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ENTREZ LIBRES

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Non je ne vais pas ici vous raconter l’histoire du résistant, du préfet, de l’homme de gauche qu’était Jean Moulin. J’imagine, j’espère, que vous la connaissez très bien. En revanche peu de personnes savent que Jean Moulin dès son plus jeune âge était passionné par l’art. En classe, il passait son temps à dessiner, à caricaturer ses camarades ou ses professeurs. Ses premiers dessins sont dans le style de Poulbot, pour un début, on peut lui pardonner…

 

Dès 1922 il expose à Chambéry au Salon de la Société Savoisienne des Beaux Arts, des pastels (un picador), des aquarelles et des dessins.

 

En 1930, il va fréquenter le monde artistique, des écrivains, des poètes comme  Max Jacob. À cette  époque, il publie des dessins humoristiques destinés à la revue “Le Rire”. Compte tenu de sa situation, il est à ce moment-là sous préfet de Châteaulin dans le Finistère, il juge utile de se trouver un pseudonyme :Romanin sera son nom d’artiste.

Romanin est le nom d’un château en ruine proche de Saint Andiol, lieu où le jeune Jean Moulin passait ses vacances. 

Plus tard il sera nommé préfet d’Eure-et-Loir, où il décidera de rester au moment de l’invasion allemande dans le seul but de protéger les populations civiles.

 

 

 

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Armor de Tristan Corbière, Editions Helleu, 1935

 

 

Pour illustrer le recueil de Tristan Corbière Armor, “Romanin” exécute huit gravures dont la plus célèbre pour “La pastorale de Conlie”. Il réalise là une planche sinistrement prémonitoire, lui qui n’arrivera jamais jusqu’au camp auquel on le destinait va dessiner un charnier semblable à ceux que l’on découvrira un peu plus tard à Buchenwald.

Il arrive parfois que certaines personnes ont le pressentiment d’événements importants. Malheureusement, sur le moment, il est bien difficile d’interpréter ces signes.

 

 

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Romanin gravure – La pastorale de Conlie 1935

 

 

En 1940, Jean Moulin est arrêté une première fois pour “refus de complicité avec les autorités allemandes”. Tout ça parce qu’il refuse d’accuser une troupe de tirailleurs  d’avoir commis des atrocités qui en fait sont dues aux bombardements de la Luftwaffe.

Passé à tabac, maltraité par les soldats ennemis, Jean Moulin ne le supporte pas, muni d’un morceau de verre, il  tente de mettre fin à ses jours en se tranchant la gorge. Par bonheur il échappe à la mort. C’est depuis ce temps-là que vous verrez sur presque toutes ses photos Jean Moulin avec une écharpe pour dissimuler sa cicatrice.

 

Durant les années 30, Jean Moulin a commencé une collection de peintures avec, entre autres, des œuvres de Soutine, Chirico, Survage, Goerg, Albert André, et bien d’autres peintres. En tant que collectionneur, il fait la connaissance de marchands comme Pétridès ou Bernheim, ce qui lui sera comme on le verra plus loin bien utile.

 

Dès lors que Jean Moulin est engagé dans la résistance son activité nécessite  de nombreux déplacements. Comme il doit trouver un alibi, tout naturellement lui vient l’idée d’ouvrir une galerie d’art. Le travail d’un responsable de galerie consiste à courir les salles de ventes, rencontrer ses confrères, et aussi les amateurs. En cas de doute, il n’y a plus de suspicion possible. Il peut  ainsi s’absenter aussi souvent que possible sans que cela paraisse louche. Comme il a  gardé un très bon souvenir de son passage dans le midi (il y avait séjourné dans sa jeunesse), il décide de jeter son dévolu sur la ville de Nice, De plus Nice comporte un fort potentiel en clientèle fortunée, et amateurs d’art.

C’est aux 22, rue de France dans une ancienne librairie qu’il ouvre la Galerie Romanin. Le bail est signé le 12 octobre 1942. Comme le magasin comporte un petit appartement au premier étage, cela convient parfaitement bien. Durant la résistance, il servira à abriter les “amis de passage”, d’autant qu’il possède plusieurs issues…

 

 

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Georges Mandel Dessin de Romanin

 

 

Jean Moulin avait fait la connaissance d’une certaine Colette Pons à qui il comptait laisser la direction de la galerie, et qui connaissant ses activités ferait ce qu’il faut pour le protéger en cas de danger.

Il ne reste plus qu’à solliciter du préfet des Alpes-Maritimes l’autorisation d’ouvrir une galerie destinée à la vente de tableaux et sculptures modernes ; pour appuyer cette demande la Galerie Romanin s’engage à promouvoir les “jeunes peintres locaux”. Comme à cette époque l’art moderne n’intéresse, il faut bien le dire, pas grand monde et qu’il n’y a que très peu de concurrents sur la ville de Nice, l’autorisation est donnée sans difficultés. 

 

La galerie est rapidement installée, quelques toiles venant de chez Pétridès viennent meubler les cimaises. Des contacts sont pris avec Matisse et Bonnard qui consentent à laisser en prêt plusieurs œuvres, ajoutez à cela quelques tableaux de la collection personnelle de Jean Moulin. C’est ainsi que démarre la Galerie Romanin.

 

Le vernissage a lieu le 9 Février 1943. C’est un succès, il y a des peintures de ceux qui vont marquer leur époque : Bonnard, Degas, Dufy, Friesz, Rouault, Matisse, Chirico (à l’époque où il peignait encore bien). Le préfet est là ainsi que le “tout Nice”, des collectionneurs, des amateurs d’art de tous poils, vrais ou faux snobs, enfin tout ce qui est nécessaire à la réussite d’un beau vernissage.

 

La presse locale ne manque pas de relater l’événement, très vite la galerie est fréquentée par de nombreux artistes les frères Prévert, Jacques et Pierre, le peintre Tal-Coat, des musiciens comme Django Reinhart.

 

Rapidement des contacts se font avec les autres marchands de la région, entre autres Katia Granoff et Aimé Maeght.

 

Jean Moulin, aurait aimé faire des expositions “révolutionnaires”, il souhaitait exposer Kandinsky, ou s’il avait pu Picasso, mais cela était trop risqué, il ne fallait pas attirer l’attention sur lui aussi c’est sur des peintres beaucoup moins subversifs qu’il va s’appuyer : Renoir, Chabaud, Suzanne Valadon, Utrillo, Marie Laurencin et aussi Othon Friesz, qui, s’en souvient-on aujourd’hui avait fait le “triste voyage à Berlin” en compagnie de Derain et Van Dongen, mais c’est une autre histoire qu’il faudra bien que je vous raconte un jour.

 

Jean Moulin est de plus en plus pris par ses activités de résistant, heureusement Colette Pons qui bénéficie d’une confiance totale, s’occupe de tout. Les différents déplacements de Jean Moulin sont tout à fait justifiés, il achète des tableaux à Paris qu’il revend à Nice, le fonctionnement de la galerie ne peut intriguer personne, et c’est bien là le but recherché.

 

 

 Daniel Cordier

 

Jean Moulin est passionné par son métier de marchand d’art, son secrétaire Daniel Cordier raconte que chaque fois qu’il déjeunait avec lui, Jean Moulin ne cessait de parler  peinture, voici ce qu’il écrira plus tard :“ Jean Moulin fut mon initiateur à l’art moderne. Avant de le rencontrer, en 1942, j’étais ignorant de cet appendice vivant de l’histoire de l’art. Il m’en révéla la vitalité, l’originalité et le plaisir. Surtout il m’en communiqua le goût et la curiosité”

C’est ainsi que Daniel Cordier allait découvrir l’art moderne et plus tard devenir lui aussi galeriste, dois-je vous rappeler le legs très important qu’il fit au Centre Georges Pompidou, comportant notamment plusieurs Dubuffet. C’est un peu à Jean Moulin qu’on le doit. C’est dans sa galerie que j’ai vu pour la première fois un Johns ou un Rauschenberg (le lit que devait racheter plus tard Léo Castelli).

 

Le 21 Juin 1943 Jean Moulin est arrêté par Klaus Barbie, il a prévenu Colette Pons “s’il devait m’arriver quelque chose, vous serez prévenue par un télégramme ainsi rédigé : “Vendez tout comme convenu”. Malheureusement le télégramme en question arrive avec bien du retard envoyé par la sœur de Jean, Laure Moulin , c’est presque avec un mois de retard que Colette Pons déménage de nuit et sur une charrette à bras la précieuse collection de la Galerie Romanin.

 

En 1944 Aimé Maeght manifesta l’intention d’installer une succursale de sa galerie   dans le local du 22 rue de France. Laure Moulin s’y opposa formellement.

 

Tout le monde connaît l’histoire : Torturé à mort, Jean Moulin n’a pas parlé et n’est plus en état de le faire, son tortionnaire lui tend un papier et un crayon. Jean Moulin fera la caricature de son bourreau, ce sera là son dernier dessin.

 

Jean Moulin décède dans le train qui l’amène en Allemagne le 8 Juillet 1943. Hitler qui voulait le voir en sera pour ses frais. Les deux anciens peintres auraient pu avoir une conversation entre artistes, mais probablement ne faisaient-ils pas partie de la même école…

 

Le 19 décembre 1964 les cendres présumées (les preuves de leur authenticité sont douteuses) de Jean Moulin entrent au Panthéon.  Ceux qui l’ont entendu se souviennent encore du célèbre discours de Malraux,  un autre amateur d’art.

