’il est strictement interdit de tweeter sous peine d’excommunication durant tout le conclave.

 

Un bon truc pour faire fortune: en Angleterre  les paris sur le nom du prochain pape risquent de rapporter gros : Vous croyez qu’il va s’appeler Pierre? En tout cas y’a un coup à tenter.

 

 

 

 

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Jean Genet - Le condamné à mort

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Peinture BMC

 

Sur mon cou sans armure et sans haine, mon cou
Que ma main plus légère et grave qu’une veuve
Effleure sous mon col, sans que ton cœur s’émeuve,
Laisse tes dents poser leur sourire de loup.



Ô viens mon beau soleil, ô viens ma nuit d’Espagne,
Arrive dans mes yeux qui seront morts demain.
Arrive, ouvre ma porte, apporte-moi ta main,
Mène-moi loin d’ici battre notre campagne.



Le ciel peut s’éveiller, les étoiles fleurir,
Ni les fleurs soupirer, et des prés l’herbe noire
Accueillir la rosée où le matin va boire,
Le clocher peut sonner : moi seul je vais mourir.

 



Ô viens mon ciel de rose, ô ma corbeille blonde !
Visite dans sa nuit ton condamné à mort.
Arrache-toi la chair, tue, escalade, mords,
Mais viens ! Pose ta joue contre ma tête ronde.

 



Nous n’avions pas fini de nous parler d’amour.
Nous n’avions pas fini de fumer nos gitanes.
On peut se demander pourquoi les cours condamnent
Un assassin si beau qu’il fait pâlir le jour.

 



Amour viens sur ma bouche ! Amour ouvre tes portes !
Traverse les couloirs, descends, marche léger,
Vole dans l’escalier, plus souple qu’un berger,
Plus soutenu par l’air qu’un vol de feuilles mortes.

 



Ô Traverse les murs ; s’il le faut marche au bord
Des toits, des océans ; couvre-toi de lumière,
Use de la menace, use de la prière,
Mais viens, ô ma frégate, une heure avant ma mort.

 

 

 

 

 

 

 

 

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BMC Château de Saint-Loup vers 1950       

 

 

En fait, mes premières peintures datent de plus de 65 ans, mais étant donné que j’en ai complètement perdu la trace, je préfère ne pas en parler (voir mon article “Ça peint vert, ou comment devenir peintre”). Je n’ai jamais su si c’était moi qui les avais lâchement abandonnés, ou elles qui avaient décidé de la séparation.

Comme vous avez dû le constater, j’ai toujours peint par séries, mais si, comme je le pense, vous avez l’œil un tant soit peu exercé vous aurez vite fait de découvrir le lien qui unit ces différentes catégories.

Comme je n’aime pas beaucoup parler de moi, et encore moins de ma peinture (ce qui revient au même) j’ai mis 25 albums sur la colonne de droite de mon blog, chacun correspondant à une période déterminée, ce qui vous permettra de faire la comparaison par vous même.

Vous n’êtes pas pour autant obligés de regarder les 1500 œuvres, du moins en une seule fois… D’autant que je suis capable d’en rajouter.

Pour ceux qui ne le sauraient pas, il est toujours possible de mettre des commentaires à la suite des articles,  mais aussi sur chaque album. Ne vous en privez pas.

Quitte à passer pour un vieux con, je le revendique haut et fort, oui il faut bien 60 ans de travail pour arriver à maîtriser la technique qui permet la réalisation d’œuvres dont ont n’a pas trop à rougir.

Et maintenant courage, ouvrez un album, au hasard si vous voulez, mais comme vous le savez certainement le hasard n’existe pas plus que le père Noël.

 

 

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De la série “La guerre” Technique mixte sans titre 110 x 75 cm.

 

 

 

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             “Matinée brumeuse à Voisin” - 1874 - Musée d’Orsay Paris.

             

La peinture d’Alfred Sisley est facilement accessible à tous, cela n’a rien de péjoratif, je veux dire par là qu’on ne retrouve pas chez lui l’intellectualisme d’un Cézanne ou même d’un Seurat. Les sujets de ses tableaux  sont assez séduisants même lorsqu’il peint les inondations ou des paysages de neige, cela n’est jamais triste.

 

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  “L’inondation à Port-Marly” - 1876 - Musée d’Orsay - Paris

 

Si je parle de peinture française c’est parce qu’il n’y a dans son art rien d’excessif, on retrouve chez lui cet équilibre caractéristique aux peintres français, je pense à Bonnard, Corot,  Chardin,  Poussin, la liste serait longue si je devais tous les citer.

 

De plus, en dehors de ses trois années d’études à Londres, Sisley a toujours vécu en France, et ses amis sont, entre autres, Bazille, Renoir, Pissarro, Cézanne, Monet, Berthe Morisot, et bien d’autres encore.

Suite à sa demande de naturalisation, il obtiendra  la nationalité française quelques jours après son décès.

 

Qui est Alfred Sisley ?  

 

Il naît à Paris, il y a aujourd’hui jour pour jour  173 ans : le 30 octobre 1839. Son père est commerçant en tissus, bien entendu, il rêve que son fils lui succède à la tête de son commerce. Aussi à l’âge de dix-huit ans est-il “parachuté” en Angleterre dans une école de commerce. Malheureusement pour William Sisley et son épouse Felicia, le jeune Alfred ne montre aucun intérêt pour le commerce, trois ans plus tard il sera de retour à Paris.

Mais de son séjour à Londres il ne reviendra pas les mains vides, là-bas il a découvert la peinture : Constable mais surtout  Turner. A Paris il va rencontrer le peintre Frédéric  Bazille et suivant ses conseils, il s’inscrit à l’atelier Gleyre.  N’en déplaise à ses chers parents Alfred ne sera pas commerçant, mais artiste-peintre comme on disait à l’époque. C’est chez Gleyre qu’il fera la connaissance de Monet et Renoir.

 

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La Seine à Suresnes”

 

De 1861 à 1866 Sisley va séjourner à Barbizon, il peint sur nature,  c’est à cette époque qu’il commence véritablement son œuvre, il parcourt la forêt de Fontainebleau et les villages environnants, fait de nombreuses études.

 

C’est en 1866 qu’il peint un tableau intitulé : “Femmes allant au bois à Marlotte” tableau de facture classique qui sera accepté au Salon.

 

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“Femmes allant au bois à Marlotte” - 1866 - Huile sur toile 65 x 92 cm.

Bridgestone Museum of Art Shibashi Fondation - Tokyo.

 

Alfred Sisley vit maintenant avec Eugénie Lescouezec, très vite ils auront un fils, Pierre.

 

En 1867 Sisley est refusé au Salon, il fait partie des tout premiers à signer la pétition  demandant  la création d’un Salon des Refusés.

 

1869 - Naissance de son deuxième enfant  Jeanne-Adèle.

 

La même année son tableau présenté au salon est refusé.

 

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“Place du Chenil à Marly, neige” 1876 - Huile sur toile 46 x 61 cm. - Musée des Beaux-Arts Rouen.

 

Depuis quelques temps Sisley et sa famille sont installés à Bougival, en 1870 leur maison est détruite par les prussiens, ils ne leur reste plus rien.

 

La famille se réfugie provisoirement à Paris, ils vont y rester durant la période du siège et de la Commune.

 

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  “Neige”

 

1872 - Séjour avec Monet à Argenteuil. Le célèbre marchand Paul  Durand-Ruel lui achète quelques toiles, et en expose quelques-autres dans sa galerie de Londres.

 

Sisley s’installe avec sa famille près de Louveciennes où il peindra de nombreux tableaux.

 

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“Paysage à Louveciennes” - 1873.

 

1873 -Avec ses amis de toujours : Cézanne, Monet, Renoir, Pissarro, Berthe Morisot,  création de la Société anonyme coopérative des artistes-peintres sculpteurs, graveurs, société qui sera à l’origine de la première exposition de ceux que l’on n’appelaient pas encore “Les Impressionnistes”.

 

A la suite de ce regroupement a lieu la première exposition collective organisée dans l’atelier du photographe Nadar. Comme vous le savez sans doute, cette exposition ne sera pas un succès.

 

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1875 - A lieu une vente aux enchères publiques d’œuvres impressionnistes. Sisley vend une vingtaine de toile pour un prix moyen d’environ 120 Fr. la toile, ce n’est pas le Pérou mais ça met du beurre dans les épinards.

 

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“Le sentier de la mi-côte à Louveciennes” - 1873 - Musée d’Orsay Paris.

 

1876 - Peinture des inondations à Port-Marly.

 

1877 -  Le collectionneur Eugène Murer qui a déjà acheté plus de 20 tableaux à Sisley, connaissant la situation financière dans laquelle se trouve l’artiste, organise une loterie à laquelle il associera Pissarro qui lui aussi a bien besoin d’argent.

 

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“Louveciennes chemin Etarch sous la neige” - 1874.

 

1880 - Sisley est toujours dans une situation financière des plus critiques malgré l’aide d’Eugène Murer et de Durand-Ruel. Une fois de plus Sisley est contraint de déménager, c’est à Moret sur Loin qu’il s’installe avec sa famille.

Durand Ruel fait ce qu’il peut pour assurer la promotion de son poulain, il présente ses tableaux dans sa galerie de Paris et celle de Londres, il accorde de nombreux prêts au peintre, qui bien entendu ne pourra jamais les lui rembourser, Théo Van Gogh lui achète une œuvre.

 

En juin 1885 Durand-Ruel organise une exposition à Bruxelles, y participent : Monet, Degas, Pissarro, Renoir et, bien entendu l’Alfred.

 

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  “Un coin de bois aux Sablons”

 

1886 - Nouveau déménagement à Veneux-Nadon (Veneux les Sablons).

 

1889 - Durand-Ruel expose 28 tableaux de Sisley à New York, les finances vont un peu mieux. Sisley envisage de prendre la nationalité française. En 1890 il est élu membre de la Société Nationale des Beaux-Arts.    

 

Ultime déménagement 19, rue Montmartre  à Moret-sur-Loing. Sisley change de marchand, c’est maintenant la galerie Georges Petit qui le représente. Un de ses tableaux est vendu 7.500 Fr. On peut dire que Sisley jouit maintenant d’une “petite” renommée internationale.

 

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“Matin de juin” - 1884.

 

1897 - Sisley prépare une exposition de 150 tableaux, une sorte de rétrospective qui a lieu chez Georges Petit à Paris.

 

La même année Sisley à “attrapé” une grippe dont il n’arrive pas à guérir. Suivent des douleurs névralgiques.

 

Alfred Sisley décide de mettre de l’ordre dans sa vie, lors d’un voyage en Angleterre il se rend au consulat de France pour reconnaître ses deux enfants Pierre et Jeanne-Adèle. Il épouse Eugénie avec qui il vivait depuis plus de 30 ans. Il fait les démarches nécessaires pour obtenir la nationalité française, malheureusement il n’obtiendra celle-ci qu’après avoir transité de l’autre côté du miroir.

