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Publié le par BMC
Publié dans : #B.M.C.
 
Certains artistes ont travaillé en couple. En voici à titre d'exemple une liste non exhaustive :

Sonia et Robert Delaunay

Pour commencer probablement les plus connus parmi les peintres : Robert et Sonia Delaunay.

Sonia s'appelait à l'origine : Sarah Sophie Terk. Elle épouse Robert Delaunay en 1910: depuis ce jour, elle sera connue sous le nom de Sonia Delaunay.

Ensemble ils fonderont le mouvement dénommé "Orphisme". Robert Delaunay en était l'initiateur, il décèdera en 1941 à l'âge de 56 ans, Sonia continuera son œuvre jusqu'en 1979. Leurs peintures ont beaucoup de points communs.


Dorothea Tanning et Max Ernst


Max Ernst épouse en 1918  Luise Straus.
En 1941 Peggy Guggenheim.
En 1942 il se lie avec Dorothea Tanning qui deviendra son épouse en 1946.

Personnellement je préfère de loin la peinture de Dorothea Tanning à celle de Max Ernst. Cela, bien entendu, n'engage que moi. À vous de juger…

Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely

Niki, de son vrai nom : Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phale, fille d'un très riche banquier, a une jeunesse dorée, allant de châteaux en châteaux.

Elle sera violée par son père à l'âge de douze ans. Mariée à 18 ans avec l'écrivain Harry Matthews de qui elle divorcera. Harry aura la charge des deux enfants.
Enfermée à l'âge de 20 ans dans un asile, elle s'en échappera deux ans plus tard. La peinture sera la thérapie qui va la sauver.

En 1960 elle va rencontrer le compagnon de sa vie, Jean Tinguely, avec qui elle va créer de nombreuses œuvres.
Elle se mariera avec lui en 1971.
Tinguely décède le 30 août 1991. Elle quittera ce monde en 2002 à San José en Californie où elle soignait depuis longtemps une maladie contractée en respirant les vapeurs toxiques des résines dont elle se servait pour ses "nanas".

Vieira da Silva et Arpad Szenes

Vieira da Silva va épouser Arpad Szenes en 1930. Rien de bien particulier à raconter. C'est pour eux la vie de bohème. Il faudra attendre 1950 pour arriver à mettre du beurre dans les épinards. Arpad meurt en 1987, Vieira en 1992.


Anna-Eva Bergmann et Hans Hartung

Anna-Eva Bergman rencontre Hans  Hartung et se marie avec lui en 1931.
1938, Anna-Eva divorce d'avec Hans Hartung, elle retourne dans son pays d'origine la Norvège.
1939, Hans Hartung se remarie avec Roberta Gonzalez (la fille du sculpteur).
1956, Hans Hartung divorce d'avec Roberta.
1957, Hans Hartung se remarie avec Anna-Eva Bergmann.
1987, décès de Anna-Eva Bergmann.
1989, décès de Hans Hartung.


Liens images
Publié le par BMC
Publié dans : #B.M.C.
  

J'ai toujours eu une très grande admiration pour ceux que l'on appelait autrefois "les marchands d'art", qui avaient l'amour de leur métier, qui le faisaient souvent plus par passion que par  goût de l'argent. Bien entendu il y a un nom qui vient immédiatement à l'esprit, j'ai nommé Aimé Maeght.

La famille Maeght est originaire de la région de Lille.  Le père d'Aimé est tué durant la première guerre mondiale.
Sa mère se réfugie dans le midi, plus exactement dans le Gard, à Lassalle. C'est donc à Nîmes que le jeune Aimé va faire ses études à l'école des Arts et Métiers, qui deviendra plus tard l'école des Beaux Arts. C'est dans cette école qu'il apprendra la gravure et la lithographie.

 En 1926 Aimé va trouver un emploi de graveur lithographe à Cannes. Il est passionné de jazz et joue dans un petit orchestre. C,'est aussi à Cannes qu'il va rencontrer Marguerite, qu'il épousera en 1928. Marguerite sera la compagne de sa vie.
Aimé est un fameux bricoleur, aussi pour gagner sa vie il va réparer des postes de T.S.F. Comme Marguerite appartient à une famille de commerçants cannois, ils n'ont pas trop de mal à trouver un local en centre-ville. Aimé vend et répare des postes de radio, Marguerite, qui ne veut pas être en reste, va mettre à la vente tout d'abord quelques meubles. Très logiquement suivront des tableaux.

