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Bernard Lorjou devant l'Assassinat de Charon Tate en 1970

 

 

 

Lorjou était un véritable autodidacte ; d’ailleurs comment aurait-il pu avoir un maître ? Chez lui tout est prétexte à se révolter, cela apparaît dès ses premières peintures. Comme Goya pour qui il a une très grande admiration, il va choisir des sujets en rapport avec l’actualité, il se veut témoin de son temps.

 

 

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1953 - Peste en Beauce - 260 x 350 cm

 

 

Tout événement politique ou social devient pour lui un combat quotidien. Picasso ne disait-il pas :“ La peinture n'est pas faite pour décorer les appartements. C'est un instrument de guerre offensif et défensif contre l'ennemi.”  Lorjou va prendre l’affirmation de Picasso au pied de la lettre et comme vous allez le voir, durant toute sa vie, il sera en bataille permanente contre toutes les injustices. Chez lui la peinture devient dynamite.

 

 

 

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1964 - Chien de policier, Blancs et noirs 

 

 

Picasso a peint Guernica. Chez Lorjou, chaque tableau,  chaque exposition, sera à sa façon un nouveau Guernica.

 

 

Lorjou le dynamiteur commence véritablement à peindre vers 1934, il a vingt-six ans ; déjà, le sujet en dit long sur ce qui suivra : son tableau s’intitule “La conquête de l’Abyssinie  par les Italiens”. Il sera exposé au Salon des Indépendants de 1936 (et détruit par la suite).

 

 

 

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1970 - La Mort de Mishima - 280 x 340 cm.

 

 

Durant la guerre, il se retire à Blois où ses parents tiennent une petite épicerie. Bien entendu, les événements ne le laissent pas indifférent, lui qui est toujours prêt à se révolter.

 

Comme pendant cette période, il ne mange pratiquement que des légumes, par la suite, l’habitude aidant, il deviendra végétarien.

 

 

 

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1957 - Godillot & Tournesol - 60 x 120 cm.

 

 

 Il faudra attendre 1945 pour qu’il réalise sa première exposition, Galerie du Bac à Paris.

 

Le succès ne viendra pour lui qu’en 1948, lorsqu’il recevra conjointement avec Bernard Buffet le Prix de la Critique (à cette époque, les prix voulaient encore dire quelque chose).

Comme je vous l’ai dit dans un article récent, nous sommes en pleine guerre, les figuratifs d’un côté, de l’autre les abstraits. Il faut choisir son camp. Pour Bernard Lorjou, comme vous, vous en doutez, il va prendre fait et cause pour la figuration, et comme il ne fait rien à moitié, il va déclencher une véritable croisade contre l’abstraction. Pour ça, il crée le groupe “Homme témoin”, groupe dont feront partie, entre autres, le critique Jean Bouret, les peintres Yvonne Mottet (l’épouse de Bernard Lorjou), Bernard Buffet, Jean Couty, André Minaux.

 

 

 

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1967 - Famine en Inde - 248 x 325 cm.

 

 

En 1950, Paul Rebeyrolle, qui militait en faveur de l’art figuratif, reçoit le Prix de la Jeune Peinture. Pour les pro-abstraits, c’est “la goutte d’eau qui met le feu aux poudres”. Malraux prophétisera : “La grande peinture n’est plus figurative”. La bataille fait rage, Lorjou la mènera toute sa vie.

 

 

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1963 - La mort de Jean XXIII - 400 x 350 cm.

 

      

 

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1970 - L'assassinat de Sharon Tate - 350 x 400 cm.

 

 

Curieusement Lorjou qui fait une peinture d’esprit très “français” va être adopté par les Américains, alors mêmes qu’en France il n’est vraiment connu que des seuls initiés. De plus, c’est l’époque où l’Amérique s’affranchit de l’Europe ; l’École de New York est en train de naître, la peinture française n’est pas la bienvenue.

 

 

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1968 - Hiroshima - Le Cri -

 

 

En 1957 Lorjou, qui ne fait rien comme tout le monde, va construire une cabane sur l’esplanade des Invalides au cœur d’une fête foraine, il y expose “Les massacres de Rambouillet”.

    1958, Lorjou transplante sa cabane à l’exposition universelle de Bruxelles, il y présente “Le roman de Renard”, plaidoyer contre la guerre d’Algérie.

 

 

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1967 - Viet-Nam - 245 x 325 cm.

 

 

En 1959, il va exposer chez Wildestein “Le bal des fols”, une très belle expo qu’il présentera à nouveau à Paris dans un local loué exprès, rue du faubourg saint Honoré. Le musicien Marcel Despard compose une musique spécialement pour cet événement. À l’entrée de l’exposition se trouve à la disposition des visiteurs des lithographies tirées à un très grand nombre d’exemplaires et au dos desquelles sont imprimées des sentences. Souvent, il s’agit de fables de La Fontaine dont le sens a été détourné à la gloire de la peinture figurative.

 

 

 

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1976 - Chat & poisson - 114 x 146 cm.

 

 

En 1963, Lorjou présente ses tableaux de grandes dimensions. L’un d’entre eux, “Le guide”, représente le Général De Gaulle avançant en aveugle muni d’une canne blanche. C’est au lendemain de la guerre d’Algérie, personne ne veut prendre le risque d’exposer ce tableau. Lorjou loue une péniche sur laquelle il installe ses œuvres. Elle effectuera de nombreuses navettes avant d’être arraisonnée.

 

 

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1961 - Le Guide - La Guerre d'Algérie - 166 x 125 cm.

 

 

Lorjou fait de nombreuses expositions toujours en marge du marché de l’art.  En 1965, exposition “Les centaures et les motocyclettes”, l’expo a lieu à Sarcelles et, ce qui est plus original, en plein air.

 

Lorjou produit beaucoup, maintenant il peint “Les rois de Charlemagne à Charles De Gaulle”, “La mort de Jean XXIII”.

 

1968, Voyages au Japon, Lorjou va peindre sa série sur Hiroshima. 1968 sera l’année marquée par le décès d’Yvonne Mottet.

En 1970, exposition au Musée Galliera “L’assassinat de Sharon Tate” . L’exposition sera présentée en Belgique et au Japon.

En dehors de ses sujets à scandales Lorjou va peindre la tauromachie, le cirque et aussi des fleurs et des natures mortes.

 

 

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1985 - Sida Homme -

 

 

C’est seulement en 1984 qu’il va exposer dans sa ville natale, Blois. À propos de la ville de Blois, il faut tout de même vous dire que Bernard Lorjou “prenait son pied” de la façon suivante. De temps à autre il, louait quelques emplacements publicitaires parmi les mieux placés et y placardait des affiches représentant une tête de mort. À Blois, tout le monde savait ce que cela voulait dire… En effet, quelques jours plus tard Lorjou distribuait des tracts sur lesquels était dénoncés un scandale. On peut comprendre après cela que les élus locaux n’aient pas mis beaucoup d’enthousiasme pour lui consacrer une exposition.

 

 

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1982 - Sabra et Chatilla - 200 x 240 cm.

 

 

Lorjou qui lorsqu’il était à Paris habitait Montmartre, ne supportait pas que l’on puisse porter atteinte à la commune libre. Comme des Américains voulaient racheter “La Bohème”, le célèbre bistrot de la place du Tertre, pour en faire un fast-food,  Lorjou engagea le combat, peignit de grands calicots qu’il installa sur les toits environnants. L’affaire fut entendue, les Américains rangèrent leurs carnets de chèques.

 

1985 sera pour Lorjou sa dernière expo manifeste, sur le thème du sida.

 

Le 26 janvier 1986, âgé de soixante-dix-huit ans, Lorjou nous quitte pour le paradis des peintres. Depuis ce temps, chaque fois que j’entends gronder le tonnerre, je me dis : “Tiens c’est Lorjou qui se fâche, il vient de rencontrer un peintre abstrait qui a eu la mauvaise idée de se retrouver au Paradis”

    

Personnellement, je regrette beaucoup que ce peintre ne soit pas davantage connu en France. Il faut dire que l’anarchiste, le provocateur Lorjou avait fait ce qu’il fallait pour être rejeté du milieu de l’art. Pourtant je pense que le temps fera son œuvre et remettra enfin Bernard Lorjou à sa juste place, c’est-à-dire parmi les plus grands de cette fin de siècle.

 

Bernard Lorjou a eu le courage de dénoncer toutes les injustices, les guerres, de l’Algérie au Viêtnam. Il a milité contre le racisme en Amérique. Je ne peux pas ici citer toutes les causes qu’il a défendues de la misère en Inde à la lutte contre le sida.

 

Je regrette également que ses œuvres ne soient pas davantage présentées. Le jour où aura lieu une importante rétrospective Lorjou, je suis certain que ce sera une révélation pour un grand nombre d’amateurs. J’attends ce jour avec impatience.

 

 

 

 

 

Site Bernard Lorjou

 

 

 

Association Bernard Lorjou

 

 

 

 

Remerciements :  Je tiens à remercier ici, tout particulièrement , Mesdames Junko Shibanuma, Yvonne Henocque et Monsieur Alexandre Rhodes  grâce à qui j’ai pu illustrer cet article.

 

 

 

 

❏❏❏ 

 

 

 

 

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Non je ne vais pas ici vous raconter l’histoire du résistant, du préfet, de l’homme de gauche qu’était Jean Moulin. J’imagine, j’espère, que vous la connaissez très bien. En revanche peu de personnes savent que Jean Moulin dès son plus jeune âge était passionné par l’art. En classe, il passait son temps à dessiner, à caricaturer ses camarades ou ses professeurs. Ses premiers dessins sont dans le style de Poulbot, pour un début, on peut lui pardonner…

 

Dès 1922 il expose à Chambéry au Salon de la Société Savoisienne des Beaux Arts, des pastels (un picador), des aquarelles et des dessins.

 

En 1930, il va fréquenter le monde artistique, des écrivains, des poètes comme  Max Jacob. À cette  époque, il publie des dessins humoristiques destinés à la revue “Le Rire”. Compte tenu de sa situation, il est à ce moment-là sous préfet de Châteaulin dans le Finistère, il juge utile de se trouver un pseudonyme :Romanin sera son nom d’artiste.

Romanin est le nom d’un château en ruine proche de Saint Andiol, lieu où le jeune Jean Moulin passait ses vacances. 

Plus tard il sera nommé préfet d’Eure-et-Loir, où il décidera de rester au moment de l’invasion allemande dans le seul but de protéger les populations civiles.

 

 

 

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Armor de Tristan Corbière, Editions Helleu, 1935

 

 

Pour illustrer le recueil de Tristan Corbière Armor, “Romanin” exécute huit gravures dont la plus célèbre pour “La pastorale de Conlie”. Il réalise là une planche sinistrement prémonitoire, lui qui n’arrivera jamais jusqu’au camp auquel on le destinait va dessiner un charnier semblable à ceux que l’on découvrira un peu plus tard à Buchenwald.

Il arrive parfois que certaines personnes ont le pressentiment d’événements importants. Malheureusement, sur le moment, il est bien difficile d’interpréter ces signes.

 

 

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Romanin gravure – La pastorale de Conlie 1935

 

 

En 1940, Jean Moulin est arrêté une première fois pour “refus de complicité avec les autorités allemandes”. Tout ça parce qu’il refuse d’accuser une troupe de tirailleurs  d’avoir commis des atrocités qui en fait sont dues aux bombardements de la Luftwaffe.

Passé à tabac, maltraité par les soldats ennemis, Jean Moulin ne le supporte pas, muni d’un morceau de verre, il  tente de mettre fin à ses jours en se tranchant la gorge. Par bonheur il échappe à la mort. C’est depuis ce temps-là que vous verrez sur presque toutes ses photos Jean Moulin avec une écharpe pour dissimuler sa cicatrice.

 

Durant les années 30, Jean Moulin a commencé une collection de peintures avec, entre autres, des œuvres de Soutine, Chirico, Survage, Goerg, Albert André, et bien d’autres peintres. En tant que collectionneur, il fait la connaissance de marchands comme Pétridès ou Bernheim, ce qui lui sera comme on le verra plus loin bien utile.

 

Dès lors que Jean Moulin est engagé dans la résistance son activité nécessite  de nombreux déplacements. Comme il doit trouver un alibi, tout naturellement lui vient l’idée d’ouvrir une galerie d’art. Le travail d’un responsable de galerie consiste à courir les salles de ventes, rencontrer ses confrères, et aussi les amateurs. En cas de doute, il n’y a plus de suspicion possible. Il peut  ainsi s’absenter aussi souvent que possible sans que cela paraisse louche. Comme il a  gardé un très bon souvenir de son passage dans le midi (il y avait séjourné dans sa jeunesse), il décide de jeter son dévolu sur la ville de Nice, De plus Nice comporte un fort potentiel en clientèle fortunée, et amateurs d’art.

C’est aux 22, rue de France dans une ancienne librairie qu’il ouvre la Galerie Romanin. Le bail est signé le 12 octobre 1942. Comme le magasin comporte un petit appartement au premier étage, cela convient parfaitement bien. Durant la résistance, il servira à abriter les “amis de passage”, d’autant qu’il possède plusieurs issues…

 

 

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Georges Mandel Dessin de Romanin

 

 

Jean Moulin avait fait la connaissance d’une certaine Colette Pons à qui il comptait laisser la direction de la galerie, et qui connaissant ses activités ferait ce qu’il faut pour le protéger en cas de danger.

Il ne reste plus qu’à solliciter du préfet des Alpes-Maritimes l’autorisation d’ouvrir une galerie destinée à la vente de tableaux et sculptures modernes ; pour appuyer cette demande la Galerie Romanin s’engage à promouvoir les “jeunes peintres locaux”. Comme à cette époque l’art moderne n’intéresse, il faut bien le dire, pas grand monde et qu’il n’y a que très peu de concurrents sur la ville de Nice, l’autorisation est donnée sans difficultés. 

 

La galerie est rapidement installée, quelques toiles venant de chez Pétridès viennent meubler les cimaises. Des contacts sont pris avec Matisse et Bonnard qui consentent à laisser en prêt plusieurs œuvres, ajoutez à cela quelques tableaux de la collection personnelle de Jean Moulin. C’est ainsi que démarre la Galerie Romanin.

 

Le vernissage a lieu le 9 Février 1943. C’est un succès, il y a des peintures de ceux qui vont marquer leur époque : Bonnard, Degas, Dufy, Friesz, Rouault, Matisse, Chirico (à l’époque où il peignait encore bien). Le préfet est là ainsi que le “tout Nice”, des collectionneurs, des amateurs d’art de tous poils, vrais ou faux snobs, enfin tout ce qui est nécessaire à la réussite d’un beau vernissage.

 

La presse locale ne manque pas de relater l’événement, très vite la galerie est fréquentée par de nombreux artistes les frères Prévert, Jacques et Pierre, le peintre Tal-Coat, des musiciens comme Django Reinhart.

 

Rapidement des contacts se font avec les autres marchands de la région, entre autres Katia Granoff et Aimé Maeght.

 

Jean Moulin, aurait aimé faire des expositions “révolutionnaires”, il souhaitait exposer Kandinsky, ou s’il avait pu Picasso, mais cela était trop risqué, il ne fallait pas attirer l’attention sur lui aussi c’est sur des peintres beaucoup moins subversifs qu’il va s’appuyer : Renoir, Chabaud, Suzanne Valadon, Utrillo, Marie Laurencin et aussi Othon Friesz, qui, s’en souvient-on aujourd’hui avait fait le “triste voyage à Berlin” en compagnie de Derain et Van Dongen, mais c’est une autre histoire qu’il faudra bien que je vous raconte un jour.