 

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  “Allée des peupliers”

 

Eugénie le précède dans la mort le 8 octobre,  Sisley à bout de force ne pourra même pas assister à son enterrement.

 

Le 21 janvier 1899, il demande à Monet de veiller sur ses enfants. Il meurt le 29 janvier à l’âge de 60 ans. Il sera enterré au cimetière de Moret-sur-Loing. En présence de Monet et Renoir.

 

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Alfred Sisley

 

 

 

 

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Petite fleur - Photo BMC

 

DEUX PAS VERS LA LUMIERE



“Il y a un mystère dans ma vie (...) dont la base est que je ne suis pas né à Marseille le 4 septembre 1896, mais que j’y suis passé ce jour-là, venant d’ailleurs, parce que, en réalité, je ne suis jamais né et que je ne peux pas mourir. Pour les ânes médico-légaux, c’est du délire; pour certains de la poésie; pour moi, c’est de la vérité comme un bifteck pommes frites ou un coup de vin blanc au comptoir d’en face”
 
                                                                              Antonin Artaud



En 1957 j’habitais en Belgique, un triste jour je reçu du consulat de France une convocation pour rejoindre au plus vite Brive la Gaillarde afin de remplir mes obligations militaires, c’est comme ça que l’on disait à l’époque. C’était la guerre d’Algérie, “la pacification”, enfin vous connaissez la suite... J’avais la ferme intention d’être objecteur de conscience, malheureusement la famille veillait, mon père crut bon de me rappeler comment son frère était mort à la guerre. Comme si cela allait m’encourager! Enfin j’abandonnais cette idée qui a été probablement le plus grand regret de ma vie.
Je suis arrivé à Brive avec 11 jours de retard, c’était déjà ça de gagné.

J’étais attendu de pied ferme, à peine passé le poste de garde on m’amena manu militari jusqu’au bureau du capitaine commandant la compagnie.
- Ça fait longtemps qu’on vous attendait !
- Excusez-moi Monsieur, mais comme j’habite en Belgique, le temps que je reçoive mes papiers...
A voir sa tête je voyais bien ce qu’il devait penser : “il me prend pour un idiot ou quoi ! ”
- Bon en tout cas il faudra que vous rasiez votre barbe, et puis sachez qu’ici il n’y a pas de Monsieur, vous devez m’appeler mon capitaine.
- Non Mon cap.. j’ai l’intention de garder, ma barbe.
Le capitaine qui commençait à ne pas apprécier la plaisanterie me répondit que dans ce cas je devrai faire une demande au colonel par voie hiérarchique. Bien m’en pris, j’obtint l’autorisation de la garder à condition de laisser tout pousser sans la tailler. Depuis Napoléon (au fait c’était quoi son prénom à celui-là ?) une loi stipulait que seul les marins, allez donc savoir pourquoi, avaient le temps de tailler correctement leurs barbes, mais à Brive la gaillarde il n’y avait pas de marine.  Je fus grâce à ce subterfuge, barbu exempté de garde et de défilé.
Monsieur le capitaine prit congé de moi en ces termes:
- Bon comme vous voulez, vous serez affecté à la première section en temps que grenadier voltigeur (Ce n’est que plus tard qu’à ma demande je suis devenu infirmier). L’expression me plut beaucoup, je n’imaginais pas que des militaires pouvaient à ce point faire preuve de poésie. Moi qui n’ai jamais pu lancer une grenade à plus de trois mètres, ce n’était pas ce qui me convenait le mieux, pour la voltige non plus je n’étais pas très doué, mais bon ici on ne discute pas.

Le jour même, avec mes futurs “coreligionnaires” nous étions convoqué dans une salle, où un quelconque sous officier demanda à ceux qui savaient écrire de bien vouloir noter leur première impression, l’un d’eux résuma très bien la situation en six mots:


“Ciel gris, murs gris, matière grise”

Et nous voici maintenant 28 mois (moins 11 jours) après le jour où j’aurais normalement dû faire mes premiers pas au service de la France. Il leur aura fallu tout ce temps pour s’apercevoir que finalement je n’étais pas  de la bonne graine à fusil. je suis enfin libéré, et comme il n’est pas question que je retourne en Belgique, c’est tout naturellement que je décide de m’installer à Paris, ville des arts, des musées et de tout ce qui me passionne. En ce temps là il suffisait d’ouvrir le journal à la page des petites annonces, et c’était dans la poche. Comme je ne pouvais pas espérer vivre de ma peinture, j’ai commencé ma carrière comme commercial, 50.000Fr. par mois payés en espèces dans une enveloppe marron, c’était pas terrible mais ça permettait de survivre.


C’est Boulevard de Courcelles, dans les beaux quartiers face au parc Monceau que j’ai négocié le prix de ma chambre de bonne, la propriétaire en voulait 13.000 Fr. 
Je lui ai expliqué que comme j’étais superstitieux ça me posait problème, sans doute ai-je été suffisamment convaincant le loyer fut ramené à 12.000.
A vrai dire ça ne méritait pas davantage, après avoir passé l’entrée de service de l’immeuble il fallait descendre quelques marches, tourner au niveau des poubelles pour ensuite remonter 7 étages à pied. La pièce minuscule   se trouvait tout au fond d’un interminable couloir Kafkaïen, elle était éclairée par un demi œil de bœuf. Elle aurait très bien convenue à un moine trappiste, le mobilier était réduit à un petit lit en fer, une table de toilette un broc, une cuvette, une table et une chaise, pas de chauffage et l’eau à l’autre bout du couloir. Pas question de brancher le moindre appareil électrique, les plombs de l’étage sautaient et plongeait tout le monde dans l’obscurité.


Pardonnez-moi cette introduction un peu longue, mais je crois qu’il était important de planter le décor.

Et c’est maintenant que tout commence :

Un soir, qui allait sans doute devenir le moment le plus important de ma vie, après une journée tout ce qu’il y a de plus banale, je m’étais endormi comme  d’habitude, je crois me souvenir qu’il faisait très froid.
Au milieu de la nuit j’ai subitement  pris conscience de me trouver en train de flotter au dessus de mon corps, c’était bizarre je me regardais dormir et pourtant j’étais au dessus, je n’avais pas conscience d’être dans un autre corps, je ressentais très bien ma respiration, c’est tout. J’avais une curieuse impression celle d’occuper tout l’espace de la pièce, une chose était certaine Je ne rêvais pas, j’étais dans un état de conscience différent, je me sentais capable de résoudre tous les problèmes, jamais je n’avais été aussi lucide, jamais je ne m’étais senti aussi bien. je prenais conscience des objets de l’intérieur, je ne vois pas comment le dire autrement. Des objets en question irradiait une lumière bleue. Beaucoup plus tard j’ai eu l’occasion à la centrale atomique de Saclay de me retrouver sur “le plongeoir” (c’est comme ça qu’on l’appelle)  de la pile atomique au cœur de la piscine, et le bleu qu’irradiaient les barres me rappela mon expérience c’était exactement la même lumière.

Jamais de ma vie je ne m’étais senti si bien, la chambre n’était pas bien grande je me trouvais près du plafond et c’est à ce moment qu’est survenu une chose bien étrange: je suis passé à travers le mur, je voyais tout en perspective, il devait être tard l’immeuble en face avait quelques fenêtres allumées, c’est à ce moment que j’ai pris conscience du vide en dessous de moi j’ai été pris de vertige et instantanément j’ai regagné mon corps physique, celui-ci me paraissait lourd comme du plomb. Ne vous étonnez pas si plus tard dans mes séries de peinture il y en a une qui s’intitule “Le poids de la matière”.
Jusqu’au matin je ne me suis pas rendormi, je venais de vivre une expérience exceptionnelle, je prenais conscience de l’événement que cela représentait. Je savais maintenant que l’esprit pouvait exister en dehors du corps, je savais aussi que plus jamais je n’aurai peur de la mort, tout ça je le savais avec toute ma masse, rien ni personne ne pourra jamais me faire douter de cela. Non l’esprit ne demeure pas dans le cerveau comme le pensent les occidentaux. Il n’est pas non plus dans le cœur comme le disent les orientaux, pourquoi serait-il situé dans un organe?

Et maintenant se posait la grave question, fallait-il en parler ? J’allais passer pour un doux dingue. J’imaginais ce que penseraient mes interlocuteurs : “Tu as fumé la moquette ou quoi ? ”, une ou deux fois j’ai essayé, cela provoquait généralement un petit sourire en coin qui en disait long. “Ah oui ce rêve ue tu m’as raconté”. Non ce n’était pas un rêve. A cette époque personne n’avait jamais  entendu parlé de ce genre de baliverne. Je pris donc le partie d’enfouir tout ça dans le cimetière de mon jardin secret, à cette époque il y avait encore un peu de place.

Bien sûr j’ai cherché dans la littérature existante ce qu’il pouvait y avoir sur le sujet. Mais en dehors des livres d’occultisme, il n’existait rien. J’ai lu et relu la méthode de dédoublement personnel de Charles Lancelin. Je suis même allé chez un pharmacien demander que l’on me fasse une préparation censée aider à sortir de mon corps, malheureusement celle-ci contenait certaines drogues illicites, et bien entendu, je n’avais pas d’ordonnance. Je me rappelle la tête du potard lorsque je lui ai expliqué l’usage que je voulais en faire.

Enfin en 1975 paraissait un ouvrage sérieux sur le sujet, le docteur Raymond Moody publiait “La vie après la vie”. Dans ce livre de nombreux témoignages faisaient état de sorties hors du corps, et à un niveau bien supérieur à celui que j’avais connu. Tous racontaient la même histoire, quelle que soit leur nationalité ou leur religion, les enfants aussi (voir leurs dessins). Cela commençait toujours par la décorporation telle que je l’avais vécue suivie du passage dans un tunnel qui menait à une lumière blanche très forte mais qui n’éblouissait pas. Ceux qui s’y sont “baignés” disent avoir ressenti une impression d’amour, de chaleur intense, inimaginable sur terre. Parfois la personne voit en quelque secondes défiler sa vie. Le temps et l’espace semblent ne plus exister à ce niveau. Comme je ne vais pas vous raconter tout le livre du célèbre docteur, je vous conseille de le lire. Cet ouvrage fit beaucoup parler et ceux qui avaient vécu ce genre d’histoire se décidèrent enfin à dire des choses, les langues se délièrent. De nombreux médecins, particulièrement des anesthésistes, s’intéressèrent à la question. Le docteur Moody et bien d’autres firent paraître de nombreux autres ouvrages sur le sujet. En parler n’était plus tabou.