Il n'y a pas de hasard, en 1936, Aimé qui continue toujours à pratiquer la lithographie rencontre Pierre Bonnard qui lui demande de réaliser pour lui une gravure. Le petit magasin de "radio" est maintenant devenu la Galerie Arte. À Cannes vivent de riches collectionneurs, la galerie prospère rapidement.

Il faudra attendre l'après-guerre pour que les choses prennent vraiment  leur essor. En 1942 Pierre Bonnard perd sa femme. Aimé et Marguerite vont l'aider dans son épreuve. Ils lui fourniront du matériel pour peindre, l'aideront dans sa vie quotidienne. Ils s'occuperont de la vente de ses tableaux. Pierre Bonnard leur présente Matisse, qui à son tour deviendra un ami.

Bonnard a décidé de s'installer à Paris; "les Maeght" le suivent. La galerie sera installée rue de Téhéran.

À partir de maintenant la machine est en marche, Aimé Maeght va vendre les œuvres de Pierre Bonnard. Les bénéfices de ses ventes vont lui permettre de faire vivre d'autres peintres comme Braque, Miro. Lorsqu'il vendra Miro, cela lui permettra de faire vivre Tapiès etc…

Aimé Maeght n'a jamais oublié son métier de lithographe. Parallèlement  à la vente des tableaux, il éditera de très nombreuses gravures, parmi les plus belles réalisées à ce moment-là. Avec chaque nouvelle exposition est éditée la célèbre revue "Derrière le miroir" (pour ceux qui fréquente eBay, vous avez peut-être vu mentionné à côté d'une gravure DLM, cela veut dire que la gravure était issue de la revue en question).

La suite vous la connaissez : Aimé Maeght va exposer les plus grands peintres de son époque, suivra la création de la fondation à Saint-Paul-de-Vence. Mais ça, ça mérite une autre petite histoire de l'art.

Marguerite est décédée en 1977, Aimé l'a suivie en 1981.

Aujourd'hui la Galerie Lelong a pris le relais, elle se trouve toujours rue de Téhéran. Mais il existe toujours une galerie Maeght (Adrien Maeght) rue du Bac à Paris.

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Publié le par la Muse
Publié dans : #La Muse
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Terme anglais qui signifie "enlèvements"(en l'occurence, sous-entendu "par des extraterrestres") - également appelées "Rencontres Rapprochées du 4ème type" ou "RR4", ces abductions sont revendiquées par près de 2% de la population américaine, ce qui représente plusieurs millions d'individus.

Sur le nombre, entre 10 et 20% décrivent le même scénario et les mêmes sensations = période d'amnésie, flottement dans les airs, paralysie au réveil et apparition de marques étranges sur le corps.


Je ne vous étonnerai pas en vous avouant que même les ufologues ont parfois du mal à accepter l'idée...
Cependant c'est un vrai phénomène sociologique que nous ne saurions nier dont les socio-psychologues américains font leurs choux gras !
 
Le cas "historique" est celui de Betty et Barney Hill.

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 L'histoire :

le 19 septembre 1961, Betty et Barney Hill, respectivement 41 et 39 ans, de retour du Canada, rentrent chez eux dans le New Hampshire. Ils sortent du restaurant. Il est 22 heures. Ils sont dans leur voiture, direction Portsmouth, lorsqu'ils aperçoivent au-dessus des White Mountains un objet lumineux qui traverse le ciel. Lorsqu'ils s'arrêtent pour l'observer aux jumelles, l'objet change de direction et fonce sur eux puis stoppe au-dessus de la voiture, à quelques centaines de mètres d'altitude. Lorsque Barney sort de l'auto, la chose se met à foncer droit sur le véhicule. Paniqué, il se remet au volant et démarre en trombe. Suit une série de bruits et de vibrations qu'ils ne s'expliquent pas. Puis plus rien d'anormal... si ce n'est qu'à l'arrivée, ils s'aperçoivent qu'ils ont mis deux heures de plus qu'à l'accoutumée pour faire le trajet. Un vide de deux heures qu'ils ne comprennent pas.

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Durant les nuits qui suivent, ce sont insomnies et cauchemars. Si bien qu'ils finissent par consulter un psychiatre de Boston, le docteur Benjamin Simon.