 

 

 

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Discours d’André Malraux sur le parvis du Panthéon :

 

“Comme Leclerc entra aux Invalides, avec son cortège d'exaltation dans le soleil d'Afrique, entre ici, Jean Moulin, avec ton terrible cortège. Avec ceux qui sont morts dans les caves sans avoir parlé, comme toi ; et même, ce qui est peut-être plus atroce, en ayant parlé ; avec tous les rayés et tous les tondus des camps de concentration, avec le dernier corps trébuchant des affreuses files de Nuit et Brouillard, enfin tombé  sous les crosses ; avec les huit mille Françaises qui ne sont pas revenues des bagnes, avec la dernière femme morte à Ravensbrück pour avoir donné asile à l'un des nôtres. Entre, avec le peuple né de l'ombre et disparu avec elle - nos frères dans l'ordre de la Nuit…”

“C'est la marche funèbre des cendres que voici. À côté de celles de Carnot avec les soldats de l'an II, de celles de Victor Hugo avec les Misérables, de celles de Jaurès veillées par la Justice, qu'elles reposent avec leur long cortège d'ombres défigurées. Aujourd'hui, jeunesse, puisses-tu penser à cet homme comme tu aurais approché tes mains de sa pauvre face informe du dernier jour, de ses lèvres qui n'avaient pas parlé ; ce jour-là, elle était le visage de la France... ”

 

      ♢      

 

 titre documentaire voici quelques mauvaises reproductions des œuvres de Romanin :

 

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Romanin – Le marin aux trois filles

 

 

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Romanin – Gravure

 

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Romanin – Gravure

 

 

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Romanin – Gravure

 

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Romanin – Montparnasse

 

 

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Romanin - Foujita

 

 

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Romanin

 

 

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Romanin – Plaza de toros

 

 

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Romanin – Banquet démocratique

 

 

 

 

 

 

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Le Pape est mort, un nouveau Pape est appelé à régner. Araignée ! Quel drôle de nom pour un pape, pourquoi pas libellule ou papillon ?

                                                                                          Jacques Prévert

 

 

Comme tout le monde le sait conclave vient du latin cum (avec) clavis (la clef). Autrement dit enfermé à clef.

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Clément IV

 

C’est à Clément IV que nous devons le spectacle auquel nous allons bientôt assister, parait-il pour la dernière fois. Pour ceux qui ne me croiraient pas, voir les prophéties de Saint Malachie (qui ne profitent jamais).

 

D’ailleurs à ce sujet, voici quelques précisions: Le saint homme (Malachie) nous donne la liste des 111 (à son époque) papes à venir. Il ne nous  délivre pas les noms mais une devise correspondante à chacun d’entre eux. Pour Benoit XVI ce sera: “La gloire de l’olivier”, les branches d’olivier sont parait-il le symbole de l’ordre de Saint Benoit.

 

Et pour le 112° et dernier pape  la devise est très claire, il se nommera Petrus (aucun lien avec le vin) Romanus. Pierre le romain (aucun rapport avec le bistrot).

 

Certains prétendent qu’entre les deux derniers papes, il y aurait  des antipapes. Je  laisse cette hypothèse à leur imagination délirante. Cela  semble-t-il n’est pas très sérieux.

 

Mais revenons à nos moutons. A l’origine Clément IV s’appelait Gui Foulques, ou Fouquois, même peut être Foucault (avec l’accent gardois difficile de s’y retrouver). A son époque il était plus connu dans sa bonne ville de Saint-Gilles (Gard) sous le sobriquet de “le Gros”.

 

“Le Gros” à, d’abord été avocat ; comme à son époque le mariage pour tous n’avait pas été inventé, il se maria normalement avec une femme dont il eut plusieurs  enfants. Bien entendu, les mœurs avaient évolué et ce n’est tout de même pas  le fait d’avoir, dans quelques moments d’égarement, fait plusieurs enfants qui allaient l’empêcher d’être pape, d’autant qu’entre temps sa femme était passée rendre visite à Saint Pierre.

 

Le pontificat de Clément IV s’étendit du 5 février 1265 au 29 novembre 1268.

C’est à Viterbe (à Rome, c’était la guerre) que s’installe le Saint Siège. Clément fréquente des tas de gens très bien, entre autres Roger Bacon (l’illustre aïeul du peintre Sir Francis) et surtout son pote Saint Thomas d’Aquin.

 

Clément IV était un pape très à cheval sur les principes. Un jour où l’armée de Conradin de Souabe défilait le long du palais Dominical, depuis la loggia papale, il en profita pour hypocritement excommunier l’armée toute entière. (Je ne sais pas si ça figure dans le livre des records).

 

Mais tout a une fin, même les papes, ce fut le tour de Clément IV.

Et il fallut bien organiser une nouvelle élection.

 

C’est à Viterbe en 1271 que se tint le premier conclave. Les cardinaux convoqués en urgence devaient trouver un remplaçant à Clément, ils prirent tout leur temps. Il faut dire que la cantine était plutôt du genre ★★★★. Durant une année il ne se passa rien, en dehors des agapes. Comme cette situation ne pouvait pas durer, Bonaventure, ministre général des franciscains (le futur Saint Bonaventure) prit les choses en main, en accord avec le Seigneur de Viterbe il décida d’enfermer les cardinaux dans une seule pièce dont on retira le toit “afin que l’Esprit Saint puisse se manifester”. Si vous faites une demande au Ciel n’oubliez pas de retirer la toiture, ou alors allez vous agenouiller sur votre pelouse, autrement ça ne marche pas. Comme cela ne suffisait pas les cardinaux furent mis au pain sec et à l’eau. On menaça même de les affamer.

 

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Saint Bonaventure

 

Les cardinaux devenus enfin raisonnables élisent 6 d’entre eux  qui finissent enfin par se mettre d’accord.

Il fallut tout de même près de trois ans pour obtenir un résultat.

 

Pour le prochain pape j’espère qu’il n’y aura pas de difficultés, ce serait dommage d’être obligé d’enlever le toit de la Sixtine !

 

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P.S. À tout hasard je porte à la connaissance des cardinaux qui pourraient me lire, et qui n’en auraient pas eu connaissance, qu’il est strictement interdit de tweeter sous peine d’excommunication durant tout le conclave.

 

 

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Cet article s’adresse à tous ceux qui pensent que les peintres contemporains ne connaissent rien à la technique, qu’ils ne savent même pas dessiner.
 
Combien de fois ai-je entendu ce genre de réflexion !

Je crois nécessaire de préciser que toutes les images que vous allez voir sur cet article ne sont pas des photos, mais soit des dessins, soit des peintures voire  même des sculptures.

L’hyperréalisme est né aux Etats-Unis, où, d’ailleurs il porte un autre nom : le photoréalisme. Cette école de peinture est indéniablement issue du pop art et de la volonté des artistes de réagir face à la société de consommation et à la publicité (ce n’est pas le cas pour tous, mais pour la majorité d’entre eux). Même si souvent une photographie sert de modèle au peintre, la performance n’en est pas diminuée pour autant.

Voici quelques exemples de peintres les plus représentatifs de cette école.



 
Ralf Goings
 

Né le 9 mai 1928. Peintre et photographe, il peint toujours d’après des photos qu’il a fait lui-même. Le monde du fast-food n’a plus de secret pour lui.
 

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 Ralph Goings – Peinture


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 Ralph Goings – Peinture
 
Jerry Ott

Jerry Ott est né en 1947. Il emploie un peu toutes les techniques allant jusqu’aux œuvres à trois dimensions. C’est un des artistes les plus connus, aux USA.

 
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 Jerry Ott – Peinture
 
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 Jerry Ott – Peinture


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 Jerry Ott – Peinture
 
Robert Cottingham
 

Le plus américain des hyperréalistes, très influencé par Edward Hopper, il travaille souvent par séries.


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 Robert Cottingham - Peinture


 
Don Eddy
 
Photographe de formation, pour réaliser ses peintures il se sert de plusieurs photos de référence du même sujet de façon à obtenir une profondeur de champ exagérée. Bouddhiste convaincue, sa peinture est une sorte de méditation sur le monde du Samsara.


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          Don Eddy – Peinture


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Don Eddy – Peinture
 
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Don Eddy – Peinture
 
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Don Eddy – Peinture


 
 
Richard Estes
 

Né en 1936. C’est le spécialiste des reflets.


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 Richard Estes - Peinture
 
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 Richard Estes  – Peinture
 
 
Norman Rockwell   (1894 – 1978)
 
Peintre et illustrateur de l’Amérique telle que nous nous la représentons, son œuvre ne manque pas d’humour. Ce peintre est malheureusement assez peu connu en France. Beaucoup de charme et de poésie dans son œuvre.


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Norman Rockwell – Peinture


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Norman Rockwell - Peinture  
    

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 Norman Rockwell - Peinture


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Norman Rockwell – Peinture


 
 
Audrey Flack
 

Peinture très féminine à la fois par la composition mais aussi par les couleurs.


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 Audrey Flack – Peinture
 
Robert Bechtle
 
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Robert Bechtle - Peinture


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 Robert Bechtle - Peinture
 
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 Robert Bechtle - Peinture


Il n’y a pas qu’en Amérique que l’on fait de la peinture hyperréaliste.

 
Jacques Monory
 

Peintre français né en 1924, travaille beaucoup par séries, on connaît surtout ses camaïeux de bleu.
 
 
 
 
 
Ron Mueck 
 
 
Il n’y a pas qu’en peinture que sévit l’hyperréalisme, certains d’entre vous auront déjà découvert cet artiste dans l’article que je lui ai consacré sur ce blog.