 

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Comment expliquer que le peintre Jérome Bosch (1453 - 1516 ) peignit le fameux tunnel?


Les expérimentateurs (c’est ainsi qu’on les nomme) ne sont pas forcément des mystiques, ils n’ont pas forcément une croyance particulière, ce sont des gens comme vous et moi. Parfois certains ajustent leur expérience en fonction de leur religion, mais c’est quand même toujours le même schéma de base, même si pour certains la lumière au bout du tunnel est assimilée à leur Dieu.
Après avoir vécu ce genre d’événement on voudrait bien le vivre à nouveau.  J’ai  lu et relu le livre des morts tibétains, lui aussi racontait la même chose. Aux tibétains on pouvait faire confiance, cela ne faisait jamais que plus de 3.000 ans qu’ils étudiaient le problème, et comme de plus ils ne sont pas déiste leur connaissance est plus basée sur la philosophie et l’expérimentation que sur une quelconque foi religieuse. Pour eux l’expérience post-mortem semble encore faire partie du Samsara, mais ne compliquons pas les choses.

Même les scientifiques se sont intéressés à la question voir, entre autres le livre du physicien Jean E. Charon : “Mort voici ta défaite”.Dans cet ouvrage le célèbre physicien explique que les électrons entrant dans la constitution de notre corps ressemblent à de minuscules “trous noirs”. Ces éléments enferment un espace et un temps différents. Cet espace-temps nouveau possède des qualités qu’il faut bien se résoudre à qualifier de spirituelles. Ce serait dans ces électrons “pensants” appelé éons que notre esprit tout entier serait contenu. Ces particules ayant une vie pratiquement éternelle, dans le passé comme dans le futur, je vous laisse imaginer la suite. Pour en savoir plus lire le livre de J.E.Charon.

Voir aussi les recherches menées par Elisabeth Kubler Ross.

Les témoignages sont trop nombreux pour êtres cités dans ce billet. La plupart des expérimentateurs ont vécu ces expériences après avoir subi  un accident violent. Souvent alors même qu’ils sont endormis par anesthésie ou considérés comme “mort clinique” parfois depuis plus d’une heure, ils reviennent et curieusement le plus souvent ils semblent ne pas garder de séquelles de leur passage de l’autre coté du miroir. Voir plus loin quelques témoignages vidéo. Parfois cela peut arriver durant le sommeil, mais c’est plus rare, mon histoire personnelle en témoigne.
Souvent les victimes, endormies artificiellement, inconscientes, vont à leur réveil faire des déclarations étonnantes, révéler des choses qu’elles ne pouvaient pas voir, pourquoi tel chirurgien s’est-il comporté de telle ou telle façon, pourquoi tel autre n’avait pas les mêmes vêtements. Parfois elles rapportent des conversations que nul n’avait pu répéter, conversations parfois tenues loin de la salle d’opération ?
Après cette expérience leurs vie est le plus souvent transformée, les valeurs matérielles ne comptent plus, une expérimentatrice qui avant son expérience était professeur de danse à son réveil se retrouve sculpteur. Un homme qui était garagiste ne comprend pas pourquoi le mot quanta “le poursuit” alors même qu’il ne sait pas ce que cela veut dire, pour se débarrasser du problème il ira chez un libraire et racontera un gros mensonge “figurez-vous c’est pour un concours, on me demande des renseignement concernant quanta?” le libraire lui trouva un livre sur la physique des quantas et l’homme s’aperçut à son grand étonnement qu’il comprenait presque tout.

Il y a des cas plus dramatiques : celui d’un homme qui venait d’avoir un accident de moto et voyait les urgentistes discuter pour savoir si sur l’homme en question on pouvait prélever le cœur, et lui d’en haut voulait crier “arrêtez je suis vivant”, de retour dans ce que vous appelez le monde de la réalité  il a bien dû raconter cette histoire mais sans doute pas aux médecins. De quoi faire réfléchir sur les dons d’organes...


Les expérimentateurs disent tous, lors de leurs expériences, lire dans la pensée des personnes, elle savent à l’avance ce qu’elles vont dire. De même la vue n’est plus directive, on voit de tous les cotés à la fois sur 360 degrés.
Pour se déplacer il suffit de penser à l’endroit où l’on veut se rendre, l’effet est immédiat.

Comme les images valent souvent mieux qu’un long discours voici quelques documents que je vous conseille de consulter, il en existe des quantités sur le net.

                    

                                                   
                                               
Quelques liens sur ce blog
               
                                       
                              
                     
             
                               
                              
                           
                      
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Publié le par BMC
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“Jésus est revenu. Mais si, mais si.”

                                                                                Raymond Devos

 

 

Un peintre du nom d’Elias Garcia Martinez (1858 – 1934) séjournait comme il en avait l’habitude durant ses vacances à Borja. C’est là qu’il décida de faire un don à l’église du village. Il offrit au curé de l’époque une toile intitulée Ecce Homo. En bas de la toile avait été mentionné : “Ceci est le résultat de deux heures de dévotion à la Vierge de la Miséricorde”.

 

Le peintre en question n’a jamais été considéré comme un artiste exceptionnel, mais cela n’était pas une raison pour massacrer son travail.

 

Voici la toile   telle quelle était il y a deux ans :

 

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Et ce qu’il en restait en juillet après les ravages de l’humidité.

 

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Comme vous pouvez le constater, une restauration s’imposait, mais cela risquait de coûter très cher. Malheureusement pour la suite des événements une paroissienne octogénaire, nommée Agathe de la Monneraye “particulièrement douée pour la peinture” proposa ses services à Monsieur le Curé qui s’empressa d’accepter d’autant que cela était gratuit. “La peintresse” munie de ses plus beaux pinceaux commença immédiatement son œuvre de destruction.

Comme cela allait de mal en pis et qu’elle ne maîtrisait plus la situation malgré ses prières, elle exécuta son travail puis acheva la toile. Le résultat obtenu n’étant pas très convaincant (même pour l’artiste), elle décida d’elle-même de se rendre  aux autorités du village qui, bien entendu, n’avaient pas été mises au courant de la tentative de restauration. Voici l’homme ! Aurait-elle pu dire en rendant l’œuvre, ou du moins ce qu’il en restait.

Malheureusement les dégâts étaient irrémédiables, bien pire que ceux de l’eau, la peinture utilisée était indélébile ce qui n’est généralement pas le cas pour des restaurations, il aurait fallu un miracle pour la sauver, mais comme vous le savez sans doute, les miracles n’ont lieu que très rarement. En tout cas celui-ci ne se produisit pas.

 

Comme vous l’attendiez avec impatience, voici le résultat de la “résurrection de Jésus” :

 

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Aujourd’hui la petite église est devenue un lieu de plus en plus fréquenté par des touristes en mal de rigolade.

 

 

 

 

 

Publié le par BMC
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TM = Technique mixte.

ST = Sans titre.

 

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BMC - De la série “Mes naissances” - TM - “Attention les enfants regardent” - 110 x 75 cm.

 

Je ne sais pas pourquoi j’ai envie de vous dire ça, peut-être le moment est-il venu. Je ne suis plus tout jeune alors… Peut-être vaut-il mieux ne pas perdre de temps. De toute façon, cela ne changera rien à la suite des événements. 

 

Merci à tous ceux qui on cru en ma peinture. 

 

Ils ne sont pas nombreux, mais je sais qu’ils sont sincères. 

 

En premier lieu, bien entendu, Ma Muse, sans elle jamais je n’aurais réalisé ce que j’ai fait. C’est bien grâce à elle que j’ai tout quitté pour consacrer tout mon temps à ma peinture. Quand je dis, j’ai tout quitté, je devrais dire, “nous avons tout quitté”. Elle était totalement partie prenante dans cette affaire. Nous travaillions dans la même société, elle était ma secrétaire, j’avais un poste important dans une entreprise japonaise dont je ne vous donnerai pas le nom, mais il ne vous faudra pas beaucoup d’imagination pour trouver, dois-je dire qu’il commence par C et finit par n. 

 

Après maints entretiens avec mes patrons japonais, l’affaire fut conclue, il aura tout de même fallu trois ans, de discussions, d’incompréhensions, pour en venir à bout. Mes chers Japonais ne comprenaient pas : “Comment BMC-San, vous avez la chance de travailler  avec nous et vous voulez nous quitter ?” Pour un Japonais, c’était inimaginable. Tout ça pour faire de la peinture ! 

 

Ils semblaient avoir une certaine estime pour moi ? 

 

Bref, le départ fut pour nous une libération, même si on ne savait pas très bien où nous allions.

Les années qui suivirent furent difficiles, pour ne pas dire très difficiles. Plusieurs fois il s’en est fallu de peu que nous ne nous retrouvions à la rue. Je ne vais pas ici vous raconter toutes les ruses  pour échapper aux huissiers, toutes les fois où nous avons descendu les tableaux à la cave pour les soustraire aux yeux des représentants de la loi. La vente de quelques meubles ou gravures de collection etc. 

 

Tout cela serait bien trop long à vous raconter et sans doute un peu fastidieux. 

 

Aujourd’hui ceux qui ont cru en ma peinture sont toujours là. Alors je voudrais dire MERCI, à l’ami Richard (et Dorine), un des premiers à m’avoir acheté plusieurs tableaux.

 

Et aussi à ceux qui n’ont jamais douté. Merci Doris de croire encore et depuis toujours en ma peinture. 

 

Et merci à tous les anonymes qui sur mon blog ont manifesté leur intérêt pour mon travail.

 

Quelques peintures de BMC

 

 bmc tout nu, le peintre bmc,bmchttp://art-manic.net,art-maniac.over-blog.com,art-maniac.net,art-maniac-le blog de bmc,bmc-art-maniac.net,le peintre bmc,, art maniachttp://art-maniac.over-blog.com/ le peintre BMC,BMC peintures,bmc,

BMC - De la série “La mort” - “La dernière bataille” - TM - 110 x 75 cm.

bmc tout nu, le peintre bmc,bmc,http://art-manic.net,art-maniac.over-blog.com,art-maniac.net,art-maniac-le blog de bmc,bmc-art-maniac.net,le peintre bmc, art maniac,http://art-maniac.over-blog.com/ le peintre BMC,BMC peintures,bmc,

BMC - De la série “Cruci-Fiction” - TM - ST - 110 x 75 cm.

bmc tout nu, le peintre bmc,bmchttp://art-manic.net,art-maniac.over-blog.com,art-maniac.net,art-maniac-le blog de bmc,bmc-art-maniac.net,le peintre bmc,, art maniachttp://art-maniac.over-blog.com/ le peintre BMC,BMC peintures,bmc, BMC - De la série “Les Hommaginaires” - Francis Bacon - TM - 73 x 56 cm.