 

Jean Moulin est de plus en plus pris par ses activités de résistant, heureusement Colette Pons qui bénéficie d’une confiance totale, s’occupe de tout. Les différents déplacements de Jean Moulin sont tout à fait justifiés, il achète des tableaux à Paris qu’il revend à Nice, le fonctionnement de la galerie ne peut intriguer personne, et c’est bien là le but recherché.

 

 

 Daniel Cordier

 

Jean Moulin est passionné par son métier de marchand d’art, son secrétaire Daniel Cordier raconte que chaque fois qu’il déjeunait avec lui, Jean Moulin ne cessait de parler  peinture, voici ce qu’il écrira plus tard :“ Jean Moulin fut mon initiateur à l’art moderne. Avant de le rencontrer, en 1942, j’étais ignorant de cet appendice vivant de l’histoire de l’art. Il m’en révéla la vitalité, l’originalité et le plaisir. Surtout il m’en communiqua le goût et la curiosité”

C’est ainsi que Daniel Cordier allait découvrir l’art moderne et plus tard devenir lui aussi galeriste, dois-je vous rappeler le legs très important qu’il fit au Centre Georges Pompidou, comportant notamment plusieurs Dubuffet. C’est un peu à Jean Moulin qu’on le doit. C’est dans sa galerie que j’ai vu pour la première fois un Johns ou un Rauschenberg (le lit que devait racheter plus tard Léo Castelli).

 

Le 21 Juin 1943 Jean Moulin est arrêté par Klaus Barbie, il a prévenu Colette Pons “s’il devait m’arriver quelque chose, vous serez prévenue par un télégramme ainsi rédigé : “Vendez tout comme convenu”. Malheureusement le télégramme en question arrive avec bien du retard envoyé par la sœur de Jean, Laure Moulin , c’est presque avec un mois de retard que Colette Pons déménage de nuit et sur une charrette à bras la précieuse collection de la Galerie Romanin.

 

En 1944 Aimé Maeght manifesta l’intention d’installer une succursale de sa galerie   dans le local du 22 rue de France. Laure Moulin s’y opposa formellement.

 

Tout le monde connaît l’histoire : Torturé à mort, Jean Moulin n’a pas parlé et n’est plus en état de le faire, son tortionnaire lui tend un papier et un crayon. Jean Moulin fera la caricature de son bourreau, ce sera là son dernier dessin.

 

Jean Moulin décède dans le train qui l’amène en Allemagne le 8 Juillet 1943. Hitler qui voulait le voir en sera pour ses frais. Les deux anciens peintres auraient pu avoir une conversation entre artistes, mais probablement ne faisaient-ils pas partie de la même école…

 

Le 19 décembre 1964 les cendres présumées (les preuves de leur authenticité sont douteuses) de Jean Moulin entrent au Panthéon.  Ceux qui l’ont entendu se souviennent encore du célèbre discours de Malraux,  un autre amateur d’art.

 

 

 

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Discours d’André Malraux sur le parvis du Panthéon :

 

“Comme Leclerc entra aux Invalides, avec son cortège d'exaltation dans le soleil d'Afrique, entre ici, Jean Moulin, avec ton terrible cortège. Avec ceux qui sont morts dans les caves sans avoir parlé, comme toi ; et même, ce qui est peut-être plus atroce, en ayant parlé ; avec tous les rayés et tous les tondus des camps de concentration, avec le dernier corps trébuchant des affreuses files de Nuit et Brouillard, enfin tombé  sous les crosses ; avec les huit mille Françaises qui ne sont pas revenues des bagnes, avec la dernière femme morte à Ravensbrück pour avoir donné asile à l'un des nôtres. Entre, avec le peuple né de l'ombre et disparu avec elle - nos frères dans l'ordre de la Nuit…”

“C'est la marche funèbre des cendres que voici. À côté de celles de Carnot avec les soldats de l'an II, de celles de Victor Hugo avec les Misérables, de celles de Jaurès veillées par la Justice, qu'elles reposent avec leur long cortège d'ombres défigurées. Aujourd'hui, jeunesse, puisses-tu penser à cet homme comme tu aurais approché tes mains de sa pauvre face informe du dernier jour, de ses lèvres qui n'avaient pas parlé ; ce jour-là, elle était le visage de la France... ”

 

      ♢      

 

 titre documentaire voici quelques mauvaises reproductions des œuvres de Romanin :

 

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Romanin – Le marin aux trois filles

 

 

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Romanin – Gravure

 

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Romanin – Gravure

 

 

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Romanin – Gravure

 

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Romanin – Montparnasse

 

 

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Romanin - Foujita

 

 

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Romanin

 

 

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Romanin – Plaza de toros

 

 

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Romanin – Banquet démocratique

 

 

 

 

 

 

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Le Pape est mort, un nouveau Pape est appelé à régner. Araignée ! Quel drôle de nom pour un pape, pourquoi pas libellule ou papillon ?

                                                                                          Jacques Prévert

 

 

Comme tout le monde le sait conclave vient du latin cum (avec) clavis (la clef). Autrement dit enfermé à clef.

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Clément IV

 

C’est à Clément IV que nous devons le spectacle auquel nous allons bientôt assister, parait-il pour la dernière fois. Pour ceux qui ne me croiraient pas, voir les prophéties de Saint Malachie (qui ne profitent jamais).

 

D’ailleurs à ce sujet, voici quelques précisions: Le saint homme (Malachie) nous donne la liste des 111 (à son époque) papes à venir. Il ne nous  délivre pas les noms mais une devise correspondante à chacun d’entre eux. Pour Benoit XVI ce sera: “La gloire de l’olivier”, les branches d’olivier sont parait-il le symbole de l’ordre de Saint Benoit.

 

Et pour le 112° et dernier pape  la devise est très claire, il se nommera Petrus (aucun lien avec le vin) Romanus. Pierre le romain (aucun rapport avec le bistrot).

 

Certains prétendent qu’entre les deux derniers papes, il y aurait  des antipapes. Je  laisse cette hypothèse à leur imagination délirante. Cela  semble-t-il n’est pas très sérieux.

 

Mais revenons à nos moutons. A l’origine Clément IV s’appelait Gui Foulques, ou Fouquois, même peut être Foucault (avec l’accent gardois difficile de s’y retrouver). A son époque il était plus connu dans sa bonne ville de Saint-Gilles (Gard) sous le sobriquet de “le Gros”.

 

“Le Gros” à, d’abord été avocat ; comme à son époque le mariage pour tous n’avait pas été inventé, il se maria normalement avec une femme dont il eut plusieurs  enfants. Bien entendu, les mœurs avaient évolué et ce n’est tout de même pas  le fait d’avoir, dans quelques moments d’égarement, fait plusieurs enfants qui allaient l’empêcher d’être pape, d’autant qu’entre temps sa femme était passée rendre visite à Saint Pierre.

 

Le pontificat de Clément IV s’étendit du 5 février 1265 au 29 novembre 1268.

C’est à Viterbe (à Rome, c’était la guerre) que s’installe le Saint Siège. Clément fréquente des tas de gens très bien, entre autres Roger Bacon (l’illustre aïeul du peintre Sir Francis) et surtout son pote Saint Thomas d’Aquin.

 

Clément IV était un pape très à cheval sur les principes. Un jour où l’armée de Conradin de Souabe défilait le long du palais Dominical, depuis la loggia papale, il en profita pour hypocritement excommunier l’armée toute entière. (Je ne sais pas si ça figure dans le livre des records).

 

Mais tout a une fin, même les papes, ce fut le tour de Clément IV.

Et il fallut bien organiser une nouvelle élection.

 

C’est à Viterbe en 1271 que se tint le premier conclave. Les cardinaux convoqués en urgence devaient trouver un remplaçant à Clément, ils prirent tout leur temps. Il faut dire que la cantine était plutôt du genre ★★★★. Durant une année il ne se passa rien, en dehors des agapes. Comme cette situation ne pouvait pas durer, Bonaventure, ministre général des franciscains (le futur Saint Bonaventure) prit les choses en main, en accord avec le Seigneur de Viterbe il décida d’enfermer les cardinaux dans une seule pièce dont on retira le toit “afin que l’Esprit Saint puisse se manifester”. Si vous faites une demande au Ciel n’oubliez pas de retirer la toiture, ou alors allez vous agenouiller sur votre pelouse, autrement ça ne marche pas. Comme cela ne suffisait pas les cardinaux furent mis au pain sec et à l’eau. On menaça même de les affamer.

 

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Saint Bonaventure

 

Les cardinaux devenus enfin raisonnables élisent 6 d’entre eux  qui finissent enfin par se mettre d’accord.

Il fallut tout de même près de trois ans pour obtenir un résultat.

 

Pour le prochain pape j’espère qu’il n’y aura pas de difficultés, ce serait dommage d’être obligé d’enlever le toit de la Sixtine !

 

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P.S. À tout hasard je porte à la connaissance des cardinaux qui pourraient me lire, et qui n’en auraient pas eu connaissance, qu’il est strictement interdit de tweeter sous peine d’excommunication durant tout le conclave.

 

 

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Publié le par BMC
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Cet article s’adresse à tous ceux qui pensent que les peintres contemporains ne connaissent rien à la technique, qu’ils ne savent même pas dessiner.
 
Combien de fois ai-je entendu ce genre de réflexion !

Je crois nécessaire de préciser que toutes les images que vous allez voir sur cet article ne sont pas des photos, mais soit des dessins, soit des peintures voire  même des sculptures.

L’hyperréalisme est né aux Etats-Unis, où, d’ailleurs il porte un autre nom : le photoréalisme. Cette école de peinture est indéniablement issue du pop art et de la volonté des artistes de réagir face à la société de consommation et à la publicité (ce n’est pas le cas pour tous, mais pour la majorité d’entre eux). Même si souvent une photographie sert de modèle au peintre, la performance n’en est pas diminuée pour autant.

Voici quelques exemples de peintres les plus représentatifs de cette école.



 
Ralf Goings
 

Né le 9 mai 1928. Peintre et photographe, il peint toujours d’après des photos qu’il a fait lui-même. Le monde du fast-food n’a plus de secret pour lui.
 

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 Ralph Goings – Peinture


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 Ralph Goings – Peinture
 
Jerry Ott

Jerry Ott est né en 1947. Il emploie un peu toutes les techniques allant jusqu’aux œuvres à trois dimensions. C’est un des artistes les plus connus, aux USA.

 
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 Jerry Ott – Peinture
 
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 Jerry Ott – Peinture


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 Jerry Ott – Peinture
 
Robert Cottingham
 

Le plus américain des hyperréalistes, très influencé par Edward Hopper, il travaille souvent par séries.


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 Robert Cottingham - Peinture


 
Don Eddy
 
Photographe de formation, pour réaliser ses peintures il se sert de plusieurs photos de référence du même sujet de façon à obtenir une profondeur de champ exagérée. Bouddhiste convaincue, sa peinture est une sorte de méditation sur le monde du Samsara.


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          Don Eddy – Peinture


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Don Eddy – Peinture
 
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Don Eddy – Peinture
 
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Don Eddy – Peinture


 
 
Richard Estes
 

Né en 1936. C’est le spécialiste des reflets.


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 Richard Estes - Peinture
 
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 Richard Estes  – Peinture
 
 
Norman Rockwell   (1894 – 1978)
 
Peintre et illustrateur de l’Amérique telle que nous nous la représentons, son œuvre ne manque pas d’humour. Ce peintre est malheureusement assez peu connu en France. Beaucoup de charme et de poésie dans son œuvre.


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Norman Rockwell – Peinture


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Norman Rockwell - Peinture  
    

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 Norman Rockwell - Peinture


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Norman Rockwell – Peinture


 
 
Audrey Flack
 

Peinture très féminine à la fois par la composition mais aussi par les couleurs.


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 Audrey Flack – Peinture
 
Robert Bechtle
 
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Robert Bechtle - Peinture


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 Robert Bechtle - Peinture
 
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 Robert Bechtle - Peinture


Il n’y a pas qu’en Amérique que l’on fait de la peinture hyperréaliste.

 
Jacques Monory
 

Peintre français né en 1924, travaille beaucoup par séries, on connaît surtout ses camaïeux de bleu.
 
 
 
 
 
Ron Mueck 
 
 
Il n’y a pas qu’en peinture que sévit l’hyperréalisme, certains d’entre vous auront déjà découvert cet artiste dans l’article que je lui ai consacré sur ce blog.



 
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Ron Mueck - Sculpture (Détail)
 
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Ron Mueck – Sculpture
 




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J’ai connu quelqu’un qui disait : “ La seule chose qui puisse donner une idée de l’infini, c’est la connerie humaine”. En voici un bel exemple :

 

Anselm Kiefer est très probablement le plus important artiste contemporain, j’ai déjà eu l’occasion de vous en parler dans ce blog.

 

En 1993 Kiefer (Avec un seul f s.v.p.) s’était installé en France plus exactement dans un petit village du Gard connu jusque-là, pour sa célèbre foire annuelle d’antiquité. J’ai nommé Barjac.

 

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Au lieu-dit “La Ribaute”, Kiefer rachète une ancienne filature au milieu de 35 hectares de terrain, il va au cours des ans y construire un grand nombre d’installations monumentales, des œuvres dépassant parfois 10 mètres de hauteur. Tanks en terre glaise, livres et bibliothèque en plomb.  Petit à petit, le lieu se construit, des tours, des tunnels, un immense atelier, une serre, un lac artificiel, bref l’artiste crée un monde décalé à l’image de ce que j’ai appelé dans ma peinture “Les restes du monde”. Kiefer qui est né en 1945 et qui  n’a pas connu la guerre, crée une œuvre tragique marquée par la culpabilité allemande, mais aussi empreinte d’une profonde spiritualité.

 

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Et voici que l’inimaginable se produit. Kiefer, “l’intellectuel”, dérange, cela ne plaît pas aux gens du coin, entre autres les chasseurs  qui souhaiteraient le voir s’en aller. Lorsqu’on n’a pas accès à l’art contemporain, on est en droit de se poser des questions, au moins essayer de comprendre. NON, ici, c’est comme ça depuis toujours, il n’y a pas de raison que ça change, “On n’a jamais vu ça”  Si mes pauvres parents qui ont travaillé à la filature voyaient !”- j’en passe et des meilleurs. Peut-être la jalousie y est-elle pour quelque chose. Kiefer est riche, très riche, il passe dans sa voiture de sport et, de plus ce n’est pas tous les jours la même… Il n’en faut pas plus pour déranger les autochtones. Ce qui devait arriver arriva :

 

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Janvier 2008, l’atelier est cambriolé, on pourrait penser que quelques collectionneurs véreux ont commandé ce cambriolage, sachant que ce genre d’œuvre est invendable dans le milieu de l’art, aucun marchand ne prendrait ce risque. Non pas du tout, vous allez peut-être avoir du mal à le croire, les cambrioleurs ayant appris que Kiefer avait  fait de nombreuses sculptures en plomb ne voulaient s’en prendre qu’au fameux plomb qui transiterait probablement par l’intermédiaire d’un receleur qui, de plus, le rachèterait probablement à vil prix. Plusieurs sculptures de Kiefer évaluées à plus d’un million d’euros pièce ont été emportées ou  vendues au prix du kilo de plomb !!!!

 

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Certaines sculptures ont été retrouvées dans les bois environnants, mutilées, réduites en morceaux.

 

Kiefer a maintenant quitté Barjac, une trentaine d’œuvres sont encore sur le site. Il avait été question que la fondation Guggenheim rachète l’ensemble, malheureusement cela n’a pas pu se faire. Que va devenir ce lieu ? Nous avons encore tous en tête ce qu’il est advenu des œuvres de Dubuffet chez Renault. Souhaitons qu’une solution soit trouvée, n’en déplaise à une certaine partie de la population locale (Dieu merci, il doit bien y avoir quelques exceptions).