 
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Ron Mueck - Sculpture (Détail)
 
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Ron Mueck – Sculpture
 




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Publié le par BMC

               

             Mona Lisa

 

Fernando Botero est né en Colombie à Medellin le 19 avril 1932.

Il a juste quatre ans lorsque son père, représentant de commerce qui prospecte sa clientèle à cheval décède.

Sa mère élève difficilement Fernando et ses deux frères. Un de ses oncles décide d’inscrire le jeune Fernando dans une école de tauromachie, il y passera deux années et en gardera toute sa vie une peur panique des taureaux, ce qui ne l’empêchera pas de peindre la corrida.

1948 - Botero obtient un prix au Salon des artistes colombiens, c’est le début de sa carrière de peintre.

1951- Il s’installe à Bogotá

Dès l’âge de vingt ans, il va entreprendre de nombreux voyages durant lesquels il va fréquenter différentes Académies et s’initier à plusieurs styles de peinture.

1952 – Espagne

1953 -1969 -1971- 1973 France

1953-1967 Mexique

1957-1960-1972  Etats-Unis

1959- Brésil

1966-1967 Allemagne

 En 1960, il s’installe à New York où il fréquente les artistes de l’école de New York.

1973- Botero quitte New York pour Paris, c’est l’époque de ses premières sculptures.

1974 - Grave accident de voiture, décès de son fils Pedro.

Aujour d’hui Botero partage son temps entre New York, Paris et la Toscane où Aujour d'hui, il possède toujours un atelier.

 

Son épouse actuelle, Sophía Vári, est également peintre et sculpteur de statues monumentales

           

Il lui arrive de se rendre en Colombie, c’est toujours entouré de plusieurs hommes armés jusqu’aux dents qu’il se déplace. Il faut dire que dans son pays d’origine et compte tenu de sa fortune (c’est un des peintres les plus chers de la planète) il est une cible privilégiée pour tous les amateurs de rançons, ce qui, comme vous le savez, ne manque pas en Colombie. 

 

             

Botero sera toujours fidèle à l’esprit de son pays d’origine. Sa peinture est influencée par des scènes de la vie quotidienne colombienne, les décors et aussi les personnages sont atypiques, cela donne parfois une impression de naïveté. Botero s’autoproclamera “Le plus colombien des artistes colombiens. Il cultive la maladresse, c'est sans doute ce qui donne du charme à sa peinture.

À compter de 1974, date à laquelle il a un important accident de voiture dans lequel son fils décède et où lui-même est assez gravement blessé,  ses peintures gagnent en “profondeur”, comme si cet accident avait servi de révélateur ; à partir de maintenant, sa peinture va subir un changement significatif, il peint 50 toiles pour dénoncer la barbarie américaine dans la prison irakienne d’Abou Ghraib. Botero sait que la peinture n’est pas un simple panneau décoratif destinée au salon de quelques petits-bourgeois, la peinture est un révélateur. Robert Oppenheimer disait (je cite de mémoire) “Seuls les artistes et les savants peuvent aider à l’évolution de l’humanité”. Bien entendu ne pas prendre cette affirmation au pied de la lettre, je ne vous ferai pas ici l’injure de citer en totalité le célèbre poème de Sully Prudhomme : “Le laboureur m’a dit en songe”… Vous connaissez la suite.  

 

Si j’apprécie le fait que Botero s’insurge en faveur d’une juste cause c’est tout à son honneur, trop peu d’artistes le font. Voici ce qu’il écrira :“La conduite des Américains m’a fait un choc, comme au reste du monde, en particulier parce que les Etats-Unis posent en modèle de compassion et aussi parce qu’ils agissent au mépris total de ce qu’établit la Convention de Genève, dont ils sont signataires”.

Je regrette que restant fidèle au style de sa peinture, le côté joli, acidulé, naïf de son travail enlève toute la force nécessaire à cette révolte. Imaginez ce qu’aurait pu en faire un Picasso, un Rebeyrolle, un Lorjou

 

Beau t’es gros !

 

En tout cas comme peinture c’est “gonflé”, Botero a trouvé un truc et il l’exploite au maxi. C’est avec sa “Nature morte à la mandoline”, tableau d’inspiration cubiste peint en 1957, qu’il découvre son style. À compter de maintenant il va transformer tous ses personnages (et objets) en baudruches prêtes à éclater, curieusement ses personnages ne paraissent pas obèses et encore moins malades, ils respirent la santé, c’est là le paradoxe de cette peinture.

 

 

Botero s’inspire parfois des grands classiques de toutes les époques.

 

 

 

Caroline Rivière par Ingres

 

 

 

Caroline Rivière par Botero

 

Le volume prenant de plus en plus d’importance dans son travail, il était tout à fait normal que Botero se tourne vers la sculpture. Il va réaliser un très grand nombre de sculptures monumentales que vous avez peut-être eu l’occasion de voir, à Paris ou ailleurs. Dans son œuvre sculpturale il y a un relent de style “précolombien” qui ajoute encore à sa personnalité.

 

        

 

Le 10 juin 1995 un attentat à Medellin blesse 217 personnes et en tue 28. L’oiseau de Botero est complètement détruit. Cet oiseau étant censé symboliser La Paix, Botero fait don d’une nouvelle sculpture destinée à être placée à côté de ce qui reste de l’ancienne.

 

Botero a fait don aux villes de Bogotá et de Medellin d’environ 200 peintures, sculptures ou dessins, et aussi de plusieurs œuvres de sa collection personnelle, et pas des moindres : Monet, Renoir, Picasso, Matisse, Henry Moore.

 

       

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             Il existe aujourd’hui deux musée Botero, l’un à Bogotá et l’autre à Medellin.

 

 

 

    La prison d’Abou Ghraib par Botero

 

 

 

 

 

 

 

           

                   

                           Botero fait partie de ses artistes qu’on aime ou pas, mais dans tous les cas, difficile de rester indifférent.

 

      

 

Fernando Botero

 

 

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J’ai connu quelqu’un qui disait : “ La seule chose qui puisse donner une idée de l’infini, c’est la connerie humaine”. En voici un bel exemple :

 

Anselm Kiefer est très probablement le plus important artiste contemporain, j’ai déjà eu l’occasion de vous en parler dans ce blog.

 

En 1993 Kiefer (Avec un seul f s.v.p.) s’était installé en France plus exactement dans un petit village du Gard connu jusque-là, pour sa célèbre foire annuelle d’antiquité. J’ai nommé Barjac.

 

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Au lieu-dit “La Ribaute”, Kiefer rachète une ancienne filature au milieu de 35 hectares de terrain, il va au cours des ans y construire un grand nombre d’installations monumentales, des œuvres dépassant parfois 10 mètres de hauteur. Tanks en terre glaise, livres et bibliothèque en plomb.  Petit à petit, le lieu se construit, des tours, des tunnels, un immense atelier, une serre, un lac artificiel, bref l’artiste crée un monde décalé à l’image de ce que j’ai appelé dans ma peinture “Les restes du monde”. Kiefer qui est né en 1945 et qui  n’a pas connu la guerre, crée une œuvre tragique marquée par la culpabilité allemande, mais aussi empreinte d’une profonde spiritualité.

 

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Et voici que l’inimaginable se produit. Kiefer, “l’intellectuel”, dérange, cela ne plaît pas aux gens du coin, entre autres les chasseurs  qui souhaiteraient le voir s’en aller. Lorsqu’on n’a pas accès à l’art contemporain, on est en droit de se poser des questions, au moins essayer de comprendre. NON, ici, c’est comme ça depuis toujours, il n’y a pas de raison que ça change, “On n’a jamais vu ça”  Si mes pauvres parents qui ont travaillé à la filature voyaient !”- j’en passe et des meilleurs. Peut-être la jalousie y est-elle pour quelque chose. Kiefer est riche, très riche, il passe dans sa voiture de sport et, de plus ce n’est pas tous les jours la même… Il n’en faut pas plus pour déranger les autochtones. Ce qui devait arriver arriva :

 

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Janvier 2008, l’atelier est cambriolé, on pourrait penser que quelques collectionneurs véreux ont commandé ce cambriolage, sachant que ce genre d’œuvre est invendable dans le milieu de l’art, aucun marchand ne prendrait ce risque. Non pas du tout, vous allez peut-être avoir du mal à le croire, les cambrioleurs ayant appris que Kiefer avait  fait de nombreuses sculptures en plomb ne voulaient s’en prendre qu’au fameux plomb qui transiterait probablement par l’intermédiaire d’un receleur qui, de plus, le rachèterait probablement à vil prix. Plusieurs sculptures de Kiefer évaluées à plus d’un million d’euros pièce ont été emportées ou  vendues au prix du kilo de plomb !!!!

 

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Certaines sculptures ont été retrouvées dans les bois environnants, mutilées, réduites en morceaux.

 

Kiefer a maintenant quitté Barjac, une trentaine d’œuvres sont encore sur le site. Il avait été question que la fondation Guggenheim rachète l’ensemble, malheureusement cela n’a pas pu se faire. Que va devenir ce lieu ? Nous avons encore tous en tête ce qu’il est advenu des œuvres de Dubuffet chez Renault. Souhaitons qu’une solution soit trouvée, n’en déplaise à une certaine partie de la population locale (Dieu merci, il doit bien y avoir quelques exceptions).

 

 

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À ce jour Kiefer à passé, le dossier à l’état français à qui il souhaiterait offrir ce domaine conjointement avec l’Allemagne. Si cela se faisait, ce serait un beau symbole, et un beau cadeau.