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BMC - De la série “Les prisonniers” - TM -ST - 110 x 75 cm.

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BMC - De la série “Les restes du monde” - TM - ST -65 x 50 cm.

 

Voir la suite dans les albums BMC

 

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BMC - de la série “Les prisonniers” -Technique mixte 110 x 75 cm.

 

 Article paru dans le point le 17 juin 2012

 

À la guerre comme à la guerre. Chaque semaine, Antonio Manfredi, le directeur du musée d'art contemporain de Casoria (Cam), dans la banlieue de Naples, brûle une des 1 000 oeuvres de la collection permanente. Un appel désespéré pour tenter de sauver le Cam. Depuis cinq semaines, une vingtaine de toiles sont ainsi parties en fumée. Et de toute l'Europe, cent cinquante artistes ont soutenu la bataille d'Antonio Manfredi en passant une de leurs oeuvres par le feu. Envoyées à Casoria, les cendres de ces toiles ou de ces sculptures brûlées reposent dans autant d'urnes. Une installation qui symbolise la mort de la culture.

Le Cam a été fondé en 2005. Un pari ambitieux, car Casoria est une des banlieues les plus difficiles d'Italie où, entre les amas d'ordures non ramassées, la Camorra règne en maître et recrute ses troupes dans une jeunesse laminée par le chômage. La région et la municipalité confient donc le projet de créer un lieu de culture à Antonio Manfredi, artiste né à Casoria, mais globe trotteur de l'art contemporain depuis une vingtaine d'années. Manfredi bat le rappel de ses amis peintres disséminés entre Londres, Paris et Berlin, et les toiles affluent dans le bâtiment de 3 500 m2 mis à la disposition par la mairie.

"Océan de corruption et de criminalité"

Six mois plus tard, la municipalité de Casoria est dissoute pour "infiltrations mafieuses" et placée sous la tutelle d'un commissaire. Dans cet environnement difficile, le Cam n'est plus une priorité et la mairie suspend son financement. Manfredi s'accroche pourtant. "À Casoria, le Cam est une oasis de culture dans un océan de corruption et de criminalité. Nous jouons un rôle social et les jeunes nous ont donné un coup de main en assurant bénévolement le gardiennage", déclare-t-il au Point.fr. Quelques rares sponsors permettent de payer les factures et le Cam survit 6 ans avec ses 3 000 entrées - à 3 euros ! -, annuelles.

Mais à la fin de 2011, la municipalité demande la restitution du bâtiment du musée. "J'ai sonné à toutes les portes, au ministère, à la région, à la mairie : tout le monde regrette, mais chacun se renvoie la balle. J'ai même demandé à l'Allemagne qu'elle nous adopte en nous accordant un droit d'asile artistique." En vain.

Conservateur un peu fou

Il ne reste à Antonio Manfredi que son envie de se battre... et la collection du musée. "De toute façon, sans musée, les toiles sont condamnées à pourrir dans une réserve. Si elles doivent mourir, je préfère les brûler. Brûler une oeuvre n'est pas un geste de destruction, car l'art, c'est avant tout une idée. Et je veux ouvrir un débat international sur l'avenir de l'art. Avec la crise, il n'y a que les grands musées comme le Louvre ou les Offices, qui vont survivre en Europe."

Un message qui passe. Les artistes se mobilisent et la presse internationale se passionne pour la "Cam art war" (guerre artistique du Cam) de ce conservateur un peu fou et adepte de l'autodafé. Et les pouvoirs publics sont prévenus : "Pour nous virer, il faudra envoyer les carabiniers."

 

Un autodafé pour sauver l’art par BMC.

  

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 BMC - de la série “Vanités” - Technique mixte 75 x 110 cm.

  

Autodafé : Du portugais Acto da fé qui signifie acte de foi est devenu dans le langage commun synonyme  d’exécution par le feu d’un hérétique.

 

Doit-on détruire les œuvres d’art ?

 

Faudra-t-il en arriver là pour que le bon peuple de France et de Navarre (ou d’ailleurs) prenne enfin conscience de l’importance du patrimoine artistique dont il devrait être le gardien. Lorsqu’un artiste, et je sais de quoi je parle (tant pis pour mon ego), après toute une vie de labeur, voit ses œuvres se dégrader une à une, comment ne pas penser à une immolation par le feu.

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Après tout le feu n’est-il pas un symbole de purification qui permet de faire passer les choses d’un plan matériel à un plan spirituel ? Le souvenir d’une œuvre n’est-il pas aussi important que la soi disant réalité de son existence. Souvenez vous lorsqu’on demandait à Giacometti : “dans une maison en feu que sauveriez-vous d’abord : Le chat ou le tableau de Rembrandt”. Bien entendu Giacometti a répondu : “Le chat”. L’art a sans doute moins d’importance que la vie, mais ce n’est pas une raison pour se passer de ce merveilleux outil si utile à notre évolution.

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        BMC - De la série “Les restes du monde” - Technique mixte 110 x 75 cm.
 

 Les œuvres d’art sont-elles nécessaires ? là est toute la question. Pourquoi la majorité de mes contemporains qui ne mettent jamais les pieds dans un musée seraient-ils choqués d’apprendre qu’un fou a mis le feu à La Joconde ? Certainement parce que La Joconde  ça vaut  x milliards d’€.  Pour eux le prix a plus d’importance que la valeur artistique. C’est ici tout le problème. L’argent me dégoûte, surtout lorsqu’il sert à acheter des valeurs spirituelles. Je rêve, mais bien entendu c’est une utopie, d’un monde où les artistes (et les scientifiques) seraient entretenus, logés, nourris par le peuple. Il est inutile que leurs œuvres se vendent pour des millions, les créateurs n’en demandent pas tant, leur seule valeur c’est “La liberté de créer”.

L’art et la science sont indissociables, ce sont des dimensions qui nous permettent de nous remettre constamment en question. Alors je réponds : Oui l’art et la science ne doivent pas disparaître, ils sont les garants de notre évolution.

Sans doute de nombreuses œuvres d’art ont-elles disparu dans le feu, ou d’une autre façon. Souvenez-vous de l’autodafé qui a suivi l’exposition faite par les Nazis sur l’Art Dégénéré (voir sur ce blog mon article à ce sujet).

Tant d’œuvres perdues à jamais, tant de travail, parfois aussi beaucoup de souffrance. Pour quoi ? Je vous le demande.

Si demain le monde s’embrase, qu’un gigantesque incendie détruit toutes les créations artistiques ou culturelles que nous restera-t-il ? L’art n’est-il pas le témoins du passé ?

Comme aurait dit saint François : “Faut-il changer le monde ou changer de monde” ?        

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      BMC - De la série “Les restes du monde”  - Technique mixte 75 x 110 cm.

 

Arrêtez le feu…

 Lien sur ce blog 

L'art dégénéré

 

 

 

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Lettre à Viviane,

 

Copie du commentaire de Viviane à propos du “ Plancher de Jeannot” le 11 Avril 2012 :

 

“Dans mes conclusions et après maintes réflexions, j'en suis arrivée à penser qu'on ne met de la valeur que la où l’on veut l'a mettre. Ce n'est qu'illusion liée à  notre soi disant culture.
L'histoire impressionne certes et cela suffit pour voir ce plancher autrement. Mais il en est de même pour des tas de ruines où autres objets à qui l'on rajoutera une histoire, vraie ou fausse,
peu importe, pour que cela devienne "une valeur".  Est ce que nos oeuvres ont de la valeur ? Non. Nous  sommes peu connus et surtout pas de ceux qui font la pluie et le beau temps sur
ce point. C'est un sujet sur lequel il y aurait matière à discutions. Bien à toi et à ta Muse. Viviane”

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Dessin BMC 110 x 75 cm.

 

 

Je m’étais promis de répondre à ce commentaire, je ne suis pas du genre à me défiler, même si cela me coûte beaucoup de parler de mézigue comme je vais être conduit à le faire.

 

Chère Viviane, tu le sais je n’aime pas discourir sur moi, nul n’est plus mal placé pour le faire. La plupart de ceux qui s’expriment sur leur blog pensent se connaître ? Ce n’est pas mon cas. Cela fait maintenant 75 ans  que je vis à côté de mon véhicule terrestre, et pourtant : Qui suis-je, d’où viens-je, dans quel état j’erre ? L’éternelle question.

 

Éternelle question sans réponse…

Mais comment vivre sans se la poser ?

 

Tu dis : “On met de la valeur là où l’on veut la mettre”. C’est vrai, mais chacun a sa propre vision de la vie. Et ma façon de voir n’est certainement pas la même que la tienne. Ma conception de l’existence est la somme d’un ensemble d’expériences vécues durant ces  27.300 et quelques jours d’une vie. Mais sur ce nombre, combien d’heures perdus ?

 

Je pense donc je suis, mais ne suis pas ce que je pense.

 

J’ai sans doute vécu longtemps, mais comparé à tout ce temps, si je faisais le ratio, il ne resterait que bien peu de périodes fructueuses. Combien d’années perdues à rêver (encore que le rêve ne soit pas toujours inutile et me paraît même indispensable, mais dans quelle proportion ?).

 

Tu as raison “Tout n’est qu’illusions liées à notre soi-disant “Kulture” .

 

Bien entendu, comme tu le dis, on peut voir les “ruines” chacun selon sa sensibilité, et s’inventer une histoire différente.

 

Il y a déjà longtemps, ma Muse et moi suivions des cours sur les ondes de formes. Cela se passait au collège américain de Paris. Notre professeur était un illustre scientifique, personnage très attachant, sans doute un peu marginal, il se  nommait Jacques Ravatin

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Il  nous parlait à propos de l’Atlantide de création dans le passé. Permettez-moi ici de faire une parenthèse, voici un extrait de sa biographie : “Docteur es Sciences en physique - mathématiques, Ingénieur E.S.C.I.L. ,  Jacques Ravatin a travaillé en axiomatique quantique et en mathématiques en liaison avec différentes équipes de recherche dont un groupe du CERN à Genève. Il avait lancé vers les années 1955 l’idée d’existence de systèmes qu’il appelait “non cartésiens.” Je pense que si nous avons suivi ses cours avec beaucoup d’intérêt chaque fois que nous étions à même de le faire (bien entendu j’exclue toutes les démonstrations mathématiques qui remplissaient le tableau de gribouillis, certes très beaux du point de vue calligraphique mais totalement incompréhensibles à nos faibles esprits). Heureusement l’illustre professeur savait à qui il avait affaire, et avait le don de ces grands esprits qui savent se faire comprendre des béotiens dans notre genre avec des mots de tous les jours. C’est lui qui parlait des RBB (Rationalistes bêtes et bornés), expression que tu as sans doute vue citée sur ce blog. Il fit partie des créateurs du prix Lebon (Nobel en verlan). Il fit de nombreuses études sur “les fractals”.