 

 

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À ce jour Kiefer à passé, le dossier à l’état français à qui il souhaiterait offrir ce domaine conjointement avec l’Allemagne. Si cela se faisait, ce serait un beau symbole, et un beau cadeau.

 

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Kiefer s’est installé provisoirement à l’est de Paris à Croissy-Beaubourg . Il vient d’y racheter un ancien entrepôt de La Samaritaine, 35.000 m2. C’est là qu’il travaille provisoirement, aidé d’une dizaine d’employés qui se déplacent à vélo à l’intérieur des locaux.

 

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Maintenant, Kiefer déménage au Portugal, au sud de Lisbonne. Souhaitons-lui plus de chance qu’à Barjac.

 

 

JE VOUS L’AI TOUJOURS DIT : L’ART ÇA DÉRANGE !

 

Dommage que la France n’ait pas su retenir chez elle un artiste aussi important, mais de toutes les façons Kiefer est un artiste universel.

 

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Anselm Kiefer

 

 

Chute des étoiles en préparation

 

 

★★★★★★★★

 

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Publié dans : #B.M.C.
 
C'était dans un temps très lointain, j'étais à cette époque-là petit, si petit (comme dit un humoriste dont j'ai oublié le nom , pardon pour lui), si petit donc que tous ceux qui me voyaient de près pensaient que j'étais loin.

Je n'ai jamais su mon âge, même à l'époque où on peut compter les années sur les doigts d'une main. Encore aujourd'hui j'ai des difficultés à trouver le nombre fatidique. Si on me demande : "Quel âge avez-vous ?", je sors ma calculette. Voyons, en quelle année sommes-nous? Ah oui, 2006, vous êtes sûr? 
 
Bon, je suis né en ? attendez ... c'était l'année ? non, je ne me souviens plus. Pourtant, je me souviens de ma naissance, mais dans la chambre où je suis né, il n'y avait pas de calendrier. J'ai beau chercher, non rien qui y ressemble. Un crucifix au-dessus du lit = en tous cas, c'était après J.C. ?
Le seul calendrier de la maison se trouvait à la cuisine .. je n'allais tout de même pas, à peine né , mi-reptile, mi-tortue, descendre un étage, juste pour satisfaire votre (future) curiosité !

Quel âge avez-vous ? La calculette ayant rempli son office, un nombre apparait alors, qui généralement semble satisfaire mon interlocuteur.

Le calcul va sans doute se corser lorsque j'aurai entamé mon deuxième centenaire ! Compter avec deux chiffres, passe encore, mais avec trois .. Enfin, il me reste quelques années pour m'entraîner. 
 
 

 

Château de Saint Loup - B.M.C  aux alentours de 1950
 
Retour à la case départ : j'étais à cette époque petit, si petit, etc, etc.. Je devais avoir cinq ou six ans (la calculette fut inventée bien plus tard). Assis devant le bureau de la chambre, armé d'un outil redoutable : un crayon de couleur. De couleur verte. Le crayon vert est celui qui est le plus utilisé par les enfants.

Et là, on est en droit de se poser la question : pourquoi le vert plutôt que le rouge, qui l'est moins que le bleu ? (Je ne sais pas si vous l'avez remarqué, mais dans l'art de couper les cheveux en quatre, je suis assez doué.)

Bref, armé de mon crayon vert, me vint l'idée saugrenue de tracer une ligne verticale d'environ sept à huit centimètres de haut (pas de calculette et pas non plus de règle graduée).

J'étais seul dans la chambre et c'était fort dommage. S'il y avait eu quelque membre de la famille, il se serait certainement écrié " Où va-t-il chercher tout ça ?.." Mais , solitude de l'artiste, devant ma feuille presque blanche, il y avait seulement le fameux trait vert, agrémenté de quelques traces de doigts. Abandonné du genre humain, comme dit le poète, je continuais inexorablement mon oeuvre.
 
Pourquoi, à ce moment, me suis-je mis à tracer des lignes obliques, une à gauche pour commencer, une à droite pour continuer et ainsi de suite ........... Dans ces moments de concentration profonde, il arrive que le génie se manifeste. Ce fut le cas ! J'arrivais à compter les lignes : une verticale, quatre inclinées à gauche, quatre à droite ? oui, c'est bien sûr, j'avais tracé neuf lignes.
Alors la lumière se fit dans mon esprit. Le sol se dérobait sous moi et, tel Moïse recevant les Tables de la Loi, je compris qu'il m'arrivait quelque chose d'exceptionnel : je venais de dessiner un sapin ! Mais celui-là n'avait rien à voir avec le "vulgaire". On n'en ferait jamais un cercueil. On aurait pu me montrer en photo les plus beaux sapins de cette terre, je n'aurais jamais échangé le mien pour l'un d'entre eux, fut-il du Caucase, des Vosges, de Corée ou, mieux encore, sapin de Noël croulant sous les cadeaux.
 
 
LE MIEN ETAIT PLUS VRAI QUE LE VRAI.

 
Vu mon âge, je ne me posais pas la question en ces termes, mais comment un sapin réduit (si j'ose dire) à l'état de symbole pouvait-il avoir plus d'importance que ce qui, pour la plupart d'entre nous, est la REALITE ? Si vous demandez au premier imbécile venu (tiens, il est encore là, celui-là?) ce qu'est un sapin, il vous conduira dans un bois, vous désignera un arbre et vous dira : "Voilà, ça c'est un sapin! . je peux le toucher, tandis que si je touche le tien , c'est la feuille de papier que je touche". Je pourrais lui rétorquer que le papier est fait avec du bois, mais là, ça nous entraînerait trop loin!
 

                                

Le toucher est-il une preuve d'existence ?


Saint Thomas, qui est la référence dans ce domaine, ne voulait pas croire que Jésus était revenu. Jésus lui dit "Regarde la plaie que j'ai au côté". Thomas enfonce sa main dans le creux de la blessure et répond "Maintenant, je te crois".

Il venait de faire l'expérience du vide. Et pourtant il crut. A méditer!

Lorsque le petit prince demande à St Ex de lui dessiner un mouton  et malgré les efforts du célèbre aviateur , c'est lorsque celui-ci dessine une simple caisse que le petit prince s'écrie : "Voilà, c'est comme ça que je le voulais, le mouton".
 

                                               

 

 

Eh bien moi, mon sapin, c'est comme ça que je le voulais (voir image, réalisée avec trucage, l'original ayant disparu durant la guerre).

 

 

                                            

 

 

 

Tant pis si les grandes personnes n'y comprennent rien.
 
 Les grandes personnes, ce sont celles qui disent, par exemple :
 
-    Moi, je vais te dire ...
-    Moi, qui ai fait des études...
-    Moi, qui connais le plus grand, le plus...
-    Moi, qui ai serré la main de tel ou tel personnage plus ou moins célèbre...

-    Moi, qui ai eu l'occasion d'en parler à la télé...
C'est aussi celui qui un jour, lors d'une discussion animée, a sorti : "Dieu, Dieu, d'accord ! et MOI dans tout ça ?" (Je ne crois pas en un dieu révélé, mais tout de même, je trouve qu'il attige, celui-là, non ?).
 
Ici, se pose le douloureux problème de la réalité relative et de la réalité profonde.

Si j'étais né dans un monde d'aveugles et que j'essayais d'expliquer ce qu'est VOIR... Comment faire ? Et les couleurs ?

Imaginez :  Si le monde n'était qu'un songe et qu'un jour on découvre une autre réalité que celle qui nous est familière... Mais ne comptez pas sur moi pour vous donner des réponses, je ne connais que les questions !
 
Un jour, j'expliquais  à un ami que certaines des étoiles que nous voyons briller n'existent plus depuis longtemps. Croyez-moi si vous le voulez, mais il n'a jamais voulu me croire!

Connaissez-vous le langage des oiseaux ? C'était la langue utilisée au moyen-âge par les constructeurs de cathédrales. Les jeux de mots, la phonétique étaient utilisés. Appelée parfois "langue verte" ou "langue des voyous" (= voyants).

 
Exemple : SAPIN représente à la fois l'arbre et l'action de peindre.

Avouez qu'il est bien choisi, mon exemple! (lire à ce sujet "Les demeures philosophales" de Fulcanelli)
 
A propos de Paul Klee, un qui s'y connaissait en symbolisme (et en chats), je crois me souvenir que c'est dans "Théorie de l'Art Moderne" qu'il parle de ce qu'il appelle "le poisson de Colomb" :
Tracez deux lignes courbes une tournée vers le bas et l'autre vers le haut, touillez et vous obtenez un poisson.
 
 
 

              


C''était son mouton, son sapin...
 
Comme c'est une de mes marottes, je reviendrai sur le symbolisme dans l'Art. Mais rassurez-vous, j'en ai d'autres, des marottes ...

 
  
 

 

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Premier exemple : Vous êtes présent à un vernissage. C'est pas forcément marrant, mais vous n'avez pas eu le choix.

Regardez autour de vous et voila ce qui arrive :

Le premier imbécile venu regarde longuement un tableau, on dira celui-ci :

 
 
 

 
     B.M.C - Les restes du monde 

 
 

 Après une très longue minute de concentration (comme vous n'êtes pas sans savoir, la longueur des minutes n'est pas une question de temps - et tant pis pour ceux qui ne comprennent pas ...), l'illustre visiteur (ceux qui viennent aux vernissages sont rarement visiteurs, mais toujours illustres) finit par s'exprimer :

 

    "Le cadre est magnifique!"

 

    L'artiste s'étrangle, avale rapidement son petit four, ingurgite une flûte de champ et se précipite vers le bar pour refaire le plein. Puis il repart à la recherche du deuxième imbécile.

 

    Généralement, il n'a pas loin à aller.

 

 

    Deuxième exemple. Et deuxième imbécile :

 

    "Vous mettez combien de temps pour faire un tableau comme celui-ci?"

 

    Perplexité de l'artiste !!!

 

    "Excusez-moi, je n'ai pas de chronomètre dans mon atelier.." Non, je ne peux pas répondre à ça .. Je ne sais d'ailleurs pas combien de temps j'ai mis. Il m'arrive de commettre trois tableaux dans la nuit. Il m'arrive aussi d'en laisser traîner un pendant des mois dans un coin de l'atelier.. Je ne sais plus très bien quoi répondre.

 

    A ce propos, permettez-moi un aparté. Vous connaissez peut-être l'histoire de l'empereur de Chine et du peintre de la cour ?

    Comme je suis gascon et / donc bavard, je m'en vais vous la conter :

 

    Cela se passait il y a fort longtemps, à l'époque han (c'est celle que je préfère). L'empereur de Chine convoque le meilleur peintre du royaume et lui intime l'ordre de peindre un coq. L'empereur exige, le maître s'exécute, ainsi le veut la tradition...

 

    Les mois passent, les années passent. L'empereur, sentant sa fin venir, convoque le peintre.

 

    Vieux, usé et fatigué, le maître se présente au palais.

 

    L'empereur, vieux, usé et courroucé, exige que l'artiste peigne le coq séance tenante, faute de quoi il aura la tête tranchée.

 

    "Qu'on m'apporte une feuille de papier, des pinceaux et de la couleur."

    Et l'artiste, en moins de cinq minutes, dessine le plus beau coq que la Chine ait connu jusqu'à ce jour.

 

    L'empereur, pas plus vieux, pas plus usé mais de plus en plus courroucé, lui dit : "Pourquoi tout ce temps ? C'est inadmissible ! Tu es un misérable !Tu auras la tête tranchée !".

 

    Alors, le maître qui, comme beaucoup de peintres, est un vieux sage, demande - en respectant, ça va sans dire - l'étiquette, que l'empereur lui fasse l'honneur de se rendre à son atelier. Et là, il lui montre tous les coqs qu'il a peint durant les trente dernières années. A raison de quinze coqs par jour, cela fait 164.250 coqs. Et 164.251, avec celui qu'il vient de faire. Pendant ces trente ans, il s'était entraîné à dessiner des coqs...

 

    Afin qu'il eût le seul et unique exemplaire, l'empereur exigea un autodafé (qui consista à brûler les 164.250 coqs).

     Puis il fit trancher la tête du peintre !

 

    Question : Combien de temps l'artiste a-t-il consacré à peindre le seul et unique coq restant ?

 

    Réponse : Bien malin qui le dira ?

 

    Picasso peignait plusieurs tableaux en une journée. Braque a mis sept ans pour venir à bout du  "billard".

 

    Si vous dites : "ce tableau, je l'ai fait en une heure", alors on pensera "il s'est vraiment pas foulé la rate; je ne vais tout de même pas payer ce prix-là pour une heure de travail !".

    Si vous dites : "j'ai mis six mois avant de le mener à bien", on pensera "c'est un laborieux, il ne doit pas être très doué !". ("on" est un con).

 

    Georges Mathieu, après avoir préparé ses fonds sur la toile "se jette dessus" et, en quelques mouvements, certes très spectaculaires, achève son tableau en une poignée de secondes. C'est ce qui lui a valu l'admiration enthousiaste des Américains = c'était - semble-t-il - l'homme qui gagnait le plus d'argent en un minimum de temps !!

 

    A propos d'argent, il faut bien en parler du prix des oeuvres d'art :

    Ne parlez jamais d'argent à un peintre, car il va penser que vous parlez argent (la couleur) et très vite, vous vous apercevrez que vous n'êtes plus sur la même longueur d'onde.

 

    Combien de fois ai-je entendu des collectionneurs dire : "De toute façon, pour un peintre vivant, je ne dépasse jamais plus de .....€". Et comme disait très justement l'ami Richard :"Toi, ta peinture, tu en vivras quand tu seras mort .."

 

 B.M.C. Mort-Bide

 

    Deuxième histoire. Deuxième gasconnade :

 

    Ambroise Vollard passait sa vie sur une chaise à somnoler au fond de son magasin. Un client potentiel entrait. Le pas-encore-célèbre marchand consentait à interrompre sa sieste pour recevoir le visiteur. Et subito reprenait son sommeil paradoxal. Enfin réveillé par la voix de son visiteur :

     -   "Combien ce Cézanne ?"

     -   réponse (par exemple) ;10.000 francs.

     -  Le client : "C'est beaucoup trop cher !"

    -   Ambroise Vollard : "10.200 francs"

    -   Le client :"Vous vous moquez de moi ?"

    -   Ambroise Vollard : "10.300 francs"

    Le client repartait, et revenait quelques jours plus tard afin d'acheter le tableau  à 10.300 francs.

    Par la suite, les amateurs savaient que ce n'était pas la peine de discuter le prix avec Ambroise Vollard ..

 

 

    Revenons à notre vernissage :

 

 

                    B.M.C.- Petit déjeuner SOUS l'herbe

 

    Peinture suivante = imbécile suivant(e).

"Ce tableau me plait beaucoup. J'aimerais l'offrir à mon mari pour son anniversaire. Mais comme c'est un grand chasseur, si vous pouviez ajouter trois canards ?"

    (connard ...)

 

    (Attention, il n'y a pas QUE des imbéciles aux vernissages, on a aussi le droit d'inviter quelques amis, ce qui peut aider à tenir le choc).

    

    Imbécile suivant :

 

    "Ah, Maître, j'ai beaucoup entendu parler de vous. Je suis ravi de vous rencontrer. Figurez-vous, voilà..., j'ai un salon Louis XVI d'époque, les murs y sont tendus de soie bleu Nattier (encore un peintre qui méritait mieux que de laisser son nom à une vulgaire toile de fond..). Et, sur le mur principal, à côté de mon Watteau, j'ai un vide d'environ 40X40cm.  En fait, ce serait bien de trouver une oeuvre dans ce format. Et bien entendu, bleue !"