 

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Kiefer s’est installé provisoirement à l’est de Paris à Croissy-Beaubourg . Il vient d’y racheter un ancien entrepôt de La Samaritaine, 35.000 m2. C’est là qu’il travaille provisoirement, aidé d’une dizaine d’employés qui se déplacent à vélo à l’intérieur des locaux.

 

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Maintenant, Kiefer déménage au Portugal, au sud de Lisbonne. Souhaitons-lui plus de chance qu’à Barjac.

 

 

JE VOUS L’AI TOUJOURS DIT : L’ART ÇA DÉRANGE !

 

Dommage que la France n’ait pas su retenir chez elle un artiste aussi important, mais de toutes les façons Kiefer est un artiste universel.

 

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Liens sur ce blog

 

 

 

Anselm Kiefer

 

 

Chute des étoiles en préparation

 

 

★★★★★★★★

 

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Francisco de Goya, Vicente López Portaña.

Francisco José de Goya y Lucientes, dit Francisco de Goya, né le 30 mars 1746 à Fuendetodos, près de Saragosse, et mort le 16 avril 1828 à Bordeaux.

 

Les vieilles - Huile sur toile -181 x 196 cm. - Musée des Beaux-Arts de Lille.

 

Son père, José Goya, était maître doreur. Le jeune Francisco put ainsi s’initier à l’art dès son plus jeune âge.
Très tôt Francisco travailla dans l’atelier de son père, c’est beaucoup plus tard à l’âge de treize ans qu’il s’inscrivit à L’Académie de dessin de Saragosse.


Son apprentissage fut plutôt laborieux, sa peinture n’avait pas beaucoup de succès, il n’obtint aucun prix au concours de peinture de San-Fernando. Trois ans plus tard, il se présenta à Rome dans l’espoir d’obtenir une bourse, sans résultat. Sans doute à cette époque, lui manquait-il une certaine maitrise du dessin.

 

Deux vieillards mangeant de la soupe - Huile sur toile - 49,3 x 83,4 cm. -

Musée du Prado


Vers 1763,  un parent éloigné de Goya, un certain Francisco Bayeu, artiste-peintre de son état, avait été appelé à Madrid pour participer à la décoration du Palais royal. Bayeu, bien qu’on n’en parle pas beaucoup dans différentes biographies fut certainement celui qui initia le jeune Goya à la peinture, c’est lui qui lui ouvrit la voie, et lui permit d’affirmer son style.

 

Tres de mayo - Huile sur toile - 345 x 266 cm. - Musée du Prado


En 1767, Goya décide de se rendre en Italie par ses propres moyens, il va d’abord s’installer à Rome, puis Venise et Bologne. Il découvre les peintures de Rubens, Raphaël, Véronèse et bien d’autres encore.
Grâce à l’Académie de France à Rome, il trouve du travail. C’est l’époque où il découvre Le Caravage et les fresquistes baroques. Pour la première fois, il va enfin recevoir une mention au concours des scènes historiques.

 

Le chien - Fresque sur plâtre transférée sur toile - 131,5 x 79,3 cm.

Musée du Prado.


En octobre 1771, Goya retourne enfin à Saragosse, son père est très malade. C’est aussi à cette époque qu’il va obtenir sa première commande pour peindre la fresque du dôme de la basilique del Pilar à Saragosse. Francisco Bayeu apprécie énormément le travail de Goya. Goya va épouser la sœur de Francisco, Josefa. Maintenant, Goya peint l’ensemble des peintures de la Chartreuse d’Aulx Dei, toujours à Saragosse.


Goya s’installe définitivement à Madrid, d’artisan, qu’il était, il fit évoluer sa situation au point d’être nommé peintre royal.
Maintenant, on peut dire que le style de Goya s’apparente au néo-classicisme.

 

Le Sabbat des sorcières (Le Grand Bouc) - Peinture sur toile - 140 x 438 cm.

Musée du Prado
 

Son œuvre s’oriente sur des sujets plus réalistes, il va s’éloigner des sujets religieux. La série sur les désastres de la guerre en témoigne.
Je ne reviendrai pas sur la Maja nue, vous pourrez voir l’article que je lui ai consacré.


En 1775, Goya va travailler pour la Fabrique royale de tapisserie, il réalisera plusieurs cartons, la plupart se trouvent au Musée du Prado.
Goya sera admis à l’Académie royale des beaux-arts de San Fernando, et nommé Peintre de la cour de Charles IV.

 

Duel au gourdin, la rixe - Huile sur plâtre transférée sur toile -123 x 266 cm.

Musée du Prado

 

La procession de Saint Isidore - Huile sur plâtre transférée sur toile

140 x 438 cm. -

Musée du Prado

 

 

 

Saturne dévorant un de ses fils - Peinture murale transférée sur toile -

146 x 83 cm.

Musée du Prado

 

 

Les mariées au balcon - Huile sur toile - 194,9 x 125,7 cm.

Metropolitan Museum of Art, New-York

 

Femmes riant - Huile sur plâtre transférée sur toile - 125,4 x 65,4

Musée du Prado.

 

Le sabbat des sorcières - Huile sur toile - 44 x 31 cm.

Fondation Lázaro Galdiano Madrid.

 

Goya graveur.

 

Goya réalisa de très nombreuses gravures, en particulier sur la Tauromachie et les Caprices.

 

Ils se font beaux - Eau forte extraite des Caprices

 

 

 


Goya qui est un chercheur va utiliser presque toutes les techniques, eaux-fortes, aquateintes, pointe sèche, burin etc.

N’oublions pas que Goya fut aussi un grand portraitiste.

 

La laitière de Bordeaux

 

 

Suite à une maladie Goya est mort complètement sourd, ce qui n’empêche pas de peindre.

 

 

 

 

Liens sur ce blog

 

Goya – Tauromachie

 

GOYA - LA MAJA DESNUDA - LA MAJA VESTIDA .

 

 

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“NOTRE PÈRE À TOUS” DISAIT PICASSO”.

 

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Paul Cézanne (19 janvier 1839 - 22 octobre 1906), Autoportrait.
Huile sur toile 64 x 53 cm. (Vers 1875)
Musée d'Orsay, Paris (Donation Jacques Laroche)


La peinture de Cézanne est généralement assimilée à l’impressionnisme, sans doute est-ce plus une question d’époque plutôt que de style. Durant cette période, il y eut trois peintres qui, à mon avis, vont donner naissance à l’art “dit moderne”.

 

I. Cézanne, le peintre de la raison, qui va par ses théories et surtout par son œuvre être à la base du cubisme et de tout ce qui va en découler. Sur ce tableau, on entrevoit très nettement une prémonition de ce que seront les peintures cubistes de Braque et Picasso.

 

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Paul Cézanne, la Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves ,
Huile sur toile, 65 x 81 cm. (1902 - 1904)
Philadelphia Museum of Art,

 

II . Vincent Van Gogh, le peintre de la passion, l’initiateur de l’expressionnisme moderne.

 

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Vincent Van Gogh, Autoportrait à l’oreille bandée
Huile sur toile 51 x 45 cm. Fev 1889
Collection privée, Chicago.


III Claude Monet, peintre de la sensibilité ira jusqu’à l’abstraction. Même si le premier tableau abstrait fut peint par Kandinsky en 1910, il faut bien reconnaître que certaines œuvres de Monet deviennent presque totalement abstraites.

 

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 Monet, Le pont japonais
Huile sur toile 89 x 116 cm.

 

À la période dite impressionniste correspond un certain nombre de peintres dont l’importance n’est pas contestable et je ne voudrais pas diminuer leur mérite. Mais pour moi, il s’agit avec les trois que je viens de citer de ceux que l’on pourrait appeler “Les 3 piliers de l’art moderne”.

Revenons, si vous le voulez bien à notre cher Cézanne.


LA JEUNESSE

 

Le petit Paul naît à Aix le 19 janvier 1839. Bien que faisant partie de la bourgeoisie locale son père vit en concubinage avec une de ses anciennes ouvrières, attitude très choquante pour l’époque. Ils ne se marieront (à l’église) qu’en 1844. C’est seulement en 1847 que Paul Cézanne et sa sœur Marie seront reconnus officiellement par leur père. En 1854 naîtra la deuxième sœur de Cézanne prénommée Rose.

 

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Paul Cézanne - Louis-Auguste Cézanne lisant “L’Evénement”
Huile sur toile 198,5 x 119,3 cm. 1866
National Gallery of Art, Washington


Louis Auguste Cézanne tient un magasin de chapeaux sur le cours Mirabeau. Les affaires prospèrent au point que lorsque la Banque Bargès fait faillite, Louis Auguste décide de la racheter en s’associant avec un dénommé Cabassol. Ainsi se retrouve-t-il à la tête de la nouvelle et unique banque d’Aix : banque Cézanne & Cabassol.

Louis Auguste Cézanne voit en son fils le futur directeur de la banque. Aussi décide-t-il que Paul fera des études de droit.

Pour le moment Cézanne fréquente le collège Bourbon où il va se lier d’amitié avec un certain Émile Zola.

 

 

PAUL, EMILE & BAPTISTIN

 

 

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Paul Cézanne, Portrait d’Emile Zola
Huile sur toile 25,8 x 20,8 cm. (Vers 1862 - 1864)
Musée Granet Aix-en-Provence France

 

On ne le sait pas toujours, mais Cézanne est d’origine italienne, à l’époque où il rencontre Zola celui-ci est toujours italien et ne sera nationalisé français qu’à l’âge de 21 ans. Émile est chétif, il parle en zézayant, avec un accent parigot, et, pour comble, il est un très bon élève. Il n’en faut pas plus pour être pris pour cible par ses petits camarades. Le “françiot” va devenir leur souffre-douleur.