Le médecin décide de leur faire faire une régression par hypnose profonde et d'enregistrer leurs "souvenirs" liés à cette nuit. Je mets volontairement le mot "souvenirs" entre guillemets parce que bon.. on ne peut exclure que ces "souvenirs" aient été induits par l'hypnose. Cependant leurs récits, bien que des plus étranges, se recoupent.
 
Leur récit sous hypnose :

A un moment la lumière aperçue prend l'aspect d'une soucoupe et, quelques kilomètres plus loin, leur véhicule immobilisé, ils voient atterrir l'engin à une dizaine de mètres d'eux. Barney, dans un premier temps, pense avoir à faire à un hélicoptère et s'approche. Mais en s'approchant il voit des hublots derrière lesquels se trouvent d'étranges créatures. Il s'enfuit, regagne le véhicule et démarre sur les chapeaux de roue. C'est alors qu'interviennent les sons, des "bip-bip". Puis la perte de notion du temps. Ils reprennent conscience 50 km plus loin. Leurs montres sont arrêtées. A l'arrivée, il leur manque deux heures.

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Au fil des séances, le récit se fait plus précis.
Betty par exemple, se souviendra, après avoir subi un examen, s'être adressée à l'un des  extraterrestres qui lui répondit dans un anglais impeccable et se fit un plaisir de lui montrer sur une carte du ciel l'endroit d'où ils venaient. Avant d'être ramenés tous deux jusqu'à leur voiture.

Elle dira quelques années plus tard (1969) reconnaître sur une carte l'endroit désigné comme étant Zeta-Reticuli.

Par la suite, beaucoup de témoignages d'abductés rapportent des récits d'examens médicaux douloureux et/ou humiliants (prélèvement d'échantillons de peau, de sang, de sperme ou d'ovules, introduction de sondes dans les narines, le conduit auditif ou la cavité oculaire), voire des fécondations par ces  ET.

A ce propos, on note quelque chose de peu banal. Il semble que certaines victimes aient dû se faire enlever par la suite de minuscules implants situés dans leur corps à divers endroits ; œil, main, cou ou près du globe oculaire, souvent attachés à un nerf. Un ufologue américain, Derrel Sims, les auraient collectés. Il en détiendrait une trentaine qu'il tente d'analyser.
Je vous fais grâce des délires messianiques et autres prophéties cataclysmiques que nombre de ces victimes se sentent en devoir de rapporter.

Plus étonnant encore : quelques rares cas ont été signalés en Europe, au Brésil ou en Australie mais la quasi-totalité reste concentrée sur les Etats-Unis.


Si le bord des routes américaines semble propice à ce genre de mésaventure (hormis les Hill, on retrouve beaucoup de cas similaires), la majorité des témoignages situe le récit dans la chambre à coucher et les chercheurs proposent une explication liée à la paralysie du sommeil qui aurait entraîné une sensation de présence, de danger, d'immobilisation forcée, etc.... Le récit dérive ensuite, en règle générale, vers un déplacement dans un vaisseau en vue d'analyses médicales, voire d'IVG, où quelquefois les victimes, généralement conscientes durant les examens, voient des extraterrestres (petits-gris) et parfois même quelques humains. Puis le scénario habituel opérations/poses d'implants/révélations prophétiques. Certains reviennent parfois avec des marques inexpliquées sur le corps.


Hystérie collective ? Si vous avez un doute vous concernant, voici un test de rencontre ou d'enlèvement par des Et !



 

Liens :
Wikipedia
Luxorion
Paranormal-info

Témoignages d'enlèvements :
RRO
Secretebase

Livres :
Susan Clancy
Stéphane Allix





 

Publié le par BMC
Publié dans : #B.M.C.


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Encore un peintre autrichien, il est né le 12 juin 1890 à Tulln, une petite ville proche de Vienne.

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   Autoportrait
 
 
Son père est chef de gare, presque toute sa famille travaille aux chemins de fer. Il en gardera toute sa vie une passion pour les trains.
 
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 Le pont
En 1902, son père est mis prématurément à la retraite pour cause d'aliénation mentale.
 
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Double autoportrait
 
Dès l'enfance, Egon montre des dons pour le dessin; il est vivement encouragé dans cette voie par son père.
Malheureusement celui-ci  décède en 1905. Le jeune Egon a tout juste 15 ans.

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La jeune fille et la mort
 
On peut facilement imaginer que la perte de son père l'a beaucoup choqué, survenu au moment de l'adolescence, elle devait marquer profondément son esprit, d'où probablement un certain goût pour le morbide que l'on retrouvera plus tard dans son œuvre.