 

 

    Abrégeons, suite de l'exposition :

 

    B.M.C. - Tauromachie

 

    Imbécile suivant. Là, c'est la famille qui s'y colle. Gentiment, ayant appris que je faisais une expo, le téléphone sonne : "Allo, c'est toi? alors tu peins toujours?"  Ils ont sans doute oublié que ça fait jamais que plus de soixante ans que je peins ? Réponse : "Ah non, maintenant, je tricote!"... mais comme je suis plutôt gentil, je ne leur dirai jamais  ça !

 

    Il y a aussi les vagues connaissances, en visite à l'atelier : "Oh! Celui-là, il ferait très bien dans mon séjour !"

 

    "Et tous ces tableaux que tu as chez toi.. Ca ne sert à rien : tu ne peux pas tout mettre au mur..."

 

 

😽   

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Tout d’abord je tiens à remercier Viviane, sans qui je n’aurais peut-être jamais connu cette étrange histoire (voir le blog de Viviane: “Ballade d’artiste”).

   

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Pour des raisons que l’on peut comprendre et par respect pour la famille, je ne ferai figurer aucun nom propre, ni même le nom du village. II suffit de savoir que la scène se passe quelque part dans un hameau du Béarn.

 

Les personnages :

 

Jean dit Jeannot

Le père Alexandre

La mère Joséphine

La sœur aînée Simone

La deuxième sœur Paule

 

Fin 1930 Alexandre et Joséphine achètent une ferme dans un petit village du Béarn. Circonstance aggravante, ils ne sont pas originaires de la région. À cette époque, toute personne qui n’est pas native du coin est considérée comme “estranger”. Venir d’ailleurs est toujours suspect. De plus la maison en question ressemble plus à une maison de maître qu’à une vulgaire ferme. Quarante hectares de terre, de nombreuses vignes.  Il n’en faut pas plus pour créer un climat de jalousie au sein du hameau.

 

Jeannot et ses deux sœurs fréquentent l’école du bourg. Ils sont de très bons élèves. Jeannot sera le seul de sa classe à décrocher son certificat d’études. Avoir son certif, à cette époque et au fin fond de la France profonde, n’était pas si courant que ça. Aussi monsieur le curé décide que Jean ira au séminaire. Quant à l’instit, il souhaite le diriger vers l’école normale (Don Camillo et Pepone, je vous ai reconnus).

 

Comme on pouvait s’y attendre, le père n’est pas de cet avis. Jeannot doit rester à la maison et par la suite reprendre l’exploitation à son compte.

 

À la maison, tout le monde travaille d’arrache pied, aussi l’argent ne manque pas. Bientôt ils achètent une traction, mais aussi un tracteur, alors même que leurs voisins  labourent avec un attelage de bœufs ou un cheval.

 

Jeannot est maintenant amoureux, il voudrait bien se marier. Mais il n’est pas question de faire un mariage d’amour, ici on se marie par intérêts. Bref, le mariage ne se fera pas, ce qui très probablement va laisser de lourdes séquelles dans l’esprit de Jeannot.

 

1959, la guerre d’Algérie. Jeannot est mobilisé dans les paras. Un béret rouge sur la tête, une tenue camouflée. À ce moment-là, les paras sont souvent regardés comme des demi-dieux. Qu’a-t-il vécu en AFN (Afrique Française du Nord), on n’en sait pas grand-chose. Toujours est-il que courant 1959 Jeannot bénéficie d’une mystérieuse permission (vu les circonstances, il était très difficile d’obtenir ce genre de dérogation).

 

Un jour, les voisins voient Jeannot, Paule et leur mère fouiller les environs, les bois, ils semblent rechercher le père, Alexandre. Ce dernier sera retrouvé pendu dans la grange.

 

Bien entendu les habitants du lieu ne vont pas se priver de raconter toutes sortes d’histoires. Des rumeurs circulent. Ces gens sont bizarres, ils parlent peu, ne sont pas franchement intégrés, c’est toujours et encore des “estrangers”.

 

On dit ; peut-être n’est-ce pas seulement une rumeur, que quelque temps avant ce drame Paule aurait quitté la région et serait revenu “délestée” d’un bébé qui n’était pas le bienvenu. Cela pourrait-il être la cause du suicide du père ? Bien entendu la rumeur (toujours elle) comme on pouvait s’y attendre va parler d’inceste.

 

Jeannot voulait s’engager dans l’armée, suite au suicide de son père, il pense que ce ne sera plus possible, chez les paras, on ne veut pas de fils de pendu. Nouvelle déception.

 

Simone, la sœur aînée, est maintenant mariée. Son mari n’a qu’une idée, récupérer la ferme ; lorsqu’ils se rendent compte que ce n’est plus possible, le couple se fâche définitivement avec la famille.

 

Ne reste plus à la maison que la mère Joséphine, la sœur Paule et, bien entendu, Jeannot.

 

Et c’est maintenant que tout bascule. En 1965 Jeannot entend des voix ; il se rend chez les voisins et tire un coup de fusil dans leur salle à manger, les mystérieuses voix lui ont commandé de tuer les voisins. Ce jour-là, par chance, il n’y aura pas de mort. 

 

À partir de maintenant Jeannot ne va pratiquement plus parler hormis à sa sœur Paule et à sa mère.

 

Une antenne vient d’être installée sur la colline face à la maison. Paule et Jeannot sont persuadés que c’est le Pape qui l’a faite installée pour pouvoir les espionner. Tout est bon : De Gaulle, l’église, même le maquis ? Je ne suis pas un spécialiste de la chose, mais je pense qu’à ce niveau, on peut parler de schizophrénie.

 

Maintenant Jeannot, fusil en bandouillere dont il ne se sépare plus, fait régulièrement des rondes sur son tracteur tout autour de la maison.

 

Le maire du village est prévenu, un médecin délivre un certificat de placement dans ce que l’on appelle encore un asile de fous. Les autorités s’en mêlent, une plainte est déposée au Procureur de la République. Trente gendarmes sont dépêchés afin de surprendre Jeannot  en flagrant délit de démence, ils reviennent bredouille. Jeannot résiste !

 

Jeannot a tenu bon, la famille vit maintenant en autarcie, à peine si Paule emprunte le tracteur pour aller une fois par semaine au marché faire quelques courses, elle non plus ne parle à personne.

 

On imagine aisément les discutions familiales, cette ambiance ne peut qu’être propice au développement de la démence.

 

Au hameau, tout le monde a peur, on sait Jeannot capable du pire, mais comment faire ? Les voisins n’en peuvent plus de ce climat, ils   déménagent.

 

Jeannot ne s’exprime plus guère que par onomatopées, il éructe plus qu’il ne parle.

 

Un jour de 1971, fait exceptionnel, le vétérinaire est appelé pour voir les bêtes. Lorsqu’il entre dans la cuisine, la mère est assise devant la cheminée. Raide morte, sans doute depuis plusieurs jours. Jeannot et sa sœur tentent en vain de la réchauffer pour la faire revivre (si vous avez un mort à la maison, n’essayez pas, ça ne fonctionne pas).

 

La nouvelle se propage dans le village. Jeannot et Paule sont formels, ils veulent garder leur mère à la maison. Comment ont-ils fait pour obtenir l’autorisation, difficile de comprendre. Toujours est-il qu’ils enterrent leur mère sous l’escalier, son tricot entre les mains ; ils déposent quelques fruits, du saucisson et une bouteille de rouge, “pour le voyage” et referment le trou.

 

Jeannot décide de rester près de sa mère, il s’installe dans l’ancienne salle à manger qui jouxte la pièce où elle  est enterrée. Il ne se nourrit pratiquement plus. C’est là qu’il va mourir d’inanition à l’âge de 33 ans.

 

Paule voudrait que son frère soit enterré dans la maison à côté de sa mère. Mais cette fois-ci, non seulement l’autorisation d’enterrer Jeannot à la maison lui est refusé, mais le corps de sa mère sera transféré au cimetière et enseveli avec celui de Jeannot à même la terre.

 

Paule est maintenant seule, à son tour elle va délirer, elle se nourrit uniquement de maïs, refuse toute nourriture fournie par l’assistante sociale. Elle pense que l’on cherche à l’empoisonner. Elle est vêtue de sacs de pommes de terre attachés par des ficelles. Le maire la visite, essaie de la raisonner, ce à quoi elle lui  répond que de toute façon elle va partir chez Farah Diba, loin de cette antenne qui leur a fait tant de mal. Par souci humanitaire on ne lui coupe pas l’électricité. Bien entendu elle ne s’occupe plus ni de la culture, ni des animaux qu’elle laisse mourir. C’est seulement en 1993, vingt ans après le décès de son frère, qu’on la retrouvera morte dans la porcherie.

 

Et c’est maintenant que commence la véritable histoire :

 

Vu l’état de saleté de la maison, les héritiers décident de faire venir un couple de brocanteurs afin de la vider de cet amoncellement d’immondices. Inutile de vous décrire l’état des lieux, poussière, moisissures, odeur de pourri, cadavres d’animaux, j’arrête ici cette description sordide.

Dans la pièce qui servait de chambre à Jeannot, une épaisse couche de poussière recouvre le parquet. Machinalement la femme du brocanteur repousse les déchets qui jonchent le sol et découvre des lettres sculptées à même les lames de chêne. Il s’agit de mots sculptés au couteau   et agrémentés de clous. Oserais-je dire : des mots crucifiés. Le texte intégral occupe environ 15 mètres carrés et se situe autour du lit de Jeannot. Il se trouve que le père de la personne qui a découvert ce parquet est psychiatre. Mis au courant, il propose aux héritiers de déclouer le parquet et de le remplacer par un neuf. Marché conclu, le psychiatre repart avec ses lames de parquet.

 

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Le parquet en question sera par la suite exposé en de nombreux lieux consacrés à l’art brut.

 

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Personnellement j’ai du mal à considérer ce parquet comme une œuvre d’art à part entière du point de vue sculpture et certainement pas comme une œuvre littéraire. Mais avouez que l’histoire est intéressante.

 

Voici le texte intégral du fameux parquet:

 

« La religion a inventé des machines à commander le cerveau des gens et bêtes et avec une invention à voir notre vue à partir de rétine de l'image de l'oeil abuse de nous santé idées de famille matériel biens pendant sommeil nous font toutes crapulerie l'Eglise après avoir fait tuer les juifs à Hitler a voulu inventer un procès type et diable afin prendre le pouvoir du monde et imposer la paix aux guerres l'Eglise a fait les crimes et abusant de nous par électronique nous faisant croire des histoires et par ce truquage abuser de nos idées innocentes religion a pu nous faire accuser en truquant postes écoute écrit et inventer toutes choses qu'ils ont voulu et depuis 10 ans et abusant de nous par leur invention a commandé cerveau et à voir notre vue a partir image rétine de l'oeil nous faire accuser de ce qu'il nous font à notre insu c'est la religion qui a fait tous les crimes et dégâts et crapulerie nous en a inventé un programme inconnu et par machine à commander cerveau et voir notre vue image rétine oeil… nous faire accuser nous tous sommes innocent de tout crime tort à autrui nous Jean Paule sommes innocents nous n'avons ni tué ni détruit ni porte du tort à autrui c'est la religion qui a inventé un procès avec des machines électroniques à commander le cerveau sommeil pensées maladies bêtes travail toutes fonctions du cerveau nous fait accuser de crimes que nous n'avons pas commis la preuve les papes s'appellent Jean XXIII au lieu de XXIV pour moi et Paul VI pour Paule l'Eglise a voulu inventer un procès et couvrir les maquis des voisins avec machine à commander le cerveau du monde et à voir la vue image de l'oeil fait tuer les juifs à Hitler ont inventé crimes de notre procès. »

 

Pour ce qui est de l’interprétation de ce texte, ce n’est pas si simple qu’il y paraît. Aussi je préfère laisser à chacun le soin du décodage… Notez tout de même que Jean (dit Jeannot) se prend pour Jean XXIV et fait succéder sa sœur Paule à Paul VI.

 

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Le Plancher de Jeannot est depuis cinq ans la propriété de l'entreprise de médicaments Bristol-Myers Squibb. Il est exposé désormais, dans la rue face à l'hôpital Sainte-Anne.

 

      Lien sur ce blog

 

A propos du plancher de Jeannot

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L'art de se faire estamper (1)


Vous connaissez tous l’expression “se faire estamper”… vous allez voir à quel point elle est justifiée ! 

En préambule, je tiens à préciser pour le neophyte, que l’on qualifie généralement  d’estampe ou de gravure toute œuvre multiple imprimée sur papier, à condition que ce ne soit pas par un procédé mécanique : imprimerie offset, photocopie, etc…
Il existe un grand nombre de techniques allant de la lithographie à l’eau-forte en passant par l’aquateinte ou la sérigraphie – et bien d’autres encore, nous y reviendrons plus en détails..

Une amie me dit un jour “Je viens d’acheter une lithographie originale de Salvador Dali – elle est super-géniale,  numérotée 15 sur 250 exemplaires et, bien entendu, signée par l’artiste. Bien sûr, je l’ai payée un peu cher, mais ça valait le coup, non ? Qu’en penses-tu?”


Je savais qu’elle avait cassé sa tirelire pour effectuer cet achat – par délicatesse, je n’ai rien dit ! Pourtant, il faut vous dire que pour un amateur d’estampes, la simple signature de Salvador Dali mérite un large détour…

Ce n’est un mystète pour personne : Salvador Dali vouait un véritable culte à l’argent, qui arrivait continuellement sur ses comptes “comme une colique” (c’est lui qui le disait…). Ce n’est pas pour rien non plus qu’André Breton avait transformé le nom de Salvador Dali en Avida Dollars… Bref, Dali voulait de l’argent et savait que ses œuvres multiples allaient lui en rapporter beaucoup. Je passe sur les détails; si vous le désirez je vous raconterai sa vie… enfin, si vous insistez !
 
Vers la fin, Dali, qui avait été un admirateur d’Hitler,  habitait – ce n’était sans doute pas un hasard – à l’hôtel Meurice, qui comme chacun sait était le siège de la Kommandantur, de sinistre mémoire. Peut-être même la suite qu’il occupait était-elle celle où Von Choltitz reçut le célèbre coup de téléphone “Paris brûle-t-il?”.

Mais revenons à nos moutons, Dali est dans ses appartements, spécialement décorés par le maître. Entre autres “bricoles”, il y a un schopper le long du mur (à tout hasard, pour ceux qui ne le sauraient pas, c’est une moto transformée à roue avant “tirée”).
On frappe à la porte : “Maître, ce sont les papiers”. Et voilà que l’on dépose des feuilles de papier immaculées et visiblement de très bonne qualité.
Et Dali, gesticulant comme il en a l’habitude, de signer une à une les fameuses feuilles… Et, à chaque fois qu’il signe, “ting” – c’est le timbre de la caisse enregistreuse qui résonne…
Il y a déjà longtemps que Dali ne peint plus. Il passe son temps à contempler sa “colique”.

Et maintenant, voici l’histoire qui se raconte :

Un “artiste” – bien qu’aujourd’hui tout le monde connaisse son identité, je préfère utiliser ce terme –, un “artiste” donc va, en s’inspirant des anciennes œuvres du Maître, en créer de nouvelles. Qui, bien entendu, seront imprimées sur les fameuses feuilles déjà signées…
Par la suite, les héritiers n’auront aucun scrupule à dire qu’il s’agissait bien d’œuvres originales, puisque signées de la main du Maître…

Sans doute allez-vous penser que j’exagère… Attendez la suite, nous ne sommes qu’au début de l’histoire !