Cézanne qui pourtant n’est pas dans la même classe va très vite se rendre compte de ce qui se passe. Il intervient et comme il est grand et fort, n’a aucun mal à remettre de l’ordre. Mais le règlement de l’école est formel, Cézanne est sévèrement punie. La légende raconte que pour le remercier de l’avoir défendu Zola lui apporta un panier de pommes.

Cézanne et Zola resteront très liés durant toute leur jeunesse, mais il y a un troisième larron dénommé Baptistin Baille qui réussira dans le domaine scientifique d’abord en physique, professeur à l’Ecole Polytechnique il finira sa carrière comme astronome à l’Observatoire de Paris. Les trois amis découvriront ensemble la musique, la littérature, la peinture. Leurs fréquentes promenades sont agrémentées de discussions sans fin et particulièrement dans les domaines que je viens de citer.

Cézanne qui joue du cornet et Zola de la clarinette iront plusieurs fois interpréter une aubade sous le balcon de telle ou telle fille qu’ils espèrent séduire, mais, dit-on, sans succès. À moins que l’on considère les bassines d’eau froide comme une réussite.

De cette époque, ils garderont le souvenir de jours heureux. Dans ses lettres Cézanne évoquera souvent cette période, Zola dans ses écrits transcrira les expériences vécues à Aix (qu’il nommera Plassans). Voir dans l’Assommoir Gervaise qui se souvient du temps où elle était blanchisseuse à Plassans. La famille Rougon-Macquart a ses origines à Plassans, c’est dire à quel point Aix avait marqué Zola.

 

 

CÉZANNE LE PEINTRE


De nos jours, cela peut paraître bizarre, mais à l’époque, on ne disait pas Non à son père, aussi lorsque le jeune Paul est envoyé à la Faculté de droit, il n’a pas le choix. Pourtant, il a maintenant découvert la peinture, suivi des cours à l’école de dessin d’Aix, il a même installé un atelier dans la propriété paternelle du Jas de Bouffan.

 

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Le Jas de Bouffan

 

C’est maintenant l’âge où l’on pressent ce que l’on veut vraiment faire, Cézanne sait qu’il sera peintre. Il sait aussi que la route sera longue, que son père a d’autres ambitions le concernant.

Son ami Zola rentre à Paris. Cézanne rêve de Paris qui est la capitale des arts.

En 1861 Cézanne a 22 ans. Depuis Paris, Zola lui écrit de nombreuses lettres. Il lui raconte un rêve dans lequel il a écrit un livre que Cézanne va illustrer.


 

À NOUS DEUX PARIS !

 


Cézanne n’y tenant plus abandonne ses études, fait le plein d’huile d’olive et monte à Paris. Inutile de dire qu’il n’a pas été facile de convaincre Louis Auguste.

Il aurait bien voulu rentrer à l’Ecole des Beaux-Arts, mais il échoue au concours d’entrée à cause d’un “tempérament excessif”, Cézanne est très colérique, il lui arrive souvent de s’en prendre à son chevalet. Il détruira bon nombre de ses toiles, en fait il se bat contre lui-même.

Cézanne est très marqué par cet échec. Il retourne à Aix où son père, comme on pouvait s’y attendre, lui trouve immédiatement une place à la banque.

En fait, il s’agira d’un passage éclair. Cézanne ne pense qu’à une chose : retourner à Paris, retrouver son ami Émile et devenir peintre.

De retour à Paris, c’est à l’Académie Suisse qu’il continuera ses études artistiques. C’est là qu’il va rencontrer Renoir, Monet, Guillaumin, Sisley et surtout Camille Pissarro avec qui il deviendra très ami. Cézanne présentera ses amis peintres à Zola, qui par la suite écrira de nombreux articles en faveur des impressionnistes. C’est aussi Cézanne qui présentera Alexandrine à Zola, il sera même témoin à leur mariage.

Cézanne bénéficie d’une maigre pension que lui alloue son père, mais il s’en contente.

Il fait de plus en plus d’allers-retours entre Paris et la Provence.

1863 - Exposition au Salon des Refusés.

1864 - Cézanne est refusé au Salon, qu’il dénomme : “ Le Salon de Bouguereau”

1865 - Nouveau refus au Salon.

1866 - de retour à Aix Cézanne a une production abondante.

 

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Paul Cézanne, Achille Emperaire, peintre
Huile sur toile 200 x 210 cm. Vers 1868
Musée d’Orsay, Paris.

 

 


 LA LIAISON AVEC HORTENSE ET “L’ARRIVEE DU PETIT PAUL”

 

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Paul Cézanne, Hortense Fiquet
Huile sur toile 46 x 38 cm. (1873-1877)
Collection privée, France.


En 1869 Cézanne rencontre Hortense Fiquet qui est modèle à l’Académie Suisse. Cette liaison est soigneusement cachée à son père. Le couple s’installe près de Marseille. Cézanne fait très souvent la route à pied pour rejoindre Aix. Il ne fallait surtout pas que son père se doute de quoi que ce soit. En janvier 1872 va naître de cette union un garçon nommé Paul.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Paul, fils de l’artiste
Huile sur toile 17,1 x 15,2 cm. (Inachevé)
Metropolitan Museum of Art, New York.


Cézanne fait régulièrement la navette entre Aix et la capitale. En 1872, il s’installe quelque temps à Auvers-sur-oise et rencontre le Docteur Gachet. Il peint sur le motif en compagnie de son fidèle ami Camille Pissarro. Il expose avec ses amis impressionnistes dans l’atelier du photographe Nadar. Ses œuvres sont rejetées par un public scandalisé.

 

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Paul Cézanne, La maison du pendu, Auvers-sur-Oise .
(Exposé chez Nadar en 1874)
Huile sur toile 55 x 66 cm.1873
Musée d’Orsay, Paris

 


C’est en 1876 que Louis Auguste Cézanne ouvrant le courrier de son fils (celui-ci avait 37 ans) apprend qu’il est grand-père, et que son fils a une liaison avec une certaine Hortense dont il n’a jamais entendu parler.

La réaction ne se fait pas attendre, il déshérite son fils.


 

1882 - Cézanne est enfin reçu au Salon pour la première fois.

À partir de 1882, Cézanne va retourner en Provence, il s’installe d’abord à L’Estaque près de Marseille et en 1885 à Gardanne.

 

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Paul Cézanne, Le Golfe de Marseille vu de l’Estaque
Huile sur toile, 73 x 100 cm. 1885
The Metropolitan Museum of Art, New york.

 

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Paul Cézanne, Gardanne
Huile sur toile 100 x 65 cm. 1886
Fondation Barnes USA.

 

1883 Monet et Renoir rendent visite à Cézanne.

 

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Paul Cézanne, Nature morte à la commode
Huile sur toile, 71 x 90 cm. vers 1885
Nouvelle Pinacothèque, Munich.


En 1886, quelques mois avant sa mort, Louis Auguste accepte que son fils se marie avec Hortense et qu’il hérite de ses rentes.

Le 23 octobre 1886 Louis Auguste meurt laissant à son fils un héritage confortable.

 

Entre-temps Zola avait réussi sa conquête de Paris. "L’Assommoir“ lui avait assuré le succès et la maison de Médan était en cours d’aménagement.

Dans une période difficile, Zola a aidé financièrement son ami Cézanne. Mais les choses vont se gâter.

Un peintre qui ne réussit pas fini toujours par lasser, même ceux qui y croyaient. Pour Zola c’est la réussite dont il avait toujours rêvé, mais son ami Cézanne qui va bientôt avoir 50 ans est toujours au fond du trou. C’est de cette constatation que va naître en 1886 “l’Œuvre”. Zola s’inspire de la vie de Cézanne pour nous conter l’histoire d’un peintre raté, refusé au Salon, tout comme Cézanne . Totalement incompris, Claude Lantier, alias Cézanne, finira par se pendre devant ses grandes toiles. Difficile de ne pas faire un rapprochement avec Cézanne et ses grandes baigneuses.

 

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L’ŒUVRE, édition originale

 

Zola envoi l’Œuvre à son “ami”. Cézanne rompt tout contact avec Zola.

 

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Paul Cézanne, Le Château Noir
Huile sur toile,97 x 74 cm.1904
Washington National Gallery

 

1887 - Cézanne loue une pièce au Château Noir, il va également louer un cabanon dans la carrière Bibémus pour entreposer son matériel lorsqu’il se rend à la Sainte Victoire.

 

 

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Paul Cézanne, La carrière de Bibémus
Huile sur toile, 65,1 x 81 cm. 1895
Muséum Folkwang, Essen.

 

En 1891 Cézanne s’installe au Jas de Bouffan avec sa mère. Sa femme ira habiter rue de la monnaie à Aix !!!


En 1895, le célèbre marchand Ambroise Vollard qui n’a alors que 27 ans, organise une rétrospective Cézanne. 150 œuvres.

 

 

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Paul Cézanne, Portrait d’Ambroise Vollard
Huile sur toile, 100 x 81 cm. 1899
Musée du Petit Palais, Paris

 

La critique commence à s’intéresser à son travail. Cézanne a 56 ans, on regarde enfin sa peinture. Vollard organise une deuxième exposition en 1898. En dehors de quelques rares exceptions (Ambroise Vollard, le Docteur Gachet, Victor Choquet, Le Père Tanguy), ce sont surtout les peintres qui comprennent son message.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Victor Choquet
Huile sur toile 46 x 36 cm.
Collection privée,


Jusque-là, Cézanne avait très peu exposé sauf chez le père Tanguy. Vous connaissez sans doute le portait que Van Gogh a fait de lui.