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Agonie
 
À partir de ce moment sa vision du monde n'est plus tout à fait la même. Schiele, comme s'il voulait s'étourdir pour oublier, va peindre de nombreux tableaux, parmi lesquels figureront déjà les premiers autoportraits.

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 Autoportrait
 
C'est maintenant son oncle Léopold qui devient son tuteur, et comme ce dernier travaille aussi aux chemins de fer, il souhaite que son protégé suive la seule voie possible : celle des chemins de fer.
 
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Egon Schiele sait maintenant que sa vie sera consacrée à la peinture. Aussi grâce au soutien de sa mère, son tuteur accepte qu'il entre à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne. Il en sera le plus jeune étudiant. Mais comme on peut s'en douter l'art académique n'est pas sa tasse de thé, ses professeurs le juge très moyen dans son travail. Le jeune homme est un révolutionnaire en puissance, sa façon de voir les choses n'a décidément aucun rapport avec celle de ses maîtres.
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Arbre en automne
 
Une exposition importante va avoir lieu, à Vienne, exposition qui va permettre à Schiele de découvrir celui qui deviendra son maître et son ami, Gustav Klimt
 
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Dès 1909, époque à laquelle il quitte les Beaux-Arts, on voit poindre son style. Il a déjà fait de nombreux portraits, maintenant apparaissent ses personnages exsangues, qui ressemblent à des pantins désarticulés. Les corps sont maltraités, tordus, vus sous les angles les plus inattendus. Les membres sont raides, on pourrait croire qu'il a pris pour modèle Pinocchio.

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Pour donner plus d'effet aux personnages, les fonds seront très souvent unis, le dépouillement est au cœur de sa peinture. Contrairement à Klimt, il n'y aura aucun effet décoratif. Le joli n'a rien à faire ici. Dans ses tableaux, le dessin et la composition ont certainement plus d'importance que la matière et la couleur.
 
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La couleur parlons-en, il y en a très peu, du brun, du noir, du rouge et du vert. Ce sont les couleurs du cadavre. Souvent un cerne noir enferme le personnage.
 
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Il commence maintenant une série de dessins érotiques, il peint aussi un grand nombre de nus.
 
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En 1910, Egon Schiele s'installe à Neulenbach où il vit avec son modèle à la réputation sulfureuse, Valérie Neuziel, dite Wally. C'est l'époque où il compose ses premiers poèmes.
 
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1912, il se voit condamné sous l'inculpation de détournement de mineur, de  viol et d'immoralité publique.  Il passe trois semaines en prison. Plusieurs de ses dessins sont confisqués. Cela l'encourage à faire des peintures de plus en plus provocantes.

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Le cardinale et la nonne
 
Au cours de son passage en prison il réalise de nombreux dessins. La plainte étant retirée, il est libéré.
 
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À partir de 1913, il va participer à de nombreuses expositions.

En 1915, nouvelle épreuve, sa compagne Wally le quitte.  Le 17 juin de la même année, il se marie avec Edith Harms . C'est la guerre il est mobilisé d'abord à Prague puis à Vienne.

 
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Officier russe
 
C'est en 1918 que vont être exposés des tableaux de Schiele à l'exposition de la Sécession Viennoise. Presque tous les tableaux exposés sont vendus.
 
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Le 28 octobre 1918 sa femme est enceinte de six mois, atteinte de la grippe espagnole elle meurt, Egon Schiele atteint de la même maladie décède trois jours plus tard. Il a 28 ans.

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Sa chambre
 
Pour moi Schiele est le prototype de l'expressionniste allemand. J'ai parlé de ses personnages exsangues, les formes, ou plutôt les déformations sont anguleuses. Bien entendu le sujet est presque toujours provocant, certains qualifieront sa peinture d'obscène, pour ne pas dire pornographique. Il y a parfois ambiguïté sur la sexualité du modèle, chose qui dans les années 1900 ne pouvait que choquer la plupart des spectateurs. C'est l'équivoque qui provoque souvent une gène à la vue de ses tableaux. Je ne sais si vous l'avez remarqué ses mains ont une très grandes importances, presque toujours déformées, souvent elles se tordent. La plupart du temps elles sont disproportionnées, généralement trop grandes.
Schiele va signer ses tableaux en encadrant son nom et la date pour former un cartouche façon égyptienne, ou japonaise.


Encore un peintre qui nous a quittés trop tôt, j'aurais bien aimé voir la suite.