 

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Peinture BMC 110 x 75 cm.

 

Et je voudrais ici en revenir à ton histoire de ruines, en relation avec la création dans le passé. Comme tu le dis très bien : “histoire à laquelle on en rajoutera une histoire vraie ou fausse”. Avec le temps, l’histoire vraie deviendra fausse et inversement, comme dirait l’autre : “ce qui est en haut est comme ce qui est en bas” et d’ajouter : “mais à l’inverse”. Comprenne qui pourra…

Peut-être n’y a-t-il rien à comprendre, mais comme tu le laisses entendre nous n’avons pas de leçon à recevoir de ceux qui font la pluie et le beau temps.

Tout ce que je viens d’écrire ne veut pas dire grand’chose, tout ça ne sert qu’à agiter quelques neurones, finalement c’est une gymnastique comme une autre.

Après-tout le rêve n’est-il pas plus réel que la réalité. Qui dit LA VERITE ? Jeannot et son parquet n’avait-il pas, d’une certaine façon, un peu raison ?

 

Cela m’a donné l’idée de relire Prevert “La pluie et le beau temps”

 

 

ART ABSTRUS

 

Désagréablement surpris de vivre

à peine satisfait de ne pas être mort

jamais il n'adresse la parole à la vie

Il y a une nuance entre dire et

demander merci. Abstraire une vache

 pour en tirer du lait et tirer de ce lait

 le portrait d'un brin d'herbe

 que la vache a brouté

Pourtant

des tournesols de fer voltigent 

 en Provence dans les jardins de Calder

Pourtant sous la pluie

contre un poteau télégraphique un vélo

 de Braque dit merci à l'éclaircie

pourtant Claude et Paloma Picasso

 ne prennent pas la peine

 de pousser le cadre

 pour sortir tout vivants du tableau

pourtant la bohémienne endormie

rêve encore au douanier Rousseau

pourtant des éclats de soleil blessent encore

 l'oiseau tardif des paysages de Miro 

pourtant à Florence

cette haleine de fleurs peintes

entre les lèvres de la bouche 

d'un visage de Boticelli

a toujours le même parfum 

 que le printemps de Vivaldi

pourtant aujourd'hui

en pleine lumière d'Antibes

dans une galerie d'art à Paris

l'enfant du sang des songes

frémissant et meurtri

devant une toile de Nicolas de Staël

chante sa fraternelle ritournelle

La mort est dans la vie la vie aidant la mort

La vie est dans la mort la mort aidant la vie.

 Jacques Prévert 

 

 

Pour ceux qui ne l’auraient pas lu, copie de mon article :

“Le plancher de Jeannot”

 

 

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Pour des raisons que l’on peut comprendre et par respect pour la famille, je ne ferai figurer aucun nom propre, ni même le nom du village. Il suffit de savoir que la scène se passe quelque part dans un hameau du Béarn.

 Les personnages : 

Jean dit Jeannot

Le père Alexandre

La mère Joséphine

La sœur aînée Simone

La deuxième sœur Paule

Fin 1930 Alexandre et Joséphine achètent une ferme dans un petit village du Béarn. Circonstance aggravante, ils ne sont pas originaires de la région. À cette époque, toute personne qui n’est pas native du coin est considérée comme “estranger”. Venir d’ailleurs est toujours suspect. De plus la maison en question ressemble plus à une maison de maître qu’à une vulgaire ferme. Quarante hectares de terre, de nombreuses vignes.  Il n’en faut pas plus pour créer un climat de jalousie au sein du hameau. 

Jeannot et ses deux sœurs fréquentent l’école du bourg. Ils sont de très bons élèves. Jeannot sera le seul de sa classe à décrocher son certificat d’études. Avoir son certif, à cette époque et au fin fond de la France profonde, n’était pas si courant que ça. Aussi monsieur le curé décide que Jean ira au séminaire. Quant à l’instit, il souhaite le diriger vers l’école normale (Don Camillo et Pepone, je vous ai reconnus). 

Comme on pouvait s’y attendre, le père n’est pas de cet avis. Jeannot doit rester à la maison et par la suite reprendre l’exploitation à son compte. 

À la maison, tout le monde travaille d’arrache pied, aussi l’argent ne manque pas. Bientôt ils achètent une traction, mais aussi un tracteur, alors même que leurs voisins  labourent avec un attelage de bœufs ou un cheval. 

Jeannot est maintenant amoureux, il voudrait bien se marier. Mais il n’est pas question de faire un mariage d’amour, ici on se marie par intérêts. Bref, le mariage ne se fera pas, ce qui très probablement va laisser de lourdes séquelles dans l’esprit de Jeannot. 

1959, la guerre d’Algérie. Jeannot est mobilisé dans les paras. Un béret rouge sur la tête, une tenue camouflée. À ce moment-là, les paras sont souvent regardés comme des demi-dieux. Qu’a-t-il vécu en AFN (Afrique Française du Nord), on n’en sait pas grand-chose. Toujours est-il que courant 1959 Jeannot bénéficie d’une mystérieuse permission (vu les circonstances, il était très difficile d’obtenir ce genre de dérogation). 

Un jour, les voisins voient Jeannot, Paule et leur mère fouiller les environs, les bois, ils semblent rechercher le père, Alexandre. Ce dernier sera retrouvé pendu dans la grange. 

Bien entendu les habitants du lieu ne vont pas se priver de raconter toutes sortes d’histoires. Des rumeurs circulent. Ces gens sont bizarres, ils parlent peu, ne sont pas franchement intégrés, c’est toujours et encore des “estrangers”. 

On dit ; peut-être n’est-ce pas seulement une rumeur, que quelque temps avant ce drame Paule aurait quitté la région et serait revenu “délestée” d’un bébé qui n’était pas le bienvenu. Cela pourrait-il être la cause du suicide du père ? Bien entendu la rumeur (toujours elle) comme on pouvait s’y attendre va parler d’inceste. 

Jeannot voulait s’engager dans l’armée, suite au suicide de son père, il pense que ce ne sera plus possible, chez les paras, on ne veut pas de fils de pendu. Nouvelle déception. 

Simone, la sœur aînée, est maintenant mariée. Son mari n’a qu’une idée, récupérer la ferme ; lorsqu’ils se rendent compte que ce n’est plus possible, le couple se fâche définitivement avec la famille. 

Ne reste plus à la maison que la mère Joséphine, la sœur Paule et, bien entendu, Jeannot. 

Et c’est maintenant que tout bascule. En 1965 Jeannot entend des voix ; il se rend chez les voisins et tire un coup de fusil dans leur salle à manger, les mystérieuses voix lui ont commandé de tuer les voisins. Ce jour-là, par chance, il n’y aura pas de mort.  

À partir de maintenant Jeannot ne va pratiquement plus parler hormis à sa sœur Paule et à sa mère. 

Une antenne vient d’être installée sur la colline face à la maison. Paule et Jeannot sont persuadés que c’est le Pape qui l’a faite installée pour pouvoir les espionner. Tout est bon : De Gaulle, l’église, même le maquis ? Je ne suis pas un spécialiste de la chose, mais je pense qu’à ce niveau, on peut parler de schizophrénie. 

Maintenant Jeannot, fusil en bandouillere dont il ne se sépare plus, fait régulièrement des rondes sur son tracteur tout autour de la maison. 

Le maire du village est prévenu, un médecin délivre un certificat de placement dans ce que l’on appelle encore un asile de fous. Les autorités s’en mêlent, une plainte est déposée au Procureur de la République. Trente gendarmes sont dépêchés afin de surprendre Jeannot  en flagrant délit de démence, ils reviennent bredouille. Jeannot résiste ! 

Jeannot a tenu bon, la famille vit maintenant en autarcie, à peine si Paule emprunte le tracteur pour aller une fois par semaine au marché faire quelques courses, elle non plus ne parle à personne. 

On imagine aisément les discutions familiales, cette ambiance ne peut qu’être propice au développement de la démence. 

Au hameau, tout le monde a peur, on sait Jeannot capable du pire, mais comment faire ? Les voisins n’en peuvent plus de ce climat, ils   déménagent. 

Jeannot ne s’exprime plus guère que par onomatopées, il éructe plus qu’il ne parle. 

Un jour de 1971, fait exceptionnel, le vétérinaire est appelé pour voir les bêtes. Lorsqu’il entre dans la cuisine, la mère est assise devant la cheminée. Raide, morte, sans doute depuis plusieurs jours. Jeannot et sa sœur tentent en vain de la réchauffer pour la faire revivre (si vous avez un mort à la maison, n’essayez pas, ça ne fonctionne pas). 

La nouvelle se propage dans le village. Jeannot et Paule sont formels, ils veulent garder leur mère à la maison. Comment ont-ils fait pour obtenir l’autorisation, difficile de comprendre. Toujours est-il qu’ils enterrent leur mère sous l’escalier, son tricot entre les mains ; ils déposent quelques fruits, du saucisson et une bouteille de rouge, “pour le voyage” et referment le trou. 

Jeannot décide de rester près de sa mère, il s’installe dans l’ancienne salle à manger qui jouxte la pièce où elle  est enterrée. Il ne se nourrit pratiquement plus. C’est là qu’il va mourir d’inanition à l’âge de 33 ans. 

Paule voudrait que son frère soit enterré dans la maison à côté de sa mère. Mais cette fois-ci, non seulement l’autorisation d’enterrer Jeannot à la maison lui est refusé, mais le corps de sa mère sera transféré au cimetière et enseveli avec celui de Jeannot à même la terre. 

Paule est maintenant seule, à son tour elle va délirer, elle se nourrit uniquement de maïs, refuse toute nourriture fournie par l’assistante sociale. Elle pense que l’on cherche à l’empoisonner. Elle est vêtue de sacs de pommes de terre attachés par des ficelles. Le maire la visite, essaie de la raisonner, ce à quoi elle lui  répond que de toute façon elle va partir chez Farah Diba, loin de cette antenne qui leur a fait tant de mal. Par souci humanitaire on ne lui coupe pas l’électricité. Bien entendu elle ne s’occupe plus ni de la culture, ni des animaux qu’elle laisse mourir. C’est seulement en 1993, vingt ans après le décès de son frère, qu’on la retrouvera morte dans la porcherie. 

Et c’est maintenant que commence la véritable histoire : 

Vu l’état de saleté de la maison, les héritiers décident de faire venir un couple de brocanteurs afin de la vider de cet amoncellement d’immondices. Inutile de vous décrire l’état des lieux, poussière, moisissures, odeur de pourri, cadavres d’animaux, j’arrête ici cette description sordide.