 

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Vincent Van Gogh, Portrait du père Tanguy
Huile sur toile, 92 x 75 cm. 1887
Musée Rodin, Paris.

 


Le père Tanguy tenait une minuscule boutique de couleur pour artiste rue des Martyrs à Paris. Sa boutique était si petite qu’il ne pouvait mettre qu’un tableau en vitrine. Pourtant si vous aviez eu la chance de le connaître à cette époque, vous auriez pu vous fournir en Van Gogh et en Cézanne à des prix défiant toute concurrence.

 

Le peintre et théoricien de l’art Émile Bernard, mais  aussi Maurice Denis, les critiques Gustave Geoffroy, Roger Marx vont s’intéresser à Cézanne et comprendre enfin à quel point le message qu’il essaie de faire passer est important.

 

1899 - Cézanne vend Le Jas de Bouffan, il espère acquérir Le Château Noir. L’affaire ne se fait pas. Il emménage au 23, rue Boulegon (siège de l’ancienne banque).

 

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Le 23 rue Boulegon. Qui fut le siège de l’ancienne banque Cézanne & Cabassol.

 

1900 - Maurice Denis peint l’hommage à Cézanne.

 

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Maurice Denis,Hommage à Cézanne
Huile sur toile 180 x 240 cm. 1900
Musée d’Orsay, Paris
De gauche à droite : Redon, Vuillard, Mellerio, Vollard, Denis, Sérusier, Ranson, Roussel, Bonnard, Marthe Denis.

Le tableau de Cézanne présenté sur le chevalet a appartenu à Gauguin.


Cézanne commence enfin à être reconnu.
En 1901 il se fait construire un grand atelier dans la périphérie d’Aix spécialement aménagée pour y peindre de grandes toiles ( les baigneuses).

 

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Le grand atelier

 

1902 - Visite d’Ambroise Vollard à Aix.

1904 - Visite à Aix d’Émile Bernard et Charles Camoin. Maintenant tout le monde veut rencontrer Cézanne.

1905 - Cézanne expose au Salon d’Automne, il a 66 ans.

Octobre 1906 Paul Cézanne revient de peindre sur le motif, près de la Sainte Victoire, il est surpris par un violent orage, il a un malaise. Des charretiers de passage le reconduisent à sa maison de la rue Boulegon. Il meurt à 67 ans d’une pneumonie le 23 octobre 1906.

 

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1907 - 56 œuvres de Cézanne figurent dans une rétrospective organisée par le Salon d’Automne. La même année Picasso peint les demoiselles d’Avignon.


Comme je l’ai écrit précédemment, les premières œuvres de Cézanne n’ont rien d’impressionnistes, c’est ce qu’il appelait “sa période couillarde”. Personnellement je la qualifierais plutôt de romantisme baroque.

 

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Paul Cézanne, Le baiser de la Muse, d’après Frillé
Huile sur toile 82,5 x 66 cm. Vers 1859 - 1860
Musée Granet Aix-en-Provence,France

 

Il faut dire que ses premiers tableaux reflétaient l’influence de Delacroix, peintre pour lequel il avait une profonde admiration, et aussi des réalistes, en particulier Courbet. Sans compter tous les autres peintres, qu’il “côtoyait” au Louvre.

Non seulement sa peinture était très “classique”, mais il y avait un côté que l’on pourrait qualifier d’espagnol, je pense à Murillo et même à Zurbaran.

Heureusement pour nous Cézanne a viré sa cuti, ce ne sont certainement pas ces œuvres-là qui nous auraient laissé un souvenir impérissable.

Dès les premiers tableaux, on s’aperçoit que chez le maître d’Aix la forme et la composition priment sur la couleur. Chez lui la couleur est plus là pour souligner la forme que pour créer une impression comme ce serait le cas chez Pissarro ou Monet. Je ne veux pas dire que Cézanne n’attachait aucune importance à la couleur, il en parlera souvent, mais il ne l’utilisera pas comme un peintre impressionniste ou pointilliste, qui eux vont se soucier de juxtaposer les tons complémentaires de telle ou telle façon, par exemple pour l’ombre d’un objet.

À titre indicatif voici quelle était la palette de Cézanne :


Jaune brillant, Jaune de Naples, Jaune de chrome, Ocre jaune, Terre de Sienne naturelle,Terre de Sienne brûlée, Vermillon, Ocre rouge, Laque de garance, Laque carminée fine, Laque brûlée,Vert Véronèse, Vert émeraude, Terre verte, Bleu de cobalt, Bleu outremer, Bleu de Prusse, Noir de pêche.

En ce qui concerne le blanc, je n’ai aucun renseignement, peut-être a-t-il utilisé le blanc de céruse, dont à l’époque, on ne connaissait pas encore la nocivité.

Au début Cézanne “s’embourbe” dans une pâte épaisse. Bien qu’il n’utilise pas le bitume comme son maître Delacroix, les fonds sont souvent noirs ou foncés. Par exemple, dans “L’Assasinat”


LA PENDULE NOIRE

 

 

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Paul Cézanne, La pendule noire
Huile sur toile 55,7 x 74,3 cm. 1869 - 1870
Musée d’Orsay, Paris

 

Dans “La pendule noire” (1867), on va se rendre compte à quel point Cézanne attache de l’importance à la composition. Ce tableau est organisé selon des verticales et des horizontales, comme beaucoup plus tard aurait pu le faire Mondrian.

 

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Remarquez le “cadrage” très particulier pour une peinture de l’époque, cadrage qui serait celui d’un photographe contemporain mais, sûrement pas d’un peintre de 1870.

Je ne résiste pas à l’envie de vous conter la petite histoire de cette toile dont la sobriété et le dépouillement feraient facilement penser à une vanité. Tout l’esprit de Cézanne est dans ce tableau.

Vers 1869, date approximative à laquelle il fut peint, Zola habitait aux Batignolles, rue de la Condamine (lire “l’Œuvre” ou Zola raconte les soirées du jeudi chez Sandoz, alias Zola) . Dans cette toile Cézanne avait réuni quelques objets chers à son ami. La pendule, bien sûr, son encrier, sa tasse à thé.

Curieux de constater que la pendule n’a pas d’aiguilles, venant d’un esprit aussi rigoureux que celui de Cézanne, ce n’est certainement pas un hasard. Peut-être voulait-il arrêter le temps, peut-être pressentait-il sa future brouille avec Émile ?

Pour l’explication du coquillage, voir un psy qui aura certainement beaucoup plus de choses à dire que je ne pourrais le faire sans tomber dans de la psychologie de bistrot.

Par la suite, ce tableau ira dans la célèbre maison de Médan où, après leur “fâcherie”, il se retrouvera face au mur dans le grenier.
Aujourd’hui, cette toile est au Musée d’Orsay où vous pourrez l’admirer et raconter son histoire à ceux qui ne la connaîtrait pas encore.


Décidément très marqué par Manet, Cézanne va peindre “Une moderne Olympia”, là aussi, il en existe deux versions. La première a été réalisée quatre ans après celle de Manet. Il y a dans ce tableau une très belle recherche au niveau de la composition, mais l’ensemble reste encore très académique.

 

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Paul Cézanne - “Une moderne Olympia, première version
Huile sur toile 1867-70
Collection privée.

 

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Paul Cézanne - “Une moderne Olympia” deuxième version
Huile sur toile, 46 x 55 cm. 1873 - 1874
Musée d’Orsay Paris.


Dans la deuxième version, on trouvera une influence impressionniste beaucoup plus marquée. Il faut dire qu’entre-temps Cézanne a rencontré Pissarro qui l’a fortement “impressionné”. Mais chez Cézanne le cerveau aura toujours la priorité sur l’œil, Cézanne est plus un cérébral qu’un instinctif, chez lui tout est réfléchi. Renoir peint pour s’amuser en se laissant aller à son instinct. Chez Cézanne, rien n’est laissé au hasard.

On connaît tous la célèbre formule de Cézanne : “ Il faut traiter la nature selon le cube, la sphère et le cône”.
Et Émile Bernard ajoutait : “Si on est capable de dessiner parfaitement un cube, un cylindre et une sphère, on peut alors dessiner tout ce que l'on voit, que ce soit une table, une fenêtre, un paysage ou un visage... car tout objet, tout corps est structuré à partir de ces formes simples”.

 

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Paul Cézanne, Le Garçon au gilet rouge
Huile sur toile,79,5 x 64 cm. 1888 -1890
Fondation Emil G. Bûhrle, Suisse

La toile a été volée en 2008 ainsi qu’un Van Gogh, un Monet et un Degas. Seul le Garçon au gilet rouge a été retrouvé en 2012 en Serbie ?

 

En 1872, le séjour de Cézanne à Auvers- sur-Oise qui durera un an, va lui permettre de remettre en question les bases de son art.

On imagine facilement les discussions entre Cézanne, Guillaumin, le docteur Gachet et surtout son ami Pissarro.

 

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Paul Cézanne, La maison du docteur Gachet
Huile sur toile, 46 x 38 cm. 1873
Musée d’Orsay, Paris

 

 

Durant cette période (1872 - 1873) Cézanne, Pissarro, Guillaumin et, bien entendu, le docteur Gachet travailleront ensemble dans le grenier de la maison qui a été aménagé en atelier de gravure. Ils y effectueront de nombreuses estampes.