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 Autoportrait


 
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Gustave Caillebotte - Les raboteurs de parquet

Dédié à Crasyone, qui aime bien Caillebotte et ne connaît peut-être pas cette petite  histoire.
 
 
Dans un autre article, je vous parlerai de ce peintre assez peu connu du grand public  en  dehors de son célèbre tableau : " Les raboteurs de parquets ".

Aujourd'hui, je vais vous parler du collectionneur et du mécène qu'il fut.


Le tout jeune ingénieur Gustave Caillebotte à peine âgé de vingt-cinq ans hérite, de son père qui avait fait fortune dans le textile et l’immobilier, d’une rente qui va lui permettre de vivre à l’abri du besoin pour le restant de ses jours.

Architecte naval, il va consacrer son temps à construire des bateaux, avec lesquels il va remporter plusieurs régates internationales. Il fut l’inventeur du caillebotis.


Gustave était ingénieur, mais avait également fait ses études à l’école des Beaux-Arts de Paris sous la houlette de Léon Bonnat, de sinistre mémoire (du moins pour tous ceux qui aiment vraiment la peinture).


Caillebotte va rencontrer Edgar Degas, Auguste Renoir, Claude Monet, et pratiquement tous les peintres que l’on n’appelaient pas encore  les « Impressionnistes ».
C’est grâce à son aide que va être organisée  la première exposition qui donnera son nom à l’Impressionnisme.


Riche et généreux (des mots qui vont rarement ensemble), Gustave Caillebotte va aider ses amis  en leur achetant des tableaux à un prix bien supérieur à tout ce qu’ils pouvaient espérer.



Créateur infatigable il construit ses bateaux, peint, cultive des orchidées, en crée de nouvelles, il a de nombreux contacts avec Monet à propos de jardinage. Bref, il a une vie bien remplie.

En 1876, Caillebotte rédige un testament dans lequel il fait don à l’état de sa collection de peintures. Voici les termes exacts de son legs :

"Je donne à l'État les tableaux que je possède ; seulement, comme je veux que ce don soit accepté et le soit de telle façon que les tableaux n'aillent ni dans un grenier ni dans un musée de province, mais bien au Luxembourg et plus tard au Louvre, il est nécessaire que s'écoule un certain temps avant l'exécution de cette clause jusqu'à ce que le public, je ne dis pas comprenne, mais admette cette peinture. Ce temps peut-être de vingt ans au plus. En attendant mon frère Martial, et à son défaut un autre de mes héritiers, les conservera. Je prie Renoir d'être mon exécuteur testamentaire ..."


Gustave Caillebotte devait décéder en 1894 d’une attaque d’apoplexie.


Et voilà que tout commence !



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Gustave Caillebotte - Boulevard Haussmann 1880


Je passe sur les détails, l’affaire a sommeillé jusqu’en 1896. Il fallait bien faire quelque chose de tous ces tableaux, dont personne ne voulait.

Toutes ses œuvres étaient très gênantes ; on décida de faire une exposition, afin de sélectionner les quelques tableaux que l’on pourrait éventuellement garder. On construisit à cet effet selon les dires d’un journaliste de l’époque « un horrible petit hangar ».


Nous sommes en février 1897 lorsque ouvre l’exposition.
Et tout le bon peuple de Paris de se goberger devant, « Le balcon"  de Manet  , " La Gare Saint-Lazare" de Monet  ,  "L’Estaque " de Cézanne ,des Pissaro, des Renoir, des Degas, plus deux Caillebotte généreusement ajoutés au legs par Martial Caillebotte, frère de l’artiste. Les tableaux sont très mal éclairés, présentés selon un ordre dû au plus grand des hasards.

La tempête rage, tous les médias dirait-on aujourd’hui s’emparent de la nouvelle, il faut faire quelque chose, empêcher ces œuvres immondes d’entrer dans un musée. L’honneur de la France est en jeu.


Le 8 mars, l’Académie des Beaux-Arts adresse une protestation solennelle, votée par dix-huit de ses membres. Il est question « d’offense à la dignité de notre école ».


L’institut à son tour se déchaîne, l’académicien Gérome demande comment est-il possible d’accueillir des insanités pareilles dans un musée ?

Je vais arrêter ici la liste des injures qui pleuvent. Tous les artistes y ont droit, de Cézanne à Monet passant par Manet et tous les autres.