Maintenant, notre artiste a préparé  sa pierre (je passe sur les détails techniques). L’éditeur va commencer l’impression. Il est d’usage, en fonction du tirage prévu, que 10% des tirages soient marqués “épreuve d’artiste”, ou E.A. ou H.C.
Donc, sur un tirage à 250 exemplaires, il devrait y avoir théoriquement 25 épreuves d’artiste. Mais une fois vendus, qui ira les compter ? vous ? moi ?..
Alors pourquoi ne pas en faire 40… 50… allez, disons 50 en plus des 250 prévus…
 
Le prmier tirage est maintenant terminé (300 exemplaires). Vous ne pensez tout de même pas qu’on va en rester là… Non, un deuxième tirage, qui, lui, sera numéroté en chiffres romains (!), donc, 300 +300=600.
Les deux premiers tirages étaient sur papier d’arches..on va en faire deux autres sur vélin : 600+600=1200.
Encore deux sur papier japon : 1200+600=1800.
Encore deux sur papier vergé : 1800+600= 2400.
Encore deux sur papier japon nacré : 2400+600=3000.

Arrêtons-nous là pour le papier. Encore que….
Les premiers exemplaires avaient un fond bleu. 3000 épreuves sur fond bleu .. eh bien, pourquoi s’arrêter là … on repart pour une série de 3000 sur fond jaune !
3000+3000=6000.
Et encore 3000 avec un fond gris : 6000+3000=9000.
J’arrête ici, bien que…

Que disait-elle, mon amie ? “Tu as vu ma gravure, il n’en existe que 250 exemplaires..”

En 1960, du vivant de l’artiste (mort en 1989), la douane a saisi des milliers de feuilles signées par Dali, qui franchissaient la frontière espagnole… Combien sont passées ?...

Si je vous ai raconté cette histoire, c’est simplement dans l’espoir de vous rendre prudent le jour où vous achetez une gravure.Sachez tout de même que la grande majorité des artistes est honnête… mais les marchands, eux, parfois beaucoup moins…

 
Au fait,1200 € x 9000 gravures… ça fait combien ?
 
10.800.000,00 €
 
 
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La gravure, des origines à Goya


L’estampe est un domaine très mal connu du grand public. La plupart du temps, on imagine qu’il s’agit simplement de la reproduction pure et simple d’une peinture ou d’un dessin.
En fait, il n’en est rien. L’estampe est bien une œuvre originale que l’artiste va créer de toutes pièces en dessinant sur une pierre lithographique ou sur une plaque métallique préalablement vernie (là encore, je ne veux pas vous embêter en décrivant toutes les techniques).

L’estampe date du début de notre ère. Elle fut inventée en Chine, en même temps que l’on découvrait la fabrication du papier. Au début, elle servait à imprimer des images de Bouddha.
En occident, c’est vers le XIVème siècle – avec l’arrivée du jeu de cartes – que va se développer la gravure. Au début, ce sera surtout la gravure sur bois. En dehors des jeux de cartes, ce seront  des images pieuses qui seront imprimées.


 
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Un premier exemple que l’on connaisse d’estampe, considérée comme œuvre originale, c’est la célèbre “Bataille des hommes nus” de Piero Benci Pollajuolo, qui date de 1480. C’est probablement la première fois qu’un artiste signait une œuvre gravée.

 
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Piero Benci Pollajuolo

A peu près à la même époque, Andrea Mantegna va graver quelques planches pour servir de modèles à ses élèves. Ces gravures restant à l’atelier n’étant pas destinées à la vente.

 
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Andrea Mantegna
 
Avec Albrecht Dürer commence véritablement ce qui est convenu d’appeler la gravure d’art.

 

Albrecht Dürer - La mélancolie

Sa première estampe est datée de 1497. Bien qu’étant un très grand peintre, Dürer sera surtout connu pour ses gravures. A l’origine, il était orfèvre et c’est lui qui fera passer la gravure de l’artisanat à l’art.

 
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Albrecht Dürer - Hercules

Vers 1600, Claude Gellée dit le Lorrain réalise quarante-six eaux-fortes.

 
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Rembrandt van Rijn
 
C’est avec Rembrandt que la gravure va être considérée comme œuvre d’art authentique. Rembrandt va, durant toute sa vie, améliorer la technique, effectuant lui-même les tirages – toujours sur les meilleurs papiers, même à la fin de sa vie alors qu’il était dans la misère.

 
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Rembrandt van Rijn

Il va utiliser les bavures laissées par le burin (les barbes). La pierre ponce lui servira à polir sa plaque. Toutes sortes de procédés seront utilisés, un peu comme le fera beaucoup plus tard Georges Rouault.

 
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Rembrandt van Rijn

Certaines épreuves comportent sept états différents. C’est dire à quel point Rembrandt cherchait la perfection…

 
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Rembrandt van Rijn
 
Vers 1740, le célèbre architecte, graveur et archéologue Giovanni Batista Piranèse va graver ses fameuses prisons. Regardez, ça se passe de commentaires…

 
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Giovanni Batista Piranèse
 
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Giovanni Batista Piranèse
 
Jean-Antoine Watteau – qui, rappelons-le, mourut à l’âge de trente-sept ans, et bien que son œuvre peint soit relativement important – a eu le temps de renouveler la gravure en mélangeant deux techniques différentes : eau-forte et burin. Ses gravures étaient souvent réalisées par d’autres graveurs, dont le jeune François Boucher, qui commençait la carrière que nous lui connaissons. Il existe une quarantaine d’estampes de Watteau.

Dès 1730, on cherche par tous les moyens à “colorer” les gravures (J.C. Leblond s’y est ruiné), à imiter la peinture… on ira même jusqu’à coller des estampes sur des toiles.
Beaucoup de recherches sont faites. On imprime successivement les trois couleurs de base et on ajoute le noir. Tout ça ne marche pas très bien. Jusqu’au jour où, grâce à Louis-Philibert Debucourt et Jean-François Janinet, la couleur va naître.

Dès 1760, le Japon connaissait l’âge d’or des estampes avec Kitagawa Outamaro et surtout Katsushika Hokusai – artistes qui furent “re-découverts” par Claude Monet et Vincent Van Gogh.


 
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Katsushika Hokusaï

Et pour “finir en beauté” comme on dit… Goya. Là non plus, il n’y a rien à dire… ouvrez grands vos petits yeux !

 
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Francisco Goya
 
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Francisco Goya
 
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Francisco Goya
 
Liens sur ce blog
 
L'art de se faire estamper (1)
 
L'art de ne pas se faire estamper (3)
 
L'art de ne pas se faire estamper (4)
 
L'art de ne pas se faire estamper (5)
 
 
 
 
 À suivre… si vous le voulez bien   ...
 
   
 
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La gravure, de Goya au XIXème siècle.
 
 
Honoré Daumier - L'amateur d'estampes
 

En 1728, le grand collectionneur et ami de Watteau, Jean de Julienne, qui est à ce moment-là directeur de la Manufacture des Gobelins, va réunir une équipe de quarante-quatre graveurs parmi les plus doués du moment. Ils réaliseront bientôt deux ouvrages : la première partie comprendra trois cent cinquante planches gravées d'après des dessins de Watteau. La deuxième partie sera publiée en 1735 et comprendra deux cent cinquante gravures, toujours d'après Watteau et supervisées par ce dernier. Avec les estampes tirées à part, il existe environ sept cents planches d'après Watteau, qui aujourd'hui sont connues sous le nom de "Recueil de Julienne". A ce moment il n'existe pas de règles précises permettant d'attribuer à une estampe la particularité d'estampe originale. Elles ne sont gènéralement pas signées par l'artiste.  François Boucher, qui avait activement contribué en tant que graveur à la fabrication du fameux recueil, fera lui aussi de la gravure; il existerait environ quarante estampes de Boucher. A la même époque et dans le même esprit, il faudrait aussi citer Jean-Honoré Fragonard et, côté italien, Tiepolo, et sans doute, bien d'autres encore..

 
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Giovanni- Battista Tiépolo
 
Au Japon, à la même période, l'estampe connaît un très vif succès avec Kitagawa Utamaro, le peintre des courtisanes et Katsushika Hokusai, le peintre du Fuji-Yama, qui, on ne le sait pas toujours, finira sa vie en faisant des caricatures = "les gros et les maigres". Il est aussi l'auteur de la célèbre vague intitulée "Le mont Fuji vu de Kanagawa" .

 
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Katsushika Hokusai - Le mont Fuji vu de Kanagawa
 
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Kitagawa Utamaro

C'est au XVIII ème siécle que la gravure va prendre son essort en France. Comme la photo n'existe pas encore, pour voir des peintures, il faut aller dans les palais, les chateaux, les églises ou les quelques lieux publics où elles se trouvent. Les musées n'existent pas encore.  A partir de maintenant, on va pouvoir diffuser un grand nombre d'images représentant les œuvres des maîtres de la peinture. Bien entendu il ne s'agit pas là d'œuvres originales, ces estampes sont fabriquées en très grand nombre, gravées par des "copistes" spécialisés dans ce genre de travail, elles ne sont pas numérotées et encore moins signées. Donc rien à voir avec un original. Il s'agit purement et simplement de reproductions qui cherchent à imiter l'œuvre originale.  Cette abondante diffusion de reproductions va contribuer à la démocratisation de l'art pictural, elle va également permettre d'imprimer toutes sortes de documents comme des cartes géographiques ou des images de mode.  Les estampes françaises bénéficient d'un grand renom grâce à leur qualité due au savoir-faire d 'artisants  hautement qualifiés. La gravure sur bois qui avait été très employée à l'origine est maintenant pratiquement abandonnée, sauf, peut être, pour l'impression de tissus en camaïeu.  C'est maintenant que vont apparaître les nouvelles techniques: eau-forte, manière noire, aqua-teinte, le pointillé etc...  Au XIX° siècle le goût de l'image se développe de plus en plus, tous les salons bourgeois sont "tapissés" d'estampes. On commence à imprimer des images lithographiques dans les journaux. Vous avez sans doute vu d'anciens exemplaires du Petit Journal.

 
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Certaines gravures de reproduction se vendront à des milliers d'exemplaires. C'est le cas de  "La naissance d'Henri IV" d'après Eugène Dévéria (une horreur!). Lamartine raconte que "L'arrivée des moissonneurs" d'après Léopold Robert (c'est pas beaucoup mieux que le précédent ) s'est vendu par million...(Rassurez-vous il n'en reste presque plus. 

 
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Léopold Robert - L'arrivée des moissonneurs

Avec l'avènement des écrivains romantiques va se développer l'illustration lithographique des ouvrages de luxe: de Victor Hugo à Shakespeare, un grand nombre d'illustrateurs vont s'en donner à cœur-joie.  La lithographie va permettre l'illustration d'ouvrages techniques ou de médecine.  Du jour où la photographie fit son apparition, en particulier avec Félix Tournachon dit: Nadar,  tout fut remis en question.
 
 
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Théophile-Alexandre Steinlein

 
 Ingres ainsi que de nombreux graveurs signèrent une pétition affirmant que la photographie n'était pas un art et ne pouvait en aucun cas être confondu avec l'estampe.  En septembre 1862, Edouard Manet publie une eau-forte dans le n°1 de la revue de la société des aquafortistes.

 
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Edouard Manet

 Edgard Degas va, lui aussi s'adonner à la gravure mais ne publie pas officiellement ses planches qu'il réserve généralement à ses amis (si, si, il en avait quelques uns! )  Comme Degas, Camille Pissaro réserve sa production à ses amis. Il aurait parait-il produit plus de deux cents estampes originales. Paul Gauguin pratiquera la gravure sur bois qui correspond tout à fait au côté primitif de son art.

 
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Paul Gauguin

  C'est au début du XIX° siècle que vont s'imprimer les premières affiches lithographiques. Bien entendu Toulouse-Lautrec, mais aussi: Chéret, Bonnard, Steinlein etc...  Dans les années 1900 "La revue Blanche" qui avait permis à un grand nombre d'illustrateurs de se faire connaître disparaît. En Allemagne c'est "Pan" qui disparaît à son tour.  A ce moment là, beaucoup de peintres sont découragés et abandonnent  la gravure.
 
Les Nabis, avec Bonnard mais aussi Paul Gauguin, James Ensor, Odilon Redon, Edouard Munch. Le célèbre marchand Ambroise Vollard se retrouve avec un stock de gravures qu'il mettra plus de vingt ans à écouler. De nombreux livres édités par Vollard sont des chefs-d'œuvres dont à l'époque personne ne voulait.
 
Durant tout le XIX° siècle les amateurs sont un peu perdus entre les "copistes", la photographie, le début de l'imprimerie "mécanique"  Dans un prochain article, nous verrons, si vous le voulez bien comment est survenu le renouveau de l'estampe, et son développement actuel.  
 
 
                                                                           
 
 
            
                                    
            
A suivre...si vous le voulez bien...



 
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La gravure au XX siècle
 
 
Dès le début du siècle, nous assistons à l’essor de la bande dessinée. Avec en particulier Bécassine qui apparaît dès 1905, elle sera bientôt rejointe par d’autres :« Les pieds nickelés »,« Zig et Puce », « Félix le Chat » et tous les héros de Walt Disney « Mickey » <<Tarzan » « Popeye » etc.
L’avènement de la bande dessinée va accentuer ce besoin d’images qui apparaît aussi bien dans les journaux que sur les murs avec l’affiche qui est de plus en plus anecdotique et où l’illustration devient indispensable.
Les amateurs d’art ont été quelque peu échaudés par le «trop plein » de gravures de ses dernières années. Gravures quasi-industrielles destinées à faire connaître les peintures académiques du Salon, œuvres sans goût et sans saveur que fuiront tous les vrais connaisseurs.
Heureusement pour nous, il y aura quelques rares marchands et en même temps éditeurs qui vont faire preuve de clairvoyance et éditeront des gravures d’artistes à un moment où plus personne n’y croit. Encore une fois ce seront les mêmes noms qui reviennent : Ambroise Vollard et Henri Kahnweiler. Ce dernier va éditer la célèbre série des saltimbanques de Picasso (1905). À eux deux, ils vont « récupérer » tous les très bons peintres-graveurs qui, il faut bien le dire, n’intéressent pas grand monde. Parmi eux on citera les noms (entre autres) de : Jacques Villon Juan Gris, Marcoussis, Georges Braque.
 
Dans le domaine de l’estampe au XX˚ siècle, il convient de faire une place toute particulière à Jacques Villon, qui comme chacun le sait était le frère de Marcel Duchamp et du sculpteur Raymond Duchamp-Villon. Durant toute sa vie, il va non seulement graver mais aussi améliorer la technique, c’est lui qui exécutera de nombreuses estampes pour la chalcothèque du musée du Louvre dont nous aurons l’occasion de reparler. Pour la petite histoire, c’est Jacques Villon qui disait : « En peinture, ce qui est difficile ce sont les quarante premières années »
 
Un autre artiste qui me paraît très important dans le domaine de l’estampe est James Ensor. Artiste malheureusement reconnu bien trop tard et si, à la fin de sa vie, on va le qualifier de « prince des peintres » durant toute celle-ci il sera la risée du public ; il faut vous dire que le noble anarchique y était pour quelque chose. Homme révolté probablement, mais sans doute avait-il ses raisons.
 
De nombreux peintres expressionnistes vont s’adonner à l’estampe : Oskar Kokoschka, Emile Nolde, Ernst Ludwig Kirchner. En Angleterre, Stanley William Hayter fonde l’atelier 17 qui permettra à de nombreux artistes de pratiquer toutes les techniques.
 