C’est maintenant que Cézanne va se libérer du “bourbier” dans lequel s’enfonçaient ses premières œuvres. La touche devient plus nette, les couleurs plus franches. S’il n’est toujours pas franchement impressionniste, il a retenu les leçons de Pissarro.

 

 

LA NATURE MORTE CHEZ CEZANNE


“Avec une pomme, je veux étonner Paris !”

                            Cézanne

 

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Paul Cézanne, Pommes et serviette
Huile sur toile 49 x 60 cm. 1879 - 1880
Collection privée.

 

Cézanne peint sur le motif. S’il s’agit d’un paysage, il est toujours possible de choisir un certain angle de vue, mais impossible de déplacer le clocher de l’église s’il n’est pas au bon endroit.

 

Avec la nature morte, l’artiste, dispose les éléments comme il l’entend, rien n’est laissé au hasard. Cela convient particulièrement bien à Cézanne qui prendra un soin tout particulier à la composition de ses natures mortes.
Cela ira du plus simple :

 

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Paul Cézanne,Nature morte, poire et pommes vertes
Hule sur toile, 22 x 32 cm.
Musée d’Orsay, Paris.

 

Et parfois au plus compliqué :

 

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Paul Cézanne – Nature morte, pommes et oranges
Huile sur toile, 74 x 93 cm. 1895
Muséz d’Orsay, Paris

 

CEZANNE, ET LE PAYSAGE

 


Jusqu’en 1872 Paul Cézanne avait toujours peint en atelier et jamais “sur le motif ” comme on disait à l’époque.

À la demande insistante de son ami Camille Pissarro, Cézanne s’installe pour quelque temps, d’abord à Pontoise et ensuite à Auvers-sur-Oise chez le docteur Gachet.

 

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Camille Pissaro et Cézanne à Pontoise

 

L’influence de Pissarro va être notable durant la période où ils travailleront en commun (1872 -1873). Ce sera certainement à ce moment que la peinture de Cézanne n’aura jamais été aussi impressionniste. De cette époque, “La maison du pendu”, “La maison du docteur Gachet” ; il y aurait bien d’autres exemples.

 

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Paul Cézanne,L’Etang des sœurs à Osny près de Pontoise
Huile sur toile 60 x 73 cm.
Courtauld Institute of Art Gallery, Londres

 

De retour à Aix, Cézanne n’aura de cesse d’aller peindre d’après-nature, mais maintenant sa peinture favorisera toujours le côté construit. Cézanne trouve vraiment son style. L’influence de Pissarro disparaît. Ce qui n’empêchera pas Cézanne de vouer durant toute sa vie une très grande admiration pour son confrère et ami.

 

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Paul Cézanne, Le pont de Maincy
Huile sur toile, 60 x 75 cm. 1878 - 1879
Musée d’Orsay, Paris


Probablement Cézanne n’aurait pas revendiqué la paternité du cubisme, mais difficile d’imaginer que ce dernier ne soit pas né de sa peinture. Les premières œuvres de Braque et Picasso sont directement inspirées de Cézanne. Voir par exemple de Braque “Viaduc à l’Estaque”

 

 

LA SAINTE VICTOIRE

 

 

Il existe 11 peintures de la Sainte victoire et 17 aquarelles.

 

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Paul Cézanne, Le Château Noir devant la Montagne Sainte-Victoire
Aquarelle et mine de plomb, 31,6 x 48,7 cm.
Albertina, Vienne.


Dans ces aquarelles, on va se rendre compte à quel point Cézanne souhaitait tout ramener à l’essentiel, sur ces petits chefs d’œuvres ne reste plus que quelques lignes et autant dire pas de couleurs. Ne subsiste que les caractéristiques fondamentales du paysage.

 

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Paul Cézanne,La Montagne Sainte-Victoire vue des Lauves
Aquarelle et mine de plomb sur vélin 29,8 x 46,2 cm. 1901 - 1906
Musée Granet, Aix-en-Provence,France

 

Comme on le sait, Cézanne était “obsédé » par la sainte victoire, il y retournera sans cesse. Il était un perfectionniste et non un laborieux, comme certains le laisseraient entendre. Il peignait lentement, revenant sans cesse sur l’œuvre en cours, on se rend compte du travail accompli pour réaliser autant de tableaux.

 

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Paul Cézanne,La Montagne Sainte-Victoire
Huile sur toile, 65 x 81 cm. 1895
Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City.

 

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Paul Cézanne, La Montagne Sainte-Victoire
Huile sur toile 1902 -1906
Metropolitan Museum of Art, New york.

 

 

 

CEZANNE ET LE PORTRAIT

 


Il y a aussi les autoportraits. Hormis Van Gogh, peu de peintres de cette époque ont en fait autant.

 

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Paul Cézanne, Autoportrait
Huile sur toile 64 x 53 cm. 1873 -1876
Musée d’Orsay, Paris

 

Difficile pour Cézanne de trouver des modèles suffisamment patients… Cela aussi explique ses nombreux autoportraits.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Vallier
Huile sur toile 54 x 64 cm.1906
Collection privée, Chicago USA.

 

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Paul Cézanne, Portrait de Victor Choquet
Huile sur toile, 46 x 38 cm. 1877
Colombus Museum of Art, USA


Victor Choquet était un homme modeste, pas bien riche, mais qui, à une époque où personne ne s’intéressait aux “impressionnistes”, a su voir avant tout le monde l’intérêt de ces peintres. En fonction de ses moyens, il achetait quelques tableaux, et particulièrement des Cézanne dont il adorait la peinture. Il existe aussi un portrait de lui peint par Renoir.

 

CEZANNE ET LES GRANDES BAIGNEUSES

 

Mais c’est bien avec “ Les grandes baigneuses” que Cézanne va arriver à l’accomplissement de ses théories.

 

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Paul Cézanne, les grandes baigneuses
Huile sur toile,132,4 x 219,1 cm.Vers 1900 - 1905
Fondation Barnes USA.

 

Il est curieux de constater que les peintres qui produisent de petits tableaux se surpassent souvent dans les grands formats, ce fut le cas pour Cézanne.

 

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Paul Cézanne, Les Grandes Baigneuses
Huile sur toile 210,5 x 250,8 cm. Vers 1894 - 1905
Philadelphia Museum of Art.

 

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Paul Cézanne, Les Grandes Baigneuses
Huile sur toile 82 x 101,2 cm. 1900
The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania.

 


Cézanne va aussi s’intéresser à la composition avec plusieurs personnages, en particulier avec ses célèbres joueurs de cartes.

                                                                          ☆

 

LES JOUEURS DE CARTES


Il en existe plusieurs versions.

 

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Paul Cézanne, Les Joueurs de cartes
Huile sur toile, 1893 - 1896
Musée d’Orsay, Paris

 

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Paul Cézanne, Les Joueurs de cartes
Huile sur toile,65,4 x 81,9 cm. Vers 1890- 1892
Metropolitan Museum of Art, New York


 

Cézanne sait tout peindre, il peint même des fleurs - la preuve :

 

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Paul Cézanne, Le Vase bleu
Huile sur toile, 50 x 61 cm.1885 - 1887
Musée d’Orsay, Paris

 

Pour la petite histoire : En 1973, dans le cadre de l’amitié franco-polonaise fut organisée, sous la houlette du ministre des beaux arts Jacques Duhamel et de son confrère polonais, une exposition d’artistes ayant participé au Salon d’Automne (Cézanne y avait eu droit à une rétrospective). La toile de Cézanne “Le vase bleu” y figurait, ainsi que des œuvres de Bonnard, Gauguin, Vuillard, Matisse, Marquet, Juan Gris, Braque et j’en passe…

Parmi les contemporains, on pouvait voir : Bernard Buffet, Gérard Schneider, Chastel, Marzelle, Rohner. Bref, il y avait en tout 135 peintures triés sur le volet.

Allez donc savoir pourquoi on m’avait demandé de participer à cette exposition avec un tableau : “Requiem pour une étoile” . Cette toile avait bien été exposée au Grand Palais à un Salon d’Automne dont j’ai oublié la date., mais je ne sais pas qui avait pu choisir mon nom parmi les quantités de peintres ayant participé à ce salon. Sans doute ne le saurai-je jamais. Plusieurs tableaux que j’avais exposés au Salon d’Automne furent détruits ou repeints, celui dont il est question est toujours en ma possession et même s’il n’est pas au mur, je le revois toujours avec plaisir.

 

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BMC, Requiem pour une Etoile
Technique mixte sur toile,130 x 162 cm.
Collection de l’artiste

 

L’exposition a eu lieu à Varsovie puis à Katowice.


Tout ça c’était pour vous dire que j’ai eu au moins une fois dans ma vie l’occasion d’exposer avec certains de mes artistes favoris. Vanité des vanités !!!!
 

 

 

⭐️

 

 

 

C’est effrayant, la vie !

                                                                                Paul Cézanne

 

 

 

 

Publié le par BMC
Publié dans : #B.M.C.
 
C'était dans un temps très lointain, j'étais à cette époque-là petit, si petit (comme dit un humoriste dont j'ai oublié le nom , pardon pour lui), si petit donc que tous ceux qui me voyaient de près pensaient que j'étais loin.

Je n'ai jamais su mon âge, même à l'époque où on peut compter les années sur les doigts d'une main. Encore aujourd'hui j'ai des difficultés à trouver le nombre fatidique. Si on me demande : "Quel âge avez-vous ?", je sors ma calculette. Voyons, en quelle année sommes-nous? Ah oui, 2006, vous êtes sûr? 
 