Le 16 mai, le sénateur Hervé de Saisy proteste auprès du gouvernement : "afin que ces œuvres équivoques, ne souillent pas le Musée du Luxembourg ".


Il fallut bien choisir, Renoir était l’avocat chargé par Caillebotte  de faire accepter un maximum de tableaux, la tâche ne fut pas facile. Renoir, lui-même, se vit refuser plusieurs de ses  propres tableaux.

Sur les soixante-sept tableaux de la collection, vingt-sept furent acceptés.

Les tableaux en question sont aujourd’hui au Musée d’Orsay.


Les œuvres refusées furent pour la plupart achetées par le Docteur Barnes (un américain) dont, aujourd’hui, la collection de peintres impressionnistes est enviée par tout les musées du monde.


Juste retour des choses (c’est le cas de le dire), il y a eu une exposition des collections de la fondation Barnes au Musée d’Orsay en 1993/94. On a pu y voir tous les tableaux que Renoir à son grand désespoir n’avait pas pu faire accepter…


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Gustaver Caillebotte - Paysage à Argenteuil


Et moi qui voulait faire don de l'ensemble de mon œuvre !
Mais à qui ????



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Peinture B.M.C. - Grosse tête - TM - 110 x 75 cm.


Une équipe de chercheurs américains du MIT (Massachusset Institute of Technology) et de l'Institute for Soldier Nanotechnologies qui se trouvent dans la banlieue de Boston vient d’inventer une peinture qui détruit les parasites en général et entre autre le virus de la grippe.

Grâce à la nanotechnologie, on a pu créer des polymères (pour ceux qui ne sauraient pas trop ce qu’est un polymère, voici un  lien Wikipedia). Ces polymères possèdent de minuscules piques de moins d’un micron. Les piques en question percent la membrane des bactéries, par exemple celle du virus de la grippe ou de l’Escherichia Coli. Même certains staphylocoques résistants aux antibiotiques.


D’après les nombreuses expériences faites, il semble bien que les bactéries sont incapables de développer des formes de résistance.


La peinture en question sera efficace durant plusieurs années.


Je ne sais pas si vous avez vu où je veux en venir, avec mes gros sabots.

Bon sang  mais c’est bien sûr ! Demain je ne doute pas que cette peinture puisse être utilisée par les artistes. Imaginez la suite : la peinture de B.M.C. vendue dans toutes les bonnes pharmacies, remboursée par la sécu !. Plus besoin de vaccin contre la grippe.


 Passé soixante-cinq ans, vous aurez droit tous les ans à une peinture. Une copie des Noces de Cana aseptise toute votre maison ; pour une chambre, l’Angélus de Millet devrait suffire. Plus de grippe aviaire, dans tous les poulaillers de France, il y aura un B.M.C.

Il paraît qu’un tableau de Van Gogh a longtemps servi comme porte de poulailler, mais comme chacun  sait Van Gogh était vraiment en avance sur son temps !


Pour tous ceux qui pensaient que l’art ne servait à rien, les voilà enfin rassurés.



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Dédié à Ma Muse à qui un jour j'ai failli acheter un Hundertwasser (manquait que les sous, mais virtuellement je l'ai fait).

« Le travail d'un artiste est difficile parce qu'il ne peut pas être accompli avec force, ni avec zèle, ni avec intelligence. Je veux dire qu'avec force, zèle et intelligence, on peut tout faire dans la vie, mais on supprime totalement le résultat artistique. Je pense, j'en ai absolument, l'intime conviction et  c'est pourquoi je le pense, que la peinture est une occupation religieuse, que l'impulsion véritable vient alors de dehors, que quelque chose que nous ne connaissons pas, un pouvoir indéfinissable qui vient ou ne vient pas, nous guide la main. Avant, on disait que c'était la muse*, bien sûr, c'est un mot stupide, mais c'est une certaine illumination ».

                                   Hundertwasser      

*Les propos sur la muse, n'engage que son auteur,et ne sauraient en aucun cas concerner La Muse du blog. (signé B.M.C.).


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Friedensreich  Hundertwasser.

Friedrich Stowasser dit : Friedensreich  Hundertwasser.
Peintre, écologiste, philosophe, marin et, comme il se plaira à le dire, « médecin de l'architecture ». 

Son nom d'artiste, qu'il créera en 1949 est : « Friedensreich Hundertwasser ». Cela mérite  une explication :

D'abord, son prénom :
Frieden signifie en allemand : « paix »
Reich se traduit, toujours en allemand par : « le royaume ».
Friedensreich signifie globalement : « le royaume de la paix ».