En 1918 Georges Rouault, à la demande d’Ambroise Vollard, commence une série de dessins qui va servir de base pour une suite de 58 estampes en noir et blanc intitulées : « miserere ». Les tirages seront terminés en 1927. Voici ce qu’écrit Georges Rouault : « Sur chaque planche, avec plus ou moins de bonheur, sans cesse ni arrêt, j’ai travaillé avec différents outils :il n’y a là aucun secret .Insatisfait, Je reprenais le sujet indéfiniment, réalisant jusqu’à douze ou quinze états successifs ; j’aurais voulu que tout soit de même qualité.J’avoue même que je m’y étais attaché et que je ne fus pas du tout insensible à la demande d’un ambassadeur des Etats-Unis qui voulait passer à l’or certains de ces cuivres et les faire incruster dans les murs de l’ambassade » (Miserere Edition Le Léopard d’or - Paris 1991)  Les gravures furent éditées en 1927. Ambroise Vollard fit rayer les plaques afin d’éviter une réédition sauvage.
Par la suite le désormais célèbre marchand demandera à Marc Chagall de réaliser une suite d’estampes pour illustrer la bible.
Ambroise Vollard sera aussi l’éditeur de Picasso. Il édita de nombreuses séries, entre autres les minotaures.
Durant la deuxième guerre mondiale, la production d’estampes va diminuer. il faudra attendre les années 60 pour qu’il y ait un regain de faveur. il faut dire que le prix des peintures ayant considérablement augmenté, les amateurs allaient se tourner vers l’estampe.
 
À la même période, les conditions concernant les gravures d’art sont définies avec beaucoup plus de précision, nombre de tirages, épreuve d’artistes, les marchands sont  beaucoup plus responsabilisés. Si vous achetez une estampe, vous n’êtes plus obligés de vous « faire estamper. » Bien entendu il est relativement facile de faire de fausses gravures, mais vu le risque encouru aucun marchand sérieux ne s’aventurera à le prendre.
Si aujourd’hui vous vous décidez pour l’achat d’une gravure adressez-vous au représentant officiel de l’artiste plutôt qu’à tout autre. Vous ne payerez pas plus cher. 
 
Avec le renouveau de l’estampe, les prix vont flamber : Méfiez-vous des ventes sur le net. Vous trouverez aussi bien des œuvres originales tout à fait intéressantes que des leurres. Dans mon prochain article, je vous parlerai, si vous le voulez bien,   de tout ce qui permet de reconnaître une vraie d’une fausse estampe.
 
 
 
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L'art de se faire estamper (1)
 
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À suivre…  Si vous le voulez bien
 
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TOUT CE QU'IL FAUT SAVOIR AVANT D'ACHETER UNE ESTAMPE
 
La dimension : On va vous donner une dimension qui peut être celle du papier comme celle de la partie imprimée. Une petite gravure peut figurer au centre d’une grande feuille ; il existe aussi des gravures sans marges. C’est pourquoi il faudra toujours se renseigner sur la dimension des marges.
 
Le papier : Il existe des quantités de papiers destinés à l’estampe de types et de qualités différents ; cela va du papier d’arches au japon en passant par le vélin. Chaque artiste a ses préférences, chaque éditeur aussi.
 
Le tirage : ou si vous préférez le numérotage. Sur chaque gravure, vous allez voir apparaître deux nombres séparés par une barre de fraction, le premier indique le numéro de votre épreuve, le deuxième le nombre de tirages. Par exemple une estampe numérotée 23/150, cela voudra dire qu’il s’agit du vingt-troisième tirage sur un total de 150. Il faut savoir qu’avant même de tirer les 150 planches, il sera imprimé ce que l’on appelle généralement des épreuves d’artiste (ou E.A.).   Elles représentent 10% du tirage numéroté. Dans notre exemple, il y aura donc 15 épreuves d’artiste, qui dans certains cas peuvent être marquées « hors commerce » (ou H.C.). Certains peintres particulièrement scrupuleux iront jusqu’à numéroter les épreuves d’artistes, généralement en chiffres  romains. Avant de décider de l’impression d’une gravure, il va être fait plusieurs épreuves d’essai, certains éditeurs et artistes n’hésitent pas à les commercialiser ; dans ce cas, elles seront marquées épreuve d’essai.
 
La signature : Les estampes sont signées au crayon de la main de l’artiste, il existe des gravures dont la signature a été imprimée en même temps que l’image. C’est ce que l’on appelle des gravures signées dans la planche. La différence est parfois difficile à faire pour un néophyte et certains marchands peu scrupuleux d’en profiter.

Où acheter une estampe ?  Pour être certain de ne pas se faire estamper le mieux est encore de l’acheter, lorsque cela est possible, directement à la galerie qui représente l’artiste. Une galerie qui a pignon sur rue ne prendra pas de risques. Si vous deviez acheter un Picasso, plutôt que d’aller dans une obscure salle de ventes, autant se rendre à la Galerie Louise Leiris qui a représenté Picasso durant toute sa vie et vous donnera avec la facture le certificat d’authenticité (si vous deviez un jour la revendre…) Vous ne la payerez pas plus cher.
 
Bien sûr, vous allez me dire « et le net ? ». Sur la toile, on trouve de tout et si vous n’êtes pas un spécialiste, on vous y attend comme au coin du bois. Un exemple : On peut trouver une reproduction d’une estampe de Dali (encore lui !) imprimée en offset, comme un vulgaire journal, prix de revient nul ; bien entendu, la signature est imprimée en même temps que l’image. Pour leur donner un vague air d’authenticité, elles sont numérotées au crayon et vendues 150,00 €. Vous trouverez aussi des gravures originales d’après Picasso, cela veut dire que certaines planches ont été faites en reproduisant une œuvre du maître. C’est ce que fait Marina Picasso, qui signe <<collection Marina Picasso», donc il n’y a pas d’arnaque. De plus le bénéfice de ses ventes va en grande partie à des œuvres humanitaires. Mais si on n’est pas prévenu on peut penser détenir un original de Picasso.

Autre inconvénient du net, il est impossible de voir si la signature est « dans la planche » ou de la main de l’artiste. Un bon conseil, n’achetez jamais une estampe sans la voir. Un bon moyen de reconnaître une fausse estampe : à l’odeur, une « bonne » litho sent très fort l’encre grasse.

Pour ceux qui auraient peur de se faire estamper :


Il existe un lieu où vous allez avoir le choix entre 13.000 estampes, c’est  la chalcothèque du musée du Louvre, située au premier étage au-dessus de la librairie. Vous y trouverez certainement votre bonheur. Les estampes sont tirées à la demande. Bien entendu, elles ne sont pas numérotées, mais portent (estampé en relief) le cachet de la réunion des musées nationaux. Les prix sont très raisonnables. Un exemple, vous pouvez acquérir une lithographie de Pierre Alechinsky (dimension de la feuille 63 x 90 cm.) pour 180,00 € (dans le commerce la même signée par l’artiste et numéroté vous coûterait sans doute près de 1.500,00 €.).  Souvenez-vous de la reproduction de Dali pour 150,00 €… Vous pourrez aussi acquérir une gravure d'après Rembrandt, ou une très belle carte ancienne etc.
 
Les prix : Il y en a à tous les prix. Une gravure originale de Rembrandt s’est vendue 800.000,00 € .Une de Picasso datée de 1937 pour 1.000.000.00 €.  La grande odalisque de Matisse 666.000,00 €. Une « Marilyne » d’Andy Warhol 347.000,00 €.
Vous pouvez acheter de très belles estampes entre 300,00 et 1000,00 €. et ainsi commencer votre carrière de collectionneur.



 
 
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L'art de ne pas se faire estamper (3)
 
 
 
Si vous voulez en savoir un peu plus sur les différentes techniques de gravure, voici quelques liens utiles.
 

 

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TM = Technique mixte.

ST = Sans titre.

 

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BMC - De la série “Mes naissances” - TM - “Attention les enfants regardent” - 110 x 75 cm.

 

Je ne sais pas pourquoi j’ai envie de vous dire ça, peut-être le moment est-il venu. Je ne suis plus tout jeune alors… Peut-être vaut-il mieux ne pas perdre de temps. De toute façon, cela ne changera rien à la suite des événements. 

 

Merci à tous ceux qui on cru en ma peinture. 

 

Ils ne sont pas nombreux, mais je sais qu’ils sont sincères. 

 

En premier lieu, bien entendu, Ma Muse, sans elle jamais je n’aurais réalisé ce que j’ai fait. C’est bien grâce à elle que j’ai tout quitté pour consacrer tout mon temps à ma peinture. Quand je dis, j’ai tout quitté, je devrais dire, “nous avons tout quitté”. Elle était totalement partie prenante dans cette affaire. Nous travaillions dans la même société, elle était ma secrétaire, j’avais un poste important dans une entreprise japonaise dont je ne vous donnerai pas le nom, mais il ne vous faudra pas beaucoup d’imagination pour trouver, dois-je dire qu’il commence par C et finit par n. 

 

Après maints entretiens avec mes patrons japonais, l’affaire fut conclue, il aura tout de même fallu trois ans, de discussions, d’incompréhensions, pour en venir à bout. Mes chers Japonais ne comprenaient pas : “Comment BMC-San, vous avez la chance de travailler  avec nous et vous voulez nous quitter ?” Pour un Japonais, c’était inimaginable. Tout ça pour faire de la peinture ! 

 

Ils semblaient avoir une certaine estime pour moi ? 

 

Bref, le départ fut pour nous une libération, même si on ne savait pas très bien où nous allions.

Les années qui suivirent furent difficiles, pour ne pas dire très difficiles. Plusieurs fois il s’en est fallu de peu que nous ne nous retrouvions à la rue. Je ne vais pas ici vous raconter toutes les ruses  pour échapper aux huissiers, toutes les fois où nous avons descendu les tableaux à la cave pour les soustraire aux yeux des représentants de la loi. La vente de quelques meubles ou gravures de collection etc. 

 

Tout cela serait bien trop long à vous raconter et sans doute un peu fastidieux. 

 

Aujourd’hui ceux qui ont cru en ma peinture sont toujours là. Alors je voudrais dire MERCI, à l’ami Richard (et Dorine), un des premiers à m’avoir acheté plusieurs tableaux.

 

Et aussi à ceux qui n’ont jamais douté. Merci Doris de croire encore et depuis toujours en ma peinture. 

 

Et merci à tous les anonymes qui sur mon blog ont manifesté leur intérêt pour mon travail.

 

Quelques peintures de BMC

 

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BMC - De la série “La mort” - “La dernière bataille” - TM - 110 x 75 cm.

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BMC - De la série “Cruci-Fiction” - TM - ST - 110 x 75 cm.

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BMC - De la série “Les prisonniers” - TM -ST - 110 x 75 cm.

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BMC - De la série “Les restes du monde” - TM - ST -65 x 50 cm.

 

Voir la suite dans les albums BMC

 

  ♡♡♡

 

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Photo B.M.C.


 

 
Après mes deux articles sur la tauromachie, l’inévitable question m’a été posée : “Mais enfin, es-tu pour ou contre la corrida ? Même dans ta peinture, on ne trouve pas de réponse…”

-    OUI, j’aime son rituel, sa magie, les moments exceptionnels que j’ai vécus grâce à elle.

-    NON, je n’aime pas voir souffrir un animal, voir mourir un toro. Voir un homme piétiné par un “monstre”. Et je n’aime pas l’impression désastreuse laissée par une mauvaise corrida, et il y en a un paquet !...

Pour ces différentes raisons, il m’est impossible de répondre par une phrase qui commencerait par “je”.
Il y a en moi le “je” qui aime.
Il y a en moi le “je” qui n’aime pas.
Ne sommes-nous pas tous habités par une foule de personnages ?

    Celui qui dit OUI
    Celui qui dit NON
    Celui qui dit NON MAIS OUI …
    Ou OUI MAIS NON…

Des milliers de petits lutins qui ont tous leur mot à dire, qui ont tous une idée sur tout. Et qui passent leur temps à se faire la guerre (pour des idées).

A la question que vous m’avez posée tout-à-l’heure, si je dois répondre sur l’instant – que je le veuille ou non – je serai influencé par l’environnement, par le moment, etc…

Même si je me crois libre, c’est le lutin jaune qui va répondre “oui…”. Demain, les circonstances ne seront plus les mêmes et c’est le lutin bleu qui dira “non…”

Où est passé le “je” ?

Le “je” n’existe que le jour où nous avons fait le ménage. Viré tous les petits lutins. Et alors là, bon courage, parce qu’il y a du boulot !

Essayez seulement de rester quelques instants en faisant le vide dans votre esprit. Très vite, les pensées affluent, se bousculant les unes les autres. Les lutins à byciclette poursuivant les lutins à pieds. Et c’est la ronde des lutins…

Au fait, je ne sais plus où “je” en étais ?...


 
*
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Vingt secondes de sagesse. Ne zappez pas…
 


Bokar Rimpoché  -  photo B.M.C.


 
Une dame s’adresse à  : Bokar Rimpoché

“Rimpoche, voici ce qui m’arrive : lorsque je médite j’ai parfois des visions, je vois des évènements du passé, d’autres fois j’ai des visions prémonitoires. Il m’arrive aussi de sortir de mon corps…”

Bokar Rimpoché écoute attentivement, sourit comme seuls savent le faire les Tibétains, laisse un moment le silence faire son office et enfin s’exprime :

“Continuez, vous verrez, avec le temps, tout ça n’arrivera plus…”

 
 
 
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Photo B.M.C.  : Balai


 
A vingt-trois ans, je croyais tout savoir…

J’avais vécu une jeunesse sous l’occupation avec toutes les privations qui vont de pair.

J’avais fait, contre mon gré, une guerre que je trouvais profondément injuste.

J’avais aussi découvert l’Art avec toutes les joies qu’il peut apporter.

Fort de ces expériences, j’avais des idées sur tout. Et des réponses à TOUT.

Aujourd’hui je sais que je ne sais rien et, comme disait un célèbre écrivain, même de cela, je ne suis pas tout-à-fait sûr…

Tout le monde a une idée sur tout. Ce n’est pas difficile : vous allumez votre ordi, vous allez sur Google et toc, vous avez la réponse à toutes les questions possibles.

Pourtant avec l’âge, on devrait être moins con (d’accord, on perd des neurones, mais quand même …). Après tout, “je ne suis pas plus bête qu’un autre” (… quel autre ?)

Tu verras quand tu auras mon âge…

Maintenant que j’ai ton âge, je vois bien : y a rien à voir. Circulez.

Et l’expérience !

Chaque individu vit les évènements de façon différente et n’en tire pas les mêmes conclusions. L’impermanence – ce mot qui n’est pas français et qui va en faire frémir plus d’un – l’impermanence, donc, règne partout. Ce qui est vrai aujourd’hui ne le sera plus demain. Je vous vois venir : le rationnalisme, la raison, la logique, etc… Tout ça n’est jamais que du bruit dans la bouche et un peu de vent en prime. Et ne ramenez pas votre science, parce que, là, je vais me fâcher !

Je sais, si la science n’avait pas existé, tu n’aurais pas ton ordi, ton auto, ta machine à laver, tous ces beaux joujoux qui ne sont jamais que les hochets de l’humanité.

Si la science n’avait pas existé, il n’y aurait pas eu non plus Hiroshima, Nagasaki, Tchernobyl.

Les hommes sont des fous capables de construire des cathédrales ou des camps de concentration.

Sans la science, les diplodocus auraient peut-être pris le pouvoir – peut-être n’existerions-nous pas … Et alors (comme dirait ma Muse) y en a que ça gêne ?

On peut se poser des questions sur tout; on peut les poser aux autres. On peut faire semblant d’y répondre.

Longtemps, je me suis demandé : “combien y a-t-il de fourmis dans le monde ?” Mais qui peut répondre. Le temps (encore lui) de formuler une réponse et elle est déjà erronée. Voilà une vraie question, car il n’y a pas de réponse possible. Je suis comme le Petit Prince : seules les questions sans réponse m’intéressent.