Dans la pièce qui servait de chambre à Jeannot, une épaisse couche de poussière recouvre le parquet. Machinalement la femme du brocanteur repousse les déchets qui jonchent le sol et découvre des lettres sculptées à même les lames de chêne. Il s’agit de mots sculptés au couteau   et agrémentés de clous. Oserais-je dire : des mots crucifiés. Le texte intégral occupe environ 15 mètres carrés et se situe autour du lit de Jeannot. Il se trouve que le père de la personne qui a découvert ce parquet est psychiatre. Mis au courant, il propose aux héritiers de déclouer le parquet et de le remplacer par un neuf. Marché conclu, le psychiatre repart avec ses lames de parquet.

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  Le parquet en question sera par la suite exposé en de nombreux lieux consacrés à l’art brut.

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 Personnellement j’ai du mal à considérer ce parquet comme une œuvre d’art à part entière du point de vue sculpture et certainement pas comme une œuvre littéraire. Mais avouez que l’histoire est intéressante. 

Voici le texte intégral du fameux parquet:

  « La religion a inventé des machines à commander le cerveau des gens et bêtes et avec une invention à voir notre vue à partir de rétine de l'image de l'oeil abuse de nous santé idées de famille matériel biens pendant sommeil nous font toutes crapulerie l'Eglise après avoir fait tuer les juifs à Hitler a voulu inventer un procès type et diable afin prendre le pouvoir du monde et imposer la paix aux guerres l'Eglise a fait les crimes et abusant de nous par électronique nous faisant croire des histoires et par ce truquage abuser de nos idées innocentes religion a pu nous faire accuser en truquant postes écoute écrit et inventer toutes choses qu'ils ont voulu et depuis 10 ans et abusant de nous par leur invention a commandé cerveau et à voir notre vue a partir image rétine de l'oeil nous faire accuser de ce qu'il nous font à notre insu c'est la religion qui a fait tous les crimes et dégâts et crapulerie nous en a inventé un programme inconnu et par machine à commander cerveau et voir notre vue image rétine oeil… nous faire accuser nous tous sommes innocent de tout crime tort à autrui nous Jean Paule sommes innocents nous n'avons ni tué ni détruit ni porte du tort à autrui c'est la religion qui a inventé un procès avec des machines électroniques à commander le cerveau sommeil pensées maladies bêtes travail toutes fonctions du cerveau nous fait accuser de crimes que nous n'avons pas commis la preuve les papes s'appellent Jean XXIII au lieu de XXIV pour moi et Paul VI pour Paule l'Eglise a voulu inventer un procès et couvrir les maquis des voisins avec machine à commander le cerveau du monde et à voir la vue image de l'oeil fait tuer les juifs à Hitler ont inventé crimes de notre procès. »

 Pour ce qui est de l’interprétation de ce texte, ce n’est pas si simple qu’il y paraît. Aussi je préfère laisser à chacun le soin du décodage… Notez tout de même que Jean (dit Jeannot) se prend pour Jean XXIV et fait succéder sa sœur Paule à Paul VI.

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Le Plancher de Jeannot est depuis cinq ans la propriété de l'entreprise de médicaments Bristol-Myers Squibb. Il est exposé désormais, dans la rue face à l'hôpital Sainte-Anne.

 

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Peinture BMC – De la série “La guerre”

Technique mixte – 110 x 75 cm.

 

Moi, Président de la République, Je répondrai à la lettre de Boris Vian : 

 

 

Cher Monsieur,

 Je viens seulement de recevoir votre lettre, elle avait été malencontreusement oubliée par mes prédécesseurs tout au fond du tiroir gauche du bureau du Général De Gaulle. 

 

Moi, Président de la République, vous n’avez aucune crainte à avoir. Il vous fallait partir avant mercredi soir, ce temps est passé depuis déjà longtemps. 

 

Moi président de la République j’interdirai la guerre. Vos papiers militaires, faites-en l’usage que vous jugerez opportun, (ne comptez pas sur moi pour vous dire lequel, ma fonction m’interdit certains écarts de langage). Ils n’ont plus cours de nos jours. 

 

Moi, Président de la République, je crois aux forces de l’Esprit, aussi permettez-moi de m’adresser à tous vos chers disparus, votre père, vos frères votre mère, votre femme, vos enfants : Si les Français veulent bien m’en donner mandat, je leur rendrai la vie. 

 

Moi, Président de la République, vous n’aurez plus à mendier sur les routes de France de Bretagne en Provence. Moi, Président de la République j’établirai une pension pour tous les anciens déserteurs. 

 

Moi, Président de la République, vous n’aurez plus rien à craindre de mes gendarmes, je remplacerai leurs armes par des pistolets à bouchons. 

 

Enfin, si vous voulez bien accepter cette fonction : Moi, Président de la République je vous nommerai ministre des anciens déserteurs.

 

Dans l’attente d’une réponse favorable, je vous prie d’accepter, cher Monsieur, l’expression de toute ma considération.

 

 

Moi, Président de la République, je me casserai vite fait et laisserai ma place à François Hollande qui le fera tellement mieux que moi.

 

 

LE DESERTEUR

 

Monsieur le Président

Je vous fais une lettre

Que vous lirez peut-être

Si vous avez le temps

Je viens de recevoir

Mes papiers militaires

Pour partir à la guerre

Avant mercredi soir

Monsieur le Président

Je ne veux pas la faire

Je ne suis pas sur terre

Pour tuer des pauvres gens

C’est pas pour vous fâcher

Il faut que je vous dise

Ma décision est prise

Je m’en vais déserter

 

Depuis que je suis né

J’ai vu mourir mon père

J’ai vu partir mes frères

Et pleurer mes enfants

Ma mère a tant souffert

Elle est dedans sa tombe

Et se moque des bombes

Et se moque des vers

Quand j’étais prisonnier

On m’a volé ma femme

On m’a volé mon âme

Et tout mon cher passé

Demain de bon matin

Je fermerai ma porte

Au nez des années mortes

J’irai sur les chemins

 

Je mendierai ma vie

Sur les routes de France

De Bretagne en Provence

Et je dirai aux gens:

Refusez d’obéir

Refusez de la faire

N’allez pas à la guerre

Refusez de partir

S’il faut donner son sang

Allez donner le vôtre

Vous êtes bon apôtre

Monsieur le Président

Si vous me poursuivez

Prévenez vos gendarmes

Que je n’aurai pas d’armes

Et qu’ils pourront tirer

 

Boris Vian. 

 

✍✍✍✍

 

 

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            degas,edgar degas,bmc, art maniac, le blog de bmc,http://art-maniac.over-blog.com/ le peintre BMC,BMC peintures,bmc,  1875; Gouache et pastel sur toile

 George G. Frelinghuysen Collection, New York

 

Pourquoi Degas est-il classé parmi les impressionnistes ? Sans doute le doit-il à ses amitiés avec les peintres rattachés à cette école, plus que par son propre style. Je pense à ses amis Cézanne, Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt et bien d’autres encore. Participer au mouvement impressionniste  était à l’époque manifester son attachement au modernisme, le côté anar de Degas   ne pouvait que s’en satisfaire.

 

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 Les repasseuses -
huile sur toile, 76 x 81 cm Musée d'Orsay, Paris

 

Le vieux célibataire qu’est Degas est un personnage complexe misogyne, réactionnaire, n’ayant rien oublié de ses origines bourgeoises qu’il partage avec Manet.

 

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La classe de danse. 1873/1875

huile sur toile, 85 x 75 Musée d'Orsay, Paris 

 

Misanthrope au moins autant que son ami Cézanne, on ne peut pas dire qu’il soit un personnage très sympathique.

 

Degas s’était rendu célèbre par ses réparties parfois cinglantes :

 

“La peinture, c’est très facile quand vous ne savez pas comment faire. Quand vous le savez, c’est très difficile”

 

“Quand quelqu'un paye un tableau 3.000 francs, c'est qu'il lui plaît. Quand il le paye 300.000 francs, c'est qu'il plaît aux autres”.

 

“ Il faut avoir une haute idée, non pas de ce qu'on fait mais de ce qu'on pourra faire un jour; sans quoi ce n'est pas la peine de travailler”.

 

“On met des fils de fer autour des pelouses pour arrêter les gens qui vont y déposer des statues ”.

 

“Le dessin n'est pas la forme, il est la manière de voir la forme”.

 

 

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Le tub en 1886 pastel sur carton 60 x 83 cm

 Musée d'Orsay, Paris,

 

Vous avez peut-être entendu parler du café Guerbois. C’était un lieu de rencontre près de la place Clichy, où toutes sortes d’artistes, peintres, écrivains, mais aussi critiques d’art et collectionneurs se retrouvaient, le plus souvent sous la houlette de Manet qui avait son atelier à deux pas de là.

 

 

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Dans un café entre 1875 et 1876

 Huile sur toile 92 x 68,5 cm  Musée d'Orsay, Paris

 

Parmi les plus assidus on retrouve : bien entendu, Manet, mais aussi Cézanne, Bazille, Renoir, Monet, Fantin-Latour, Sisley, Emile Zola, la liste serait bien trop longue…

 

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Madame Jeantaud au miroir vers 1875

 huile sur toile 76 x 85,5 cm76 x.85,5 cm

Musée d'Orsay, Paris

 

Difficile aujourd’hui d’imaginer tous ces grands noms de l’art en train de refaire le monde dans un petit café des Batignolles. Les soirées s’éternisaient en discussions sans fin. On imagine assez bien ce que cela pouvait donner entre des tempéraments aussi entiers que Cézanne, Degas, Manet et Zola qui à cette époque n’était pas encore fâché avec Cézanne. Les discussions étaient souvent très animées. Manet devait y provoquer Duranty en duel.

 

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L'Orchestre de l'Opéra
 vers 1870

Huile sur toile 56,5 cm x 46,2 cm


Musée d'Orsay, Paris

  

C’est au café Guerbois que fut mise au point la première exposition des impressionnistes qui devait avoir lieu en 1874 chez le photographe Nadar.

 

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Portrait de famille entre 1858 et 1869

Huile sur toile 200 x 249,5 cm.

Musée d'Orsay, Paris

 

Edgar de Gas était issu de la noblesse, d’un père banquier (comme le père de Cézanne). Durant toute sa vie, sans doute grâce à la “Banque à Papa” il restera à l’abri du besoin. Sa mère était créole originaire de la Nouvelle-Orléans. Pour Auguste de Gas, le papa, il n’est pas question que son fils devienne peintre, même si Edgar manifeste une certaine attirance pour l’art du barbouillage et qu’il ait autorisé son fils à aménager un atelier dans sa propre maison. On ne naît pas impunément fils de banquier. De Gas fils sera banquier comme son père, aussi c’est contraint et forcé qu’Edgar fera des études de droit.

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"Après le bain"

Femme nue s'essuyant la nuque, 1898,

Pastel sur carton, 62,2 x 65 cm,

Paris, Musée d'Orsay.