Bon, je suis né en ? attendez ... c'était l'année ? non, je ne me souviens plus. Pourtant, je me souviens de ma naissance, mais dans la chambre où je suis né, il n'y avait pas de calendrier. J'ai beau chercher, non rien qui y ressemble. Un crucifix au-dessus du lit = en tous cas, c'était après J.C. ?
Le seul calendrier de la maison se trouvait à la cuisine .. je n'allais tout de même pas, à peine né , mi-reptile, mi-tortue, descendre un étage, juste pour satisfaire votre (future) curiosité !

Quel âge avez-vous ? La calculette ayant rempli son office, un nombre apparait alors, qui généralement semble satisfaire mon interlocuteur.

Le calcul va sans doute se corser lorsque j'aurai entamé mon deuxième centenaire ! Compter avec deux chiffres, passe encore, mais avec trois .. Enfin, il me reste quelques années pour m'entraîner. 
 
 

 

Château de Saint Loup - B.M.C  aux alentours de 1950
 
Retour à la case départ : j'étais à cette époque petit, si petit, etc, etc.. Je devais avoir cinq ou six ans (la calculette fut inventée bien plus tard). Assis devant le bureau de la chambre, armé d'un outil redoutable : un crayon de couleur. De couleur verte. Le crayon vert est celui qui est le plus utilisé par les enfants.

Et là, on est en droit de se poser la question : pourquoi le vert plutôt que le rouge, qui l'est moins que le bleu ? (Je ne sais pas si vous l'avez remarqué, mais dans l'art de couper les cheveux en quatre, je suis assez doué.)

Bref, armé de mon crayon vert, me vint l'idée saugrenue de tracer une ligne verticale d'environ sept à huit centimètres de haut (pas de calculette et pas non plus de règle graduée).

J'étais seul dans la chambre et c'était fort dommage. S'il y avait eu quelque membre de la famille, il se serait certainement écrié " Où va-t-il chercher tout ça ?.." Mais , solitude de l'artiste, devant ma feuille presque blanche, il y avait seulement le fameux trait vert, agrémenté de quelques traces de doigts. Abandonné du genre humain, comme dit le poète, je continuais inexorablement mon oeuvre.
 
Pourquoi, à ce moment, me suis-je mis à tracer des lignes obliques, une à gauche pour commencer, une à droite pour continuer et ainsi de suite ........... Dans ces moments de concentration profonde, il arrive que le génie se manifeste. Ce fut le cas ! J'arrivais à compter les lignes : une verticale, quatre inclinées à gauche, quatre à droite ? oui, c'est bien sûr, j'avais tracé neuf lignes.
Alors la lumière se fit dans mon esprit. Le sol se dérobait sous moi et, tel Moïse recevant les Tables de la Loi, je compris qu'il m'arrivait quelque chose d'exceptionnel : je venais de dessiner un sapin ! Mais celui-là n'avait rien à voir avec le "vulgaire". On n'en ferait jamais un cercueil. On aurait pu me montrer en photo les plus beaux sapins de cette terre, je n'aurais jamais échangé le mien pour l'un d'entre eux, fut-il du Caucase, des Vosges, de Corée ou, mieux encore, sapin de Noël croulant sous les cadeaux.
 
 
LE MIEN ETAIT PLUS VRAI QUE LE VRAI.

 
Vu mon âge, je ne me posais pas la question en ces termes, mais comment un sapin réduit (si j'ose dire) à l'état de symbole pouvait-il avoir plus d'importance que ce qui, pour la plupart d'entre nous, est la REALITE ? Si vous demandez au premier imbécile venu (tiens, il est encore là, celui-là?) ce qu'est un sapin, il vous conduira dans un bois, vous désignera un arbre et vous dira : "Voilà, ça c'est un sapin! . je peux le toucher, tandis que si je touche le tien , c'est la feuille de papier que je touche". Je pourrais lui rétorquer que le papier est fait avec du bois, mais là, ça nous entraînerait trop loin!
 

                                

Le toucher est-il une preuve d'existence ?


Saint Thomas, qui est la référence dans ce domaine, ne voulait pas croire que Jésus était revenu. Jésus lui dit "Regarde la plaie que j'ai au côté". Thomas enfonce sa main dans le creux de la blessure et répond "Maintenant, je te crois".

Il venait de faire l'expérience du vide. Et pourtant il crut. A méditer!

Lorsque le petit prince demande à St Ex de lui dessiner un mouton  et malgré les efforts du célèbre aviateur , c'est lorsque celui-ci dessine une simple caisse que le petit prince s'écrie : "Voilà, c'est comme ça que je le voulais, le mouton".
 

                                               

 

 

Eh bien moi, mon sapin, c'est comme ça que je le voulais (voir image, réalisée avec trucage, l'original ayant disparu durant la guerre).

 

 

                                            

 

 

 

Tant pis si les grandes personnes n'y comprennent rien.
 
 Les grandes personnes, ce sont celles qui disent, par exemple :
 
-    Moi, je vais te dire ...
-    Moi, qui ai fait des études...
-    Moi, qui connais le plus grand, le plus...
-    Moi, qui ai serré la main de tel ou tel personnage plus ou moins célèbre...

-    Moi, qui ai eu l'occasion d'en parler à la télé...
C'est aussi celui qui un jour, lors d'une discussion animée, a sorti : "Dieu, Dieu, d'accord ! et MOI dans tout ça ?" (Je ne crois pas en un dieu révélé, mais tout de même, je trouve qu'il attige, celui-là, non ?).
 
Ici, se pose le douloureux problème de la réalité relative et de la réalité profonde.

Si j'étais né dans un monde d'aveugles et que j'essayais d'expliquer ce qu'est VOIR... Comment faire ? Et les couleurs ?

Imaginez :  Si le monde n'était qu'un songe et qu'un jour on découvre une autre réalité que celle qui nous est familière... Mais ne comptez pas sur moi pour vous donner des réponses, je ne connais que les questions !
 
Un jour, j'expliquais  à un ami que certaines des étoiles que nous voyons briller n'existent plus depuis longtemps. Croyez-moi si vous le voulez, mais il n'a jamais voulu me croire!

Connaissez-vous le langage des oiseaux ? C'était la langue utilisée au moyen-âge par les constructeurs de cathédrales. Les jeux de mots, la phonétique étaient utilisés. Appelée parfois "langue verte" ou "langue des voyous" (= voyants).

 
Exemple : SAPIN représente à la fois l'arbre et l'action de peindre.

Avouez qu'il est bien choisi, mon exemple! (lire à ce sujet "Les demeures philosophales" de Fulcanelli)
 
A propos de Paul Klee, un qui s'y connaissait en symbolisme (et en chats), je crois me souvenir que c'est dans "Théorie de l'Art Moderne" qu'il parle de ce qu'il appelle "le poisson de Colomb" :
Tracez deux lignes courbes une tournée vers le bas et l'autre vers le haut, touillez et vous obtenez un poisson.
 
 
 

              


C''était son mouton, son sapin...
 
Comme c'est une de mes marottes, je reviendrai sur le symbolisme dans l'Art. Mais rassurez-vous, j'en ai d'autres, des marottes ...

 
  
 

 

Publié le par Clémence Tombereau
Publié dans : #Guest Stars
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B.M.C - L'enfer du décor
 
 
J’ai découvert le monde de B.M.C lorsque j’avais treize ans. Aujourd’hui, presque quinze ans après, cet univers me fascine toujours. Il y a des goûts que l’on a à treize ans et que l’on perd ensuite. Mais il existe des goûts qui perdurent même après l’adolescence, que l’on garde toute une vie, il en va ainsi de l’œuvre de B.M.C …

Le monde de B.M.C est un monde parallèle, comme un reflet criant de la réalité, comme une anamorphose de nos états d’âme, des paysages ou des visages, des restes du monde qui contemplent la vraie vie.

 

Dans le monde de B.M.C, on trouve des yeux ronds comme le monde, des yeux pleins de questions, des mains qui s’accrochent, d’autres qui se détachent ou invitent le spectateur à visiter une autre réalité.
On y trouve des cris colorés, des sourires morbides, des soupirs plus vivants que les nôtres.
On y voit la douleur, et les angoisses de l’humain y côtoient une grâce éternelle. Il y a du sang aussi, l’essence de la vie qui en effraie certains.
Les crucifiés, les toreros, les fameux touilleurs, la négresse verte, les squelettes, les grands hommes comme Antonin Artaud, Francis Bacon, Nicolas Flamel et bien d’autres encore, tout ce petit monde se pose sur la toile… J’ai bien dit « se pose »… Et pourtant…
Pourtant le spectateur voit le mouvement, la marche, les sentiments mobiles. Il voit la torsion, l’œuvre n’est pas statique, c’est peut être pour cette raison que certains ont le mal du réel face à ces vies de tableaux.
Mais si l’on accepte d’y plonger, de visiter de l’œil chaque recoin, alors là… C’est un microcosme complexe qui s’ouvre, et Sésame crie… sur un monde à part.

Dans tous les cas, qu’on aime ou qu’on déteste, on ne peut rester insensible face à une œuvre de B.M.C, tout être normalement constitué aura une réaction, il paraît donc judicieux d’avoir la curiosité d’y jeter un (voire de multiples) coup(s) d’œil…

 

 

                                     Clémence Tombereau

 


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B.M.C. - Les gros yeux


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B.M.C. - Mes naissances

  


 

 
 
 
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