Avec l’expérience – puisque nous en parlions – le doute est toujours présent en moi.

Je n’ai pas envie de répondre aux questions. Je sais bien que cela flatterait mon ego de pouvoir rétorquer :“Alors là, permets-moi de te répondre… Moi qui… etc…”  Ego, ego, ego…

Et les discussions entraînent le plaisir de contredire. Si tu dis blanc, moi je réponds noir. Alors même que le gris n’est encore pas la vérité.

Il me plait à penser que la vérité est ailleurs. Le monde est illusion. Nous sommes dans un rêve permanent.

Je crois, comme l’enseignent certaines traditions plusieurs fois millenaires que le monde de la réalité profonde n’est pas celui que nous connaissons ou croyons connaître.

La méditation est sans doute la porte qui y mène.

Pour méditer, il suffit de faire le vide en soi : l’ego disparaît.

Y a plus qu’à tirer la chasse.



 
*
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“Tout cela n’est rien comparé à ce que je vois dans ma tête”

                                                                       M.C. Escher


Mauritus Cornelis Escher était un artiste néerlandais, né en 1898 à Leeuwarden aux Pays-Bas et décédé en 1972 dans une maison de retraite pour artistes où il eut la chance d’avoir un atelier.

Si vous ne le connaissez pas, vous allez découvrir à quel point il était un  dessinateur et graveur d’exception et aussi un très grand artiste.

Peintre de l’impossible, Escher nous fait entrer dans une autre dimension. Théoriquement tout ce que l’on peut dessiner devrait pouvoir être réalisé sur un plan matériel. Pourtant, regardez bien ses gravures :

Si vous suivez attentivement le cours de l’eau, à partir de la chute, près de la roue, vous allez très vite vous apercevoir que  l’eau qui vient de tomber va remonter pour rejoindre à nouveau le point le plus haut ; ce qui, bien entendu, est tout-à-fait impossible.
 
 
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Ça doit faire drôle d’être prisonnier d’un escalier qui, selon le sens dans lequel on l’a abordé, n’en finit jamais de monter ou de descendre ? Les personnes qui montent croisent sans arrêt celles qui descendent, cela peut durer éternellement. Quand je vous disais que l’on atteignait une autre dimension. Demandez donc à un compagnon, fut-il Agricol Perdiguier, de  réaliser ce genre d’escalier, il y perdrait certainement toute sa science.
 
            
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Ici les oiseaux dans le ciel deviennent poissons dès qu’ils pénètrent dans l’eau. Le rêve de Juliette Gréco est enfin réalisé, vous vous souvenez :

“Un petit poisson, un petit oiseau
S'aimaient d'amour tendre
Mais comment s'y prendre
Quand on est dans l'eau
Un petit poisson, un petit oiseau

S'aimaient d'amour tendre
Mais comment s'y prendre

Quand on est là-haut”
 
                                     
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Le monde d’Escher est aussi celui de la dualité, il faut choisir : Anges ou Démons.

Vous n’êtes pas encore au bout de cet article et Monsieur Escher va encore nous jouer quelques tours. Dans son monde se côtoie l’infiniment grand et l’infiniment petit, cela aussi va créer une drôle d’impression, tout l’art d’Escher consiste à déstabiliser le spectateur.
 
 
           
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Vous qui faites de la peinture, attention, il arrive que l’on se retrouve victime de sa création. Il n’y a pas que Paracelse qui était poursuivi par les incubes et les succubes !
       
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Imaginez ce qu’aurait pu faire Escher s’il avait eu un ordinateur, mais lui, c’était dans sa tête qu’il en avait un..
                                                          
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À ce niveau-là, n’essayez plus de comprendre, sans cela vous n’arriverez plus à vous endormir, et vous passerez votre nuit à monter et descendre des escaliers, tête en l’air, tête en bas. C’est vrai que notre monde n’a pas de sens !
      
        
                                               
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          Sans dessus-dessous        
                                        
Escher passe le plus clair de son temps à contredire nos idées reçues.
 
     
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L’espace c’est du luxe dit-on, mais comment vivre ici, seuls  Les oiseaux y ont leur place, la pesanteur a disparu.

Il arrive qu’Escher soit sage et presque rationaliste,la preuve : (voir ll'image).
              
                                                 
                
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Mais non Escher est bien décidé à nous faire changer notre point de vue.
     
                                       
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Et si quelqu’un a l’esprit tordu, c’est vous, mais sûrement pas monsieur Escher. À mon humble avis, les courbures de l’espace-temps, il devait savoir ce que ça voulait dire, sans parler des fractals*
 
 
                                           
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MERCI MONSIEUR ESCHER
     
 
 
Publié le par BMC
Publié dans : #B.M.C.

 

 

BMC De la série Cruci-Fiction

 

 

    I – Lettre et le néant

 

    Dans les années cinquante, une célèbre publicité nous rebattait les oreilles en ces termes : “Si vous savez écrire, vous savez dessiner”. Le problème, c’est que l’inverse n’était pas vrai. Et ça, je ne le savais pas encore.

    J’en ai écrit, des lettres.
    J’en ai reçu, des réponses.

    -    Je vous remercie vivement de l’intérêt que vous avez bien voulu porter à notre galerie, mais…

    -    Merci de nous avoir envoyé des photos de votre travail – qui est d’ailleurs fort intéressent – malheureusement…

    -    Malheureusement, votre travail ne correspond pas à la ligne  suivie par la galerie Tartempion …

    -    Nous sommes au regret …, votre travail nous paraît très intéressant, à plus d’un titre, mais la situation actuelle…

    -    Pour les deux années à venir, nous avons un programme très chargé, aussi…

    -    Nous avons étudié avec beaucoup d’intérêt votre dossier qui présente à de nombreux égards des points très positifs… Nous ne pouvons actuellement envisager de prendre de nouveaux peintres.

    Il y a eu aussi les méchants :

    -    Je ne comprends pas : depuis quand un peintre s’occupe-t-il lui même de sa promotion ?

    -    X… X… (nom d’un artiste connu qui m’avait proposé de me recommander de lui pour contacter cette galerie) devrait savoir que le style de votre peinture n’a rien à voir avec les artistes que nous représentons.

    Il y a eu les gentils. Je pense en particulier à Iris Cler et à Colette Allendy, qui malheureusement nous ont quittés.

 


      B.M.C.   de la série "Tauromachie" : Attention, ce tableau vous regarde !

 

    II – Le complexe du peintre


    Peut-être vais-je vous sembler bizarre, mais j’ai toujours eu un peu honte d’être peintre. Si je reviens de chez le marchand de couleurs avec une toile ou même un simple rouleau de papier sous le bras, j’ai l’impression que tout le monde me regarde et va me désigner du doigt : “Tu as vu, c’est un artiste…”.

    C’est sans doute un complexe qui date de l’enfance. Petit, on n’arrêtait pas de dire  :“C’est une lubie, ça lui passera…” A tel point que j’ai fini par penser que la création artistique devait être une tare. (Aujourd’hui encore, je me demande si je n’avais pas raison…)

    Voici un exemple de mésaventure que cela a entraîné :

    Vers les années soixante, la commercialisation des oeuvres d’art ne fonctionnait pas du tout comme aujourd’hui. Il y avait, d’une part, les salons (qui, à l’époque, avaient leur raison d’être). Je pense en particulier au Salon de Mai qui accueillait entre autres grands noms Picasso, Miro, Chagall.
    Dans ce même salon exposaient des artistes encore inconnus ou très peu connus comme Francis Bacon, Antoni Tapies, Andy Warhol. Je me souviens de ce sublime très grand tableau de Paul Rebeyrolle “Planchemouton” ou de celui de Pierre Alechinsky “Le grand transparent” (à l’époque, il n’avait pas encore découvert la prédelle). Les premières compressions de César, etc…

       D’une part, il y avait les salons.  D’autre part, il y avait aussi les prix. Les plus importants étaient le Prix de la Critique et le Prix Othon Friesz.

    Je dépose ma toile au Musée d’Art Moderne, avenue de New-York et attends sans illusion le verdict. Quelques jours passent, pas de réponse. Comme j’avais entendu dire que les refusés devaient être retirés à telle date, je me présente, descends l’escalier … et vois, accroché à une place d’honneur mon tableau.

    Pour la deuxième fois de ma vie (cf archives), le sol se dérobe sous mes pieds… Je tourne les talons, prends mes jambes à mon cou et me retrouve dans ma chambre de bonne, boulevard de Courcelles.

    Inutile de préciser que je ne suis pas allé au vernissage et n’ai lu aucune critique…

    Beaucoup plus tard, une galeriste m’a parlé de ce tableau, qui lui avait fait forte impression.

    “Si vous ne faîtes rien, votre peinture ne se vendra jamais !” … ça, c’est vrai … je n’y aurais pas pensé !..

    Seulement moi, je ne faisais pas rien puisque je faisais de la peinture et même que je n’arrêtais pas d’en faire. Et comme je n’avais plus de place pour stocker “mes oeuvres” dans ma minuscule chambre … je repeignais sans arrêt sur la même toile !

    Bref, le temps passe  -  lettre galerie   -   le temps passe …

    Je ne sais pas si vous avez lu “Le désert des tartares” de Dino Buzzati …

    Du haut de mon atelier transformé en forteresse, j’attends  “l'ennemi” galeriste, marchand, qui ne viendra pas… Mais la vue sur ce désert ne m’empêchera pas de continuer, bien au contraire.

    Je pense à cet artiste que j’ai connu qui disait “Si ma peinture les intéresse, "ils" viendront me chercher”. Malheureusement pour lui, “ils” ne sont jamais venus, et pourtant c’était un bon peintre…

    J’attends depuis toujours, à la fois avec espoir et appréhension, le marchand qui va enfin s’intéresser à mon travail et m’écrira :

    “Monsieur,
    Veuillez de toute urgence contacter la galerie Truc-Much. Nous devons ensemble établir un contrat dont voici les bases et que vous aurez le loisir d’adapter à votre convenance…”

  BMC De la série Algérie Galerie Française

 

   III – La toile


    Et il y a eu la toile.

    “B.M.C., tu es ouf : tu vis au bout du monde, tu ne montres ta peinture à personne. Personne ne vient te chercher. Tu as pensé au Net ?”

    Bien sûr que j’y avais pensé. Et avec ma Muse, nous en avions souvent parlé. Mais un site, c’est ridicule, qui va aller le voir ? Qui aurait l’idée saugrenue de taper B.M.C. sur Google ? Et si vous le faites, vous verrez des voitures (les “minis” que j’aime, celles du rallye de Monte-Carlo). Vous verrez des outils, des tas de choses hétéroclites – mais pas d’art, pas de peinture…

    “Si un site, ça ne marche pas, fais un blog” … merci Emmanuelle – ça, c’était l’idée du siècle !

    Maintenant, j’expose ma peinture. Je montre ce que je veux. Je dis ce que j’ai envie de dire et je ne m’en prive pas…

    Derrière mon Mac transformé en meurtrière, je guette  “l'ennemi” … qui viendra – ou pas – et c’est très bien ainsi.

 

 

   

 

BMC De la série “Les restes du monde”

 

 

 

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  Paul Klee                                                                                                          Paul Klee par BMC

 

"Je suis né pendant le dernier mois de l'année 1879, non loin de Berne. Mon père, musicien de vocation, pédagogue de profession, mais de tempérament plutôt théoricien et critique musical, diffère du musicien de type courant par l'étendue de ses curiosités. Ma mère a fait elle aussi des études de musique. Je puis donc dire que j'appartiens à une famille de musiciens".

 

                                                                                                         Paul Klee

 

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Paul Klee

 

Son père, Hans Klee, citoyen allemand, est professeur de musique. Dés l'âge de sept ans, Paul va  apprendre le violon et deviendra un très bon musicien. Plus tard, il hésitera longtemps entre la musique, la peinture et l'écriture.

 

Le jeune Paul n'est pas un élève particulièrement studieux, il ne se passionne que pour le Grec et la musique. À onze ans, il devient membre de l'Orchestre Municipal de Berne. Il commence à écrire des nouvelles et des poèmes.

 

 

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Paul Klee - Théâtre de marionnettes

 

1898. Après avoir passé son examen de maturité (l'équivalent du baccalauréat) et sur les conseils du Directeur de l'Ecole des Beaux-Arts, Paul décide de s'installer à Munich où il va suivre des cours de peinture dans l'atelier préparatoire d'Heinrich Knirr.

 

 

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Paul Klee

 

En 1899, Klee va faire la connaissance de la pianiste Lily Stumph. Lily sera le grand amour de sa vie.

 

 

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Paul Klee & Lily

 

1900. Klee est admis à l'Académie des Beaux-Arts où il va faire la connaissance du jeune Wassily Kandinsky.

 

En 1901, Paul Klee effectue un voyage en Italie ; il découvre, en même temps que les grands noms de la Renaissance italienne, l'architecture et en particulier Michel-Ange. Il effectuera coup sur coup plusieurs voyages, très importants pour lui, car ils lui permettront de découvrir des peintres peu connus en Allemagne.

 

 

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 Paul Klee

 

 

Toujours en 1901, fiançailles officielles avec Lily.

 

1902. De retour à Berne, il réside à nouveau chez ses parents.

 

 

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Paul Klee

 

1903. Klee retrouve sa place à l'Orchestre Municipal.

 

En 1906, Klee épouse Lily Stumpf, pianiste de son état. Ils auront en 1907 un fils prénommé Félix, dont nous aurons probablement l'occasion de reparler dans un autre article.

 

C'est à Munich que Klee va découvrir Van Gogh et surtout Cézanne dont les théories vont le marquer profondément.

 

 

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Paul Klee

 

En 1911, Klee va entretenir des relations avec le groupe Der Blaue Reiter ( le Cavalier Bleu); il deviendra très ami avec les principaux peintres du groupe : Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej Von Jawlensky. Il fera aussi la connaissance de Jean Arp.

 

 

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Paul Klee - Adam et petite Eve

 

1914. Première Guerre mondiale, son ami Franz Marc est tué à Verdun le 4 mars 1916 ; le 11, Klee est mobilisé. Grâce aux relations de son père, il restera toujours loin du front. Il est affecté à la réserve territoriale et envoyé dans une école d'aviation où son travail consiste à peindre des fuselages d'avion et de temps à autre à accompagner des convois vers Cambrai et Saint-Quentin. Klee continue de dessiner et peindre.

 

 

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Paul Klee

  

 En 1918, Klee commence à être connu de quelques spécialistes de l'Art Moderne. Deux ans plus tard, Walter Gropius, qui vient de fonder le célèbre Bauhaus, lui demande de venir à Weimar en tant que professeur.

 

 

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Paul Klee

 

En 1921, Klee s'installe au Bauhaus. Il va donner des cours de peinture, se partageant la tâche avec son illustre confrère Kandinsky.

 

 

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Paul Klee

 

C'est à Weimar que Klee va écrire sa Théorie de l'Art Moderne, ouvrage dont on ne saurait trop recommander la lecture à tout étudiant en peinture.

 

1924. Le Bauhaus de Weimar étant considéré comme non rentable est transféré à Dessau. Le nouveau bâtiment sera inauguré en 1926.

 

 

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  Le Bauhaus de Dessau

 

1925/26. Klee voyage, expositions, Paris (galerie Pierre), Berlin, New York…

 

 1931. Après le départ de Walter Gropius, le Bauhaus prend une orientation très différente, mettant en avant l'architecture et ce qu'aujourd'hui, on appellerait le design et reléguant la peinture au second plan.

Klee donne sa démission, il est nommé professeur à l'Ecole des Beaux-ts de Düsseldorf.

 

 

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Paul Klee

 

 

Avec la montée du nazisme, Klee doit quitter Düsseldorf, accusé de “bolchevisme culturel”. Il retourne à Berne en 1933.