 

Ce n’est qu’en 1855 qu’il pourra s’inscrire à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris. Les débuts picturaux de Degas seront tournés vers le classicisme. Afin de mieux connaître les grands maîtres, il effectuera plusieurs voyages en Italie ; il y rencontrera Gustave Moreau qui aura une grande influence sur son travail. Degas est à cette époque un grand admirateur d’Ingres, compte tenu de la peinture qu’il allait faire plus tard, on se demande bien pourquoi ? 

 

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1873-1878 - Huile sur toile, 41 x 61,7 cm

 Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge

 

Ses œuvres de jeunesse seront d’une facture néo-classique, voir les nombreux portraits de l’époque, principalement des membres de sa famille.

Degas contrairement à la plupart de ses amis impressionnistes va exposer avec succès au Salon de 1865 à 1870.

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Thérèse de Gas vers 1863

Huile sur toile.89,5 x 66, cm Musée d'Orsay, Paris

  

En 1870 c’est la guerre avec la Prusse (vous l’aviez oubliée, celle-là),  c’est aussi l’année où va se révéler sa maladie des yeux, qui à partir de maintenant va empirer de jour en jour pour arriver à la fin de sa vie à la cécité totale.  Son amie Mary Cassatt atteinte de cataracte deviendra elle aussi aveugle en 1921. On imagine facilement ce que ce handicap peut représenter pour un peintre.

 

Devenu complètement aveugle Degas va se consacrer à la sculpture, mais ses œuvres en 3 dimensions n’atteindront jamais la même perfection que ses peintures et pastels.

 

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 Petite danseuse

Bronze et tulle Musée d'Orsay Paris

  

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 Bronze d'art, cire perdue, patine brune.

 

Comme on le sait dans l’œuvre de Degas, certains sujets sont récurrents, bien entendu, les danseuses, mais aussi les nus (femmes à la toilette), les courses de chevaux, et également sa série des repasseuses.

 

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Le défilé  entre 1866 et 1868

 Huile sur papier marouflé sur toile.46 x 61 cm

Musée d'Orsay, Paris

 Degas était un chercheur, ami de Nadar, il s’est beaucoup intéressé à la photographie, qu’il a même pratiqué en amateur. On remarquera dans la plupart de ses œuvres une recherche du cadrage très proche de certains photographes contemporains.

  

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Auguste Renoir et Stéphane Mallarmé en 1895

Edgar Degas, photographie, 50 x 40 cm,

Musée départemental Stéphane Mallarmé

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Photo d'Edgar Degas    

 

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Edgar Degas par lui-même

 

Probablement son côté classique a éloigné pas mal d’amateurs, et sans doute n’a-t-il pas la renommée qu’il mérite auprès des jeunes peintres d’aujourd’hui.

 

 

❒❒❒❒❒    

 

 

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Joachim-Raphaël Boronali

Coucher de soleil sur l’Adriatique – Huile sur toile 54 x 80 cm. Espace culturel Paul Bédu , Milly-la-Forèt

Donation Paul Bédu 1990.

 

Le tableau Coucher de soleil sur l’Adriatique est exposé au Salon des Indépendants en 1910. Personne jusqu’à ce jour n’a entendu parler de Joachim-Raphaël Boronali c’est, aux dires de certains, un peintre très célèbre bien que n’ayant peint qu’un seul tableau durant toute sa vie. On dit qu’il serait né à  Gênes, c’est à peu près tout ce que l’on sait de lui.

 

La toile est plus ou moins contestée, d’autant qu’elle est accompagnée d’un manifeste : “Le manifeste de l’excessivisme”, manifeste à tendance anarchisante, qui appelle entre autres à “ravager  les routines infâmes” , je passe sur les détails. Le tableau, va se vendre pour l’équivalent de 1500 €.

 

Bref l’affaire fait grand bruit dans le monde de l’art jusqu’au jour où un certain Roland Lecavelé dont le nom d’écrivain n’est autre que : Roland Dorgelès révèle dans le journal “Le Matin” qu’il s’agit d’un canular, que le tableau en question a été peint par un âne . L’âne “Lolo” qui appartient à Frédéric Gérard plus connu sous le nom de Frédé. Frédé est le patron du célèbre cabaret “Le Lapin Agile”, c’est là que se retrouvent de nombreux artistes, peintres, écrivains, bohèmes de toutes sortes.

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Roland Dorgelès 

 

C’est au Lapin Agile que Roland Dorgelès et deux de ses amis décident en présence d’huissier, afin qu’il n’y ait aucune contestation possible, de procéder à l’exécution d’un chef-d’œuvre impressionniste (on ne parlait pas encore d’art abstrait). Après avoir passé, un fond à peu près uni. Dorgelès décide d’attacher un gros pinceau enduit de peinture à la queue du malheureux animal, la toile est présentée à bonne hauteur sur une chaise. C’est maintenant que Lolo va donner libre cours à son imagination, afin de le stimuler le père Frédé brandit des carottes et va même jusqu’à lui proposer du tabac. Après avoir changé de couleur on poursuit l’opération jusqu’à ce que l’œuvre soit enfin terminée. La signature sera rajoutée.

 

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Comme je vous l’ai dit plus haut la toile fut revendue pour 20 louis d’or (1500 €), cette somme fut reversée par Dorgelès à l’Orphelinat des Arts.

 

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Frédé

 

A propos du Lapin Agile

 

Au début du siècle de nombreux écrivains et artistes se donnaient rendez-vous à Montmartre “Au Lapin Agile”, célèbre cabaret immortalisé par Utrillo .

 

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Le maître des lieux était un original, Frédéric Gérard plus connu sous le nom de Frédé (J’espère pour vous que vous connaissez tous la chanson que chantait si bien Caura Vaucaire* : Frédé.

 Pour ceux qui ne la connaîtrait pas, et pour vous donner l’ambiance du Lapin, en voici les paroles :

 

Une rue qui monte et zigzague

Un petit café tout là-haut,

Juste à côté du terrain vague

Où fut assassiné Nono...

Ça faisait louche à la nuit noire

Ce bistrot au fond du jardin !

On s'en fichait, on venait boire,

Et le patron chantait si bien...

 

Frédé, joue-moi sur ta guitare

La belle chanson que tu sais

Mais oui, Frédé, la belle histoire

Où l'on n'oublie pas le passé...

Frédé, joue-moi sur ta guitare

L'histoire où l'on s'aime toujours

Ce soir, je me sens le cœur lourd :

J'ai besoin de chanson d'amour !

 

On venait là, toujours les mêmes,

Une bande assez mélangée

Y avait des rapins, des bohèmes,

Des filles et des gars du quartier

On chantait la nuit tout entière

Et l'on buvait pas mal aussi ;

La vie nous semblait moins amère ;

Et Frédé nous faisait crédit...

 

Frédé, joue-moi sur ta guitare

La belle chanson que tu sais

Mais oui, Frédé, la belle histoire

Où l'on n'oublie pas le passé...

Frédé, joue-moi sur ta guitare

L'histoire où l'on s'aime toujours

Ce soir, je me sens le cœur lourd :

J'ai besoin de chanson d'amour !

 

C'est loin, mais je revois, si blanche,

Ta barbe à travers la fumée

Et ton visage qui se penche,

On dirait que tu vas chanter...

Une douce émotion m'oppresse,

Mais je suis en train de rêver...

Tous mes souvenirs de jeunesse

Sont mêlés à ton nom, Frédé...

 

Frédé, où donc est ta guitare ?

Et la chanson que j'aimais tant

Lorsque j'avais des idées noires,

Et ça m'arrivait bien souvent...

Frédé, l'existence est bizarre

Beaucoup de ceux que j'ai aimés

Sont loin déjà, dans le passé...

Où sont donc mes vingt ans, Frédé ?

 

 * Cora Vaucaire est décédé le 17 septembre 2011

 

Ce serait bien long de citer tous ceux qui sont passés au Lapin Agile. Max Jacob, Paul Fort, André Salmon, Apollinaire, Francis Carco, Picasso, Marcel Aimé, tout le monde connaît les peintures d’Utrillo représentant le Lapin Agile. Plus tard passeront au Lapin Alexandre Lagoya, Léo Ferré, Claude Nougaro, Annie Girardot.

 

De nos jours, le Lapin Agile continue sur sa lancée, il est plus que jamais actif, voici le lien officiel du lieu, allez-y vous ne regretterez pas votre visite.

 

 

 

 

 LE LAPIN AGILE CITE OFFICIEL

 

 

 

                                         

 

P.S.  BORONALI est l'anagrame d'ALIBORON

 

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La première fois que je l’ai entendue c’était sur Europe N°1, comme on disait à l’époque, avec l’inoubliable chanson, en duo avec Jacques Higelin  “Cet enfant que je t’avais fait”. Ce devait être en 1963.

Après il y a eu de nombreux albums, Brigitte Fontaine se renouvelle à chaque fois, elle va chanter avec Areski, faire du théâtre avec Rufus et Jacques Higelin, chanter comme personne jusque là ne l’avait fait..

Mais avant tout Brigitte Fontaine écrit, des textes à vous couper le souffle. La première fois que je les ais lus cela m’a fait un peu la même impression que lorsque bien des années auparavant, tout ça ne nous rajeunit pas, j’avais découvert Prévert dans Paroles, et aussi  Boris Vian (“Je voudrais pas crever”, “L’écume des jours”) C’était pour moi difficile d’imaginer que l’on puisse écrire comme ça. Je  n’ai jamais su le faire, j’étais furieusement jaloux, alors j’ai fais un “Hommaginaire” à Brigitte fontaine, le voici :

 

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Peinture BMC    

 

Tout ce blabla c’était un prétexte pour vous faire lire un des plus beaux textes que je connaisse de Brigitte Fontaine:

 

 “Le bonheur”

 

 

Dans les forêts, 
dans les villes en braises rouges 
au-dessus de la mer, 
sur les collines parfumées, 
vivait une belle bête chaude et fauve 
qu'on appelait le bonheur. 
Partout elle bondissait, 
elle riait dans la nuit, 
partout elle dansait avec le feu 
et chantait avec les loups. 

Cela se passait 
dans aucun temps particulier 
car le temps voyez-vous 
est une chose mystérieuse... 

Cette bête mangeait 
tout ce que les gens lui donnaient, 
elle se laissait traire par eux, 
elle les pénétrait de son rameau doré 
s'ils le désiraient 
et elle faisait de la musique 
avec leurs veines et leurs cheveux. 

Pourtant il y en eut quelques-uns 
qui la détestèrent 
parce qu'elle les empêchait de régner 
et que, étant libre et gratuite, 
elle cassait le marché. 
Alors un jour ils vinrent avec des armes, 
ils la capturèrent 
et l'enfermèrent 
très loin dans une cage. 