Son nom :
Sto ( wasser) - Sto, mot tchèque qui signifie « cent » se traduit en allemand par « hunder ».
Wasser signifie, en allemand « eau »
Hundertwasser signifie : « cent eaux ».
Et comme avec lui, vous allez sans doute le constater au cours de cet article, rien n'est simple ; l'ensemble de son prénom et de son nom signifie : « Le Royaume de la Paix aux Cent Eaux». En japonais, c'est beaucoup plus simple : « Hyaku-sui ».


Comme je ne me vois pas très bien au cours de cet article vous parler de « Le Royaume de la Paix aux Cent Eaux », nous l'appellerons, tout simplement, comme tout le monde : «Hundertwasser»


Friedrich Stowasser, (il n'avait pas encore changé de nom) est né à Vienne le 15 décembre 1928, d'un père  autrichien et d'une mère juive.

Il a à peine un an lorsque meurt son père.

Hundertwasser va commencer des études classiques qui seront interrompues  pour cause de guerre ; sa mère étant juive, il sera chassé du collège.

Dès 1934 il commence à dessiner.

Durant la guerre, soixante-neuf personnes de sa famille maternelle, dont sa grand-mère, mourront dans des camps d'extermination.

En 1943, Premiers dessins d'après nature.

1948. Il a vingt ans. Après avoir terminé ses études, il passe son baccalauréat et entre à l'Académie des Beaux-Arts de Vienne pour y apprendre la peinture. Il n'y restera que trois mois. C'est là qu'il va découvrir l'œuvre de Egon Schiele, qui le marquera profondément (on peut le comprendre).        

1949. C'est cette année qu'il « invente » son nouveau nom.
Voyages, Italie du nord Toscane, Sicile rencontre à Florence le peintre français René Brô qu'il suit à Paris. Avec lui, Ils décident d'acheter en co-propriété  une vielle baraque  dans le Perche, « la Picaudière ». Ils réalisent ensemble deux peintures murales. On remarquera l'influence que René Brô a eu sur son travail. Qui a copié qui ?

1950. Séjour à Paris. Il s'inscrit à l'école des Beaux-Arts, il y restera une journée.

1951. Devient membre de l'Art Club de Vienne.

1952. Première exposition à l'Art Club de Vienne, (abstraction décorative).      
    

C'est en 1953 qu'apparaît pour la première fois la spirale qui est le symbole de la vie et de l'évolution et que l'on retrouvera régulièrement dans son œuvre. Certains tableaux font penser à un grand jeu de l'oie.

1954. Première exposition à Paris  chez Paul Fachetti « La Théorie du Transautomatismus ».

1955. Expo à Milan.

1958. Écrit le « Manifeste  de la Moisissure : contre le réalisme en architecture ».


1958. De passage à Gibraltar,  Hundertwasser se marie. Il divorcera deux ans plus tard.

Hundertwasser continue à peindre mais s'intéresse de plus en plus à l'architecture.

1959. Dessine : « La Ligne sans fin ». Jusque-là Hundertwasser a vécu d'expédients, maintenant les choses se stabilisent un peu plus au plan matériel, disons qu'il arrive à vivre.

1959/1960. Donne de plus en plus de conférences pour exposer ses théories sur l'architecture et l'écologie. Réalise des happenings. Voyage au Japon - à Tokyo il reçoit le prix Mainichi.

Toujours au Japon, il rencontre Yuko avec qui il se marie l'année suivante. Très grands succès à la Biennale de Venise.

1964. Exposition itinérante, Hambourg, Amsterdam, Berne, Hagen, Stockholm et Vienne.

1966.  Un premier film est réalisé sur l'artiste.
Séparation d'avec Yuko. L'artiste est très discret concernant sa vie privée, pourtant dans le catalogue de l'exposition Galerie Karl Flinker (Paris 1967), il écrira : « J'ai souffert énormément sentimentalement des femmes qui m'ont fui si triste que même les pissenlits sur le pré m'ont laissé indifférent » (sic)

1967. Hundertwasser va réaliser ses premières gravures, il utilisera une technique permettant les reliefs. Superbes estampes aujourd'hui très recherchées (et, malheureusement, très, très chères).

La même année exposition itinérante : Paris, Londres, Berlin, Genève.
1968. À Munich, Hundertwasser fait une conférence, il s'y présente nu comme un ver « manifestation contre l'inhumanité de l'environnement contemporain ». Toujours en 68, il présente à Vienne le manifeste « Los von Loos », en faveur du boycott de l'architecture rectiligne. Le célèbre architecte Loos avait publié soixante ans plus tôt un ouvrage dans lequel il faisait l'éloge d'une architecture totalement dépouillée, sans aucun ornement. Évidemment Hundertwasser ne pouvait que réagir. Il faut dire qu'en architecture ses maîtres sont, Antonio Gaudi, le facteur Cheval et quelques spécialistes du style nouille, si vous voyez ce que je veux dire...

1969 ; Hundertwasser qui a pris goût aux expos itinérantes en organise une aux États-Unis dans différents musées.

Entre 1969 et 1971, Hundertwasser travaille à la réalisation de 88 éditions de la gravure : « Good Morning City - Bleeding Town ».

Entre 1968 et 1972, il va faire transformer le bateau « San Giuseppe » dans les chantiers navals de Venise. C'est un ancien navire de commerce à voile. Bateau qui lui servira de maison, le vieux rafiot à voiles rayées est rebaptisé  "Regentag", ce qui signifie : « Jour de pluie » (encore l'eau). Après avoir accompli un périple qui le mène de l'Adriatique à la Tyrrhénienne, des îles grecques à Israël, enfin toute la Méditerranée, et tout à la voile, bien entendu, il met le cap sur les Antilles, suivent les Marquises. Guidé par son étoile, sans doute en suivant quelques mystérieuses spirales, il va découvrir le pays de ses rêves : la Nouvelle-Zélande. La nature y paraît intacte, bien qu'elle soit dangereusement menacée. Pour marquer son adhésion au pays, il compose l'affiche de  la "Semaine écologique de Nouvelle-Zélande".

1970/72. Réalisation du film de Peter Schamoni : « Jour de pluie ».

1971. Hundertwasser crée l'affiche des Jeux Olympiques de Munich.

1972. Réalisation de maquettes d'immeubles « La Forêt sur les toits » et « Façades autonomes ». Décès de la mère de l'artiste, il en est très fortement marqué.

1973. Réalise un portfolio de sept xylographies en collaboration avec des graveurs japonais. 1973 sera l'année du manifeste des « Arbres Locataires ». Exposition personnelle à New York.


De 1975 à 1980, Hundertwasser va enchaîner des expositions itinérantes dans le monde entier, ce serait beaucoup trop long de toutes les citer. Durant cette période, on lui commandera de nombreux timbres-poste.

1981. Discours contre l'énergie nucléaire et sur la situation de l'art contemporain. Conférence  pour une architecture plus humaine en harmonie avec la nature. Reçoit le prix d'Autriche pour la défense de la nature.

1982. La ville de Vienne commande à Hundertwasser un projet pour des H.L.M. Hundertwasser commence ses premières réalisations architecturales. Ses immeubles sont " biscornus". Un peu partout il y a : des jardins suspendus, des clochetons en formes de bulbes, des colonnes baroques, de la céramique de toutes les couleurs, des arbres, de la verdure.

Toujours en 82, il crée des affiches en faveur de la défense de l'environnement : « L'Arche de Noé 2000 »,  « Plantez des arbres, évitez le péril nucléaire », « Les artistes pour la paix », affiches pour « Greenpeace » et pour  Cousteau.

Hundertwasser selon son habitude voyage sans arrêt, séjourne à Tahiti et en Nouvelle-Zélande.

1982. Exposition à la Galerie Art Curial à Paris. La Muse et B.M.C. qui passaient par là n'ont jamais autant regretté de ne pas avoir suffisamment de sous, une superbe peinture (technique mixte) était vendue pour un prix très raisonnable (aux alentours de 150.000 Frs de l'époque). Tant mieux pour ceux qui en auront profité.

1983. Crée 6 timbres pour les Nations Unies

1986. Hundertwasser se fixe en Nouvelle-Zélande où il vit sur son bateau.

Friedensreich Hundertwasser qui était  sur le Queen-Elisabeth qui le ramenait en Nouvelle-Zélande où il résidait est mort sur le bateau  d'une crise cardiaque  le 19 février 2000, il avait 72 ans. Cet éternel voyageur entamait ainsi son ultime voyage...Et pour un marin, mourir en mer...

 
 
Fin de la première partie.
 

 
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