Cela se passait 
dans aucun pays particulier 
car les pays voyez-vous 
sont des choses mystérieuses... 

Pour que les gens ne se révoltent pas, 
ils fabriquèrent 
d'innombrables copies de la bête. 
Pour qu'ils en soient dégoûtés, 
qu'ils n'y comprennent plus rien 
et qu'ils l'oublient, 
ils la firent bien mauvaise. 

La fausse bête 
se mit à roucouler, 
à jouer au bridge, 
à vendre 
le soir dans les rues ses tristes appas, 
à chanter des opérettes 
et à porter des rubans roses 
comme on en met dans les cheveux 
des petites filles 
pour les empêcher d'être 
ce qu'elles sont elles-mêmes : 
des grandes bêtes chaudes et fauves. 

Les gens devinrent amers et tristes, 
ils ricanèrent, s'empiffrèrent de gâteaux, 
se tapèrent dessus avec rage 
et beaucoup se moquèrent 
du caniche appelé bonheur, 
de la perruche appelée bonheur. 

Puis ils oublièrent le Bonheur 
comme c'était prévu dans le plan, 
excepté quelques-uns 
que l'on mit à l'hôpital. 

Pourtant 
dans les yeux de tous les bébés 
on peut voir se refléter l'image 
de la terrible bête et 
il parait que sa chaleur en vérité 
est telle que les barreaux de sa cage 
sont en train de fondre là-bas 
très loin où les soldats l'ont laissée. 

J'ai rencontré 
une vieille, vieille dame 
qui n'espérait plus la voir 
arriver de son vivant 
- mais, me dit-elle, je sais qu'elle existe 
et après tout c'est l'essentiel -. 

Comme elle allait bientôt mourir, 
elle ne pouvait pas mentir.

 

LIENS

 

 

Brigitte Fontaine - Le site officiel

 

 “Le bonheur”

 

♥♥♥♥♥♥♥

 

 

 

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Antoni Tàpies

Crédits photo : Abaca/Camus Thibault/ABACA

 

(Voici l'article que je lui avait consacré sur ce blog)

 

"Même dans une casserole, on peut trouver Dieu".

                                               Thérèse d'Avila

 

 

Son père était avocat, sa mère issue d'une famille d'éditeurs, d'où lui vient probablement son goût pour les beaux livres. Il est né le 13 décembre 1923 à Barcelone, ville dans laquelle il va faire des études de droit et de commerce. 

1942,(+ 5 après Guernica).  Ce n'est plus la guerre en Espagne, mais elle n'est pas bien loin. De quoi marquer l'esprit d'un jeune homme de 19 ans. C'est à ce moment-là qu'Antoni Tàpies qui a toujours eu une santé chancelante tombe malade, affection pulmonaire, et accident cardiaque. Il passera deux années en sana. C'est principalement là qu'il va découvrir la peinture et la musique. Il commence à s'intéresser également à la philosophie et à la calligraphie orientale. 

En 1948 il fait la connaissance de Miro, et probablement sous son influence, les premières peintures qu'il réalise seront surréalistes. 

Il n'y a pas grand-chose à dire de ces   toiles, qui à première vue ne laissent paraître aucun talent particulier. Il faut toujours se méfier des premières œuvres en peinture, elles sont parfois trompeuses.(Ne jamais décourager un jeune peintre, merci pour lui). 

Je ne sais pas si vous le savez, en Catalogne le très célèbre mystique Raymond Lulle (1232/1315), l'homme aux multiples visages, celui qui connaissait toutes les sciences est là-bas considéré comme un saint, (promis je vous en parlerai un jour, ça vaut le détour). Tàpies est particulièrement intéressé par les écrits du Docteur Illuminatis, il en possède plusieurs exemplaires datant du XV° et XVI°siècle, avec les enluminures d'époque. 

Toujours en 1948, Tàpies est co-fondateur du mouvement "Dau al set" ce qui signifie en catalan:" La septième face du dé". Ce mouvement issu de l'esprit du Dadaïsme ne durera guère.

 

    En 1950 première expo à Barcelone.

 

    1953, expo aux U.S.A. Voyage à New YorK.

 

    1962, rétrospective à la fondation Guggenheim à New York.

 

    1966, séjour en prison pour avoir soutenu une réunion d'étudiants anti-franquistes.

 

    1970, Tàpies fait plusieurs sculptures (superbes).

 

    1990, inauguration de la fondation Tàpies à Barcelone.

 

    2001, donation de l'artiste à la Bibliothèque Nationale de France.

 

Tàpies travaille principalement sur la matière. Il intègre à ses fonds, toutes sortes d'ingrédients; en voici quelques-uns : terre, sable, cendres, ficelles, colle, vernis. La liste serait bien trop longue pour tous les citer. Parfois c'est l'objet lui-même qui devient support : baignoire, armoire etc.

Sur ce champ de poussière (son champ de bataille), Tàpies va construire son œuvre… Maintenant que le fond est prêt, il va lacérer, griffer, inciser, laisser des empreintes d'outils, de mains, de pieds, taguer. Son œuvre tout entière consiste à détruire pour reconstruire.

Si vous regardez de près le travail de Tàpies, vous allez vite vous rendre compte qu'au-delà d'une apparente pauvreté à la fois des couleurs, neutres, et des matières brutes, son art est beaucoup plus profond qu'il n'y paraît. Cette peinture ne peut être issue que d'une profonde méditation. Et si aujourd'hui on parle trop de Zen, souvent à n'importe quel propos, et sans bien savoir ce que cela signifie, pour une fois on peut utiliser ce qualificatif qui est particulièrement bien adapté. 

 Tàpies qui a toujours attaché beaucoup d'importance à la gravure va développer de nouvelles techniques, entre autres pour donner du relief au papier, gaufrage, impression en creux, gravure au carborundum, collage. Si vous avez l'occasion de voir ses estampes autrement qu'en reproduction vous comprendrez très bien  ce que je veux dire. 

 

 Et maintenant je laisse la parole à Antoni Tàpies :

 

"Quand les formes ne sont pas capables d'agresser la société qui les reçoit, de la déranger, de l'inciter à la réflexion, de lui dévoiler son propre retard, quand elles ne sont pas en rupture, il n'y a pas d'art authentique. Devant une véritable œuvre d'art, le spectateur doit ressentir la nécessité d'un examen de conscience, d'une révision de son domaine conceptuel. L'artiste doit lui faire toucher du doigt les limites de son univers, et lui ouvrir des perspectives nouvelles. Il s'agit là d'une entreprise véritablement humaniste. Lorsque le grand public se trouve en parfait accord avec certaines formes artistiques, c'est que ces formes, trop satisfaisantes, ont perdu toute virulence. Sans choc, il ne peut y avoir d'art. Si une forme esthétique n'est pas capable de dérouter le spectateur, et ne bouleverse pas sa façon de penser, ce n'est pas une forme artistique pour aujourd'hui. "

 

     Et aussi :

 

"Nous devons êtres fidèles à nos impulsions profondes. Semble-il parfois que notre recherche n'est qu'extravagance et fantaisie ? Quelle importance ? Il faut faire confiance à l'instinct. Aujourd'hui les hommes se perdent dans une floraison d'artifices et de conventions. C'est grave. Nous devons lutter de toutes nos forces afin de retrouver l'homme dans toute sa pureté."

Textes extraits de :" La pratique de l'art". Auteur : Antoni Tàpies - Edition Folio

Quelques chers internautes, me demandent parfois: Où est-il possible de voir les tableaux dont il est question ?

En ce qui concerne Tàpies, c'est évidemment la fondation Tàpies de Barcelone qui s'impose.

Il a des œuvres dans pratiquement tous les grands musées d'art moderne du monde.

 

 

                     Lien images sur Google                           

 

      Comment Antoni Tapiès a révolutionné la peinture - 20minutes.fr

 

                                                www.20minutes.fr › Culture

 

 

                                                 Antoni Tàpies - Wikipédia

 

 

 

 

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Ç☠ y est L☠ Fr☠nce ☠ perdu son triple ☠. Ç’est l☠ f☠ute ☠ S☠rkozy  p☠r☠it-il ! 

 

Ç☠ v☠ p☠s être simple. On nous ☠v☠it prévenus, 2012 ser☠ une ☠nnée difficile. 

 

L☠ fin du monde le 21 décembre, y ☠ rien de ch☠ngé.

 

Pour les présidentielles, ☠lors l☠ c’est p☠s p☠reil : 

 

D’☠bord il y ☠ tous ceux qui ne peuvent plus se présenter.

 

Voici l☠ liste : 

 

 

Nicol☠s S☠rkozy

Fr☠nçois Holl☠nde

M☠rine Le Pen

Ev☠ Joly

Fr☠nçois B☠yrou

Je☠n-Luc Mél☠nchon

Je☠n-Pierre Chevènement

N☠th☠lie ☠rth☠ud

Nicol☠s Dupont-☠ign☠nt

C☠rl L☠ng

Corinne Lep☠ge 

 

Voici les resc☠pés, vous ☠vez le choix entre :

 

Hervé Morin

Christine Boutin

Dominique de Villepin

Philippe Poutou

Frédéric Nihous

 

Bon cour☠ge !!!!!! 

 

Sans  ☠, le fr☠nç☠is devient difficile ☠ prononcer, ess☠yez ☠vec les noms ci-dessus, je ne s☠is p☠s vous, m☠is moi je n’y ☠rrive p☠s. Ev☠ Joly ,elle,n’☠ p☠s de difficultés p☠r☠it-il. 

 

M☠inten☠nt qu☠nd j’☠ppelle mes ch☠ts, il ne comprennent plus : M☠néki-Néko, ☠lph☠, Omeg☠. 

 

Fr☠nçois Fillon il dit qu’il ne f☠ut p☠s s’☠ffoler, que ç☠ ne v☠ p☠s ch☠nger gr☠nd-chose, je ne suis p☠s d’☠ccord. En tout c☠s le proch☠in président devr☠ f☠ire une sérieuse révision du corps enseign☠nt.

 

Que v☠ devenir la TV☠ ?

 

Cert☠ins pensent que ç☠ v☠ être l☠ fin de l’€. C’est une gr☠ve erreur, il n’y ☠ p☠s de ☠ dans Euro. 

 

Enfin voici l☠ démonstr☠tion par ☠+b, ’il v☠ut mieux en rire ☠h,☠h,☠h...... ☠h merde ç☠ ☠ussi ç☠ ne m☠rche plus !

 

Enfin ç☠ ☠ qu☠nd même du bon le virus de l☠ grippe ☠ est définitivement  ér☠diqué.

 

Tout ç☠ c’est une histoire

 

☠br☠c☠dr☠br☠ntesque.

 

 

 

 ☠☠☠☠☠☠☠☠☠☠☠

 

 

 

 

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