 

 

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Paul Klee

 

Il expose de plus en plus ; en 1935 commencent à se manifester les premiers symptômes de sclérodermie, maladie auto-immune qui peut se localiser sur différents organes, cœur, poumons, reins et généralement provoque d’abord des anomalies au niveau de la peau ; maladie difficile à diagnostiquer et à soigner, surtout à cette époque-là.

 

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Paul Klee

 

1937. 102 œuvres de Klee appartenant à des collections allemandes sont confisquées par les nazis. 17 seront présentées à l'exposition des "arts dégénérés" à Munich avec la mention : "peinture d'un schizophrène".

 

 

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Paul Klee

 

Depuis longtemps, Paul Klee souhaite obtenir la nationalité suisse qui ne lui sera accordée, ironie du sort, que le lendemain de sa mort !

 

 

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Paul Klee

 

 

 Le 9 juin, 1940 à sept heures du matin, Paul Klee transite vers un autre monde, celui dont il avait  rêvé. Sur sa tombe figure cette épitaphe extraite de son journal : 

 

"En ce monde, nul ne peut me saisir, car je demeure aussi bien chez les morts que chez ceux qui ne sont pas nés. Un peu plus près du cœur de la création qu'il n'est d'usage.    Et pourtant encore bien trop loin".

 

Toute sa vie ,Klee sera obsédée par l’idée de la mort, toute sa vie il ressassera les questions fondamentales sur l’existence, celles que tout artiste digne de ce nom est amené à se poser, cela apparaîtra en filigrane dans de nombreuses œuvres.

 

 

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Paul Klee

 

Klee est un peintre inclassable, ce qui à mon avis est une preuve de qualité. Il n'appartient à aucun mouvement, passant de l’abstraction à l’expressionnisme, parfois ayant des tendances surréalistes pour revenir à de l’abstraction géométrique (voir les carrés magiques). Il a participé à la première exposition du  groupe surréaliste en 1925 , mais il n’a  jamais adhéré au mouvement surréaliste ; durant toute son existence, il sera un homme libre, un libre-penseur comme on le disait si bien à l’époque.

 

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Paul Klee - Chat et oiseau

 

Klee peint généralement de petits tableaux, il utilise toutes sortes de techniques, fréquemment l’aquarelle, mais aussi des techniques mixtes.

 

C'est autant un poète qu'un peintre, sa peinture a quelque chose à voir avec celle des enfants. Elle est très “littéraire”.    Paul Klee, qui était un grand ami des chats, était un peu comme eux, rêveur et philosophe.

 

 

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 Paul Klee

 

Soixante-cinq ans après sa mort, le 20 juin 2005, le Zentrum Paul Klee ouvre ses portes à Berne.

Il s'agit d'une institution culturelle entièrement dédiée à l'œuvre du peintre "suisse" Paul Klee.

 

 

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Zentrum Paul Klee

 

Klee a été très prolifique, l'ensemble de son œuvre doit approcher 10.000 pièces, souvent de petite taille (peintures, dessins, gravures). Le Zentrum en possède environ 4.000, sans compter tous les documents, écrits, les marionnettes destinées au guignol qu'il avait fait pour son fils, etc. C'est sans doute la plus grande collection consacrée à un artiste réunie en un même lieu.

Bien entendu, la musique y a sa place, salle de concert, ateliers musicaux, etc.

 

Si vous passez du côté de Berne, vous savez ce qu'il vous reste à faire….

 

 

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Paul Klee

 

 

 

 

LIEN

 

 

      Sur ce blog:   L’art dégénéré

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Jean Gourmelin

 
Peut-être ne connaissez-vous pas Jean Gourmelin, c'est pourtant un grand artiste, qui mériterait, sans doute, de l'être davantage.

Jean Gourmelin est né à Paris le 23 novembre 1920. Il est le seul enfant d'une famille modeste. De très bonne heure, il commence à dessiner.

En 1935, ses parents quittent Paris pour s'installer à Vendôme, où son père va tenir une boutique de grainetier. Il va grâce aux conseils d'un peintre local s'initier à différentes techniques de peinture et de gravure.

 En 1940, il retourne à Paris où il s'inscrit à l'école des Arts Décoratifs.

En 1945 il va travailler chez le célèbre verrier Max Ingrand. Il y restera jusqu'en 1968. A quarante-huit ans, il va enfin pouvoir se consacrer uniquement à son art. 

Bien qu'ayant déjà fait paraître quelques dessins, c'est dans les années soixante qu'il va réellement se faire connaître du grand public, en grande partie grâce à la revue Planète, dont sont extraits les dessins qui  accompagnent cet article.

Il cessera de dessiner en l'an 2000, sa vue ne le lui permettant plus.

 

 Longue vie, au peintre, au poète et à l'humoriste.


 

 

Jean Gourmelin

 

 

Jean Gourmelin

 

 

Jean Gourmelin

 

 

Jean Gourmelin


 

 
Jean Gourmelin

 

 

 

Jean Gourmelin
 
 



Jean Gourmelin

 


Jean Gourmelin



Jean Gourmelin




Jean Gourmelin




Jean Gourmelin




Jean Gourmelin

 


Jean Gourmelin



 

Jean Gourmelin


 

Dessins extraits de "Gourmelin," les chefs-d'œuvres du dessin". Edition¨ Planète 1968.

 

 

 

 

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(Communément appelée: chasse à courre.)

 

 

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Oui je sais, je vais en faire hurler plus d'un. Je vous vois déjà venir, montés sur vos grands chevaux pour m'accueillir à cor et à cri.

 

Je précise, pour ceux qui ne me connaissent pas, les autres n'ont pas besoin de ces détails.

 

Que ce soit bien clair:

 

1/ Je n'aime pas la chasse en général.

 

2/ J'adore les animaux.

 

Si vous voulez bien lire cet article, alors probablement beaucoup d'idées reçues partiront en fumée.

 

Tout d'abord je précise que la chasse dont je vais parler concerne uniquement le cerf, ou le sanglier.

Celle que je décris est une chasse au cerf.

 

 

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Mais avant tout je voudrais donner quelques précisions:

 

On entend généralement dire" cette pauvre bête n'a aucune chance de s'en tirer" c'est faux. Savez-vous que l'on prend en moyenne un animal sur cinq chasses.

 

Parmi les images qui ridiculisent la chasse à courre, on entend souvent parler de la biche aux abois, certains diront l'avoir vu pleurer. Je vous jure que je n'exagère pas. Tout cela mérite une explication : tout d'abord il faut savoir que l'on ne chasse qu'un animal (choisi, je vous expliquerai comment) mais JAMAIS les biches, qu'il est donc impossible qu'elle soit aux abois (encerclée par les chiens), que si certains ont vu des larmes sous l'œil d'un cerf il n'y a rien de plus normal, en effet à cet endroit se situe une glande qui va permettre à l'animal de laisser son empreinte.

 

 

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Dans beaucoup de documentaires animaliers, vous avez certainement vu le cerf frotter le fameux larmier (c'est son nom) sur les troncs des arbres, c'est simplement pour marquer son territoire.

 

La chasse à courre n'a pas été inventée par les hommes, mais par les chiens. Les chiens se sentant impuissant face à un cerf ou un sanglier se regroupaient en meute pour chasser.

 

 

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Maintenant, je vais vous décrire le plus objectivement possible le déroulement d'une chasse.

 

En fait la chasse commence le matin de très bonne heure.

 

 

1/ "Faire le bois" : la quête de l'animal.

 

 

Deux ou trois personnes (non-fumeurs), les valets de limier, parfois ce sera les piqueux eux-mêmes, partiront avant l'aube dans différentes directions, accompagné chacun d'un chien "fin de nez". Généralement ce sera un vieux chien dressé à être "secret" pour ne pas "récrier" lorsqu'il verra le cerf.

 

 

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 Le rôle du valet de limier est d'avoir la connaissance la plus précise de l'animal, mais ni lui, ni le chien, ne doivent se faire repérer. Sans bruit, et tenant compte de la direction du vent,  il redoublera de précaution. Très souvent il ne verra pas l'animal, mais seulement son empreinte le "vol-ce-l'est" (à l'origine, parlant du cerf : vois ce l'est).

 

 

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D'après son empreinte, en tenant compte de différents éléments, l'écartement entre deux traces, la façon dont le pied sera enfoncé et encore d'autres critères, par exemple "la brisée" (la façon dont le cerf va "casser" les branches sur son passage), il est capable de déterminer le sexe, l'âge de l'animal et d'en faire une description précise.

 

 

2/ Le rendez-vous.

 

 

Il a généralement lieu, à un carrefour de la forêt, un endroit accessible de façon à pouvoir garer facilement les remorques destinées aux chevaux, et aussi les véhicules des suiveurs.

 

 

 

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L'heure du rendez-vous peut varier en fonction de la saison. Il se situe en général entre dix et onze heures du matin.

 

 

 

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D'abord il y a l'arrivée de la meute, suivie des membres de l'équipage, les "boutons". Tout membre de l'équipage est qualifié de "bouton", en souvenir du jour où il a été admis, et où il a reçu un bouton en or à l'effigie de l'équipage.

 

 

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Ensuite les valets de limiers vont se ranger face au maître d'équipage et à l'invité. Cape à la main ils feront leur rapport, en donnant le maximum de détails sur leur quête du matin. C'est en utilisant le langage très imagé de la vénerie qu'ils feront ce rapport. Par exemple:" j'ai connaissance d'un dix cors jeunement faisant tête sur "  (ici un lieu dit) etc.…

 

 

 

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Le maître d'équipage, seul, va décider de l'animal à attaquer. Après quoi il donne quelques recommandations aux membres de l'équipage, concernant l'attaque, mais aussi aux suiveurs. Par exemple, si la chasse devait se diriger vers un village, une route à grande circulation, ou un endroit dangereux pour une quelconque raison, on abandonnera immédiatement.

 

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Maintenant tout est prêt pour l'attaque.

 

 

 

3/L'attaque.

 

 

 

 

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C'est ici que tout l'art du veneur va être mis à contribution. À partir de maintenant il y a plusieurs hypothèses possibles.

 

Soit le cerf est à "la reposée" c'est-à-dire couché, il va être très facile de le faire lever. N'oubliez jamais que la chasse est faite par les chiens.

 

 

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Le cerf peut se trouver "enharder", cela veut dire qu'il n'est pas seul, qu'avec lui se trouvent des biches, des daguets (jeunes cerfs), peut être d'autres cerfs.

 

 

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Il va falloir maintenant séparer le cerf de la harde. Le rôle des veneurs, en général les piqueux (ils sont deux) va être difficile, ils vont devoir maintenir la meute regroupée, certains jeunes chiens ayant tendance à vouloir chasser seuls.

 

 

 

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4 / Les ruses du cerf.

 

 

 

Si le cerf est "enhardé", il aura très vite compris que c'est bien lui qu'on chasse, aussi va-t-il sans scrupules pousser un jeune daguet (voir un hère, ou une biche) dans une direction opposée  à la harde, afin de tromper les chiens. Lorsque les veneurs s'en aperçoivent, ils doivent ramener les chiens sur la voie initiale. Inutile de dire que le cerf chassé est déjà loin.

 

 

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 Un article entier ne suffirait pas à recenser toutes ses astuces. Il peut faire un "hourvari", cela veut dire que s'il a pris suffisamment d'avance sur les chiens, il va sauter sur un côté, (Un cerf peut sauter 15 mètres en longueur) pour repartir dans la direction opposée; arrivés à l'endroit où il a effectué ce saut les chiens sont mis en défaut, tournent jusqu'à ce qu'ils soient remis sur la voie.

 

 

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Dans ce cas comme pour chaque épisode de la chasse, les veneurs sonnent le hourvari. Parfois la chasse s'arrête ici.

 

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 Autre ruse. Le cerf a sur les jambes arrière, ce que l'on appelle "la brosse". Légèrement au-dessus du sabot,   on peut voir quelques poils hérissés, d'où le nom de brosse. Là encore cela va lui permettre (grâce à une glande odoriférante) de laisser son odeur pour permettre aux jeunes, hères, et biches de retrouver leur chemin. Malheureusement cela va aider les chiens à le suivre, aussi dès qu'il peut trouver un ru, il va le suivre; dans l'eau, il ne laissera pas d'odeur et va à nouveau mettre les chiens en défaut.

 Le cerf "ira au marais". Dans un marais, les chiens perdent son odeur, les veneurs ont souvent du mal à le trouver, l'endroit de sa cache est souvent inaccessible, même pour de très bons cavaliers.

 À ce moment, il a toutes les chances de ne pas être pris.

 

 

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 Tout au long de la chasse, différentes sonneries tiendront informés les suiveurs. Cela ira du "bien aller", à "la Rosalie" que l'on sonne si on abandonne la chasse.

 

 

 

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    À suivre si vous le voulez bien.

 

 

 

  Liens sur ce blog 

 

 

L'Art de la Vénerie 2

 

 

L'Art de la vénerie 3

 

 

 

 

 

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4 / La chasse.

 

 

La plupart des veneurs jouent de la trompe de chasse. Tout au long de la chasse ils seront amenés, par ce moyen, à "avertir" des événements qui s'y déroulent.

Si on est sur la voie du cerf, on sonne le "bien aller", qui entre autres choses encourage les chiens, permet aux membres de l'équipage de savoir que la chasse suit "son courre".

 

 

 

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Si l'animal "débuche" (sort d'un bois à découvert), on sonne le "débuché", cela veut dire qu'il risque de se retrouver dans des cultures, et qu'en conséquence il va falloir être très prudent.

 

 

Si on voit le cerf franchir un chemin ou une route, sonner la vue, mais pour ça encore faut-il être sûr qu'il s'agit bien du cerf de chasse, en cas de doute attendre le passage des chiens.

 

 

 

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Si vous apercevez le cerf de chasse vous devez prévenir en criant"taïaut".

 

 

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Bien entendu les sonneries ne sont pas, comme on pourrait le croire l'apanage des membres de l'équipage. Tout suiveur a le droit de sonner de la trompe. Cela dit, si vous suivez pour la première fois une chasse à courre, éviter de sonner n'importe quoi, à n'importe quel propos. À la fin de la chasse, vous aurez l'opportunité, si vous le désirez, de vous joindre à la fanfare.

 

 

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Durant la chasse ne jamais oublier que ce sont les chiens qui chassent, faire tout pour les appuyer, ce n'est pas le chasseur qui poursuit le cerf ce sont les chiens, ne jamais l'oublier.

 

L'art du veneur va consister à mener les chiens vers l'animal choisi, mais si possible toujours rester en retrait. La connaissance du cerf "par corps" (à vue) peut très bien n'intervenir qu'au moment de"l'hallali", quand le cerf est cerné par les chiens.

 

 

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    5/L'hallali.

 

   

 

 

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Vers la fin de la chasse, le cerf est fatigué, les chiens sont juste derrière lui, il est "hallali courant".

 

 

 

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Enfin le cerf reste debout face aux chiens, qui n'approchent pas trop…. Afin de ne pas le laisser souffrir plus longtemps, il va falloir très vite le mettre à mort. La plupart du temps, c'est le rôle du maître d'équipage; dans le cas où il ne serait pas encore sur les lieux, c'est un piqueux qui se chargera de la mise à mort. Généralement il se servira d'une dague qu'il plantera dans le cœur de l'animal, la mort est instantanée.

 

 

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Dans le cas où le cerf se réfugie dans un étang, et s'il n'y a pas de barque à proximité, on se sert d'une carabine, le but étant de laisser l'animal souffrir le moins longtemps possible.

  

 

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6/ Les Honneurs.

 

 

Le maître d'équipage va remettre "le pied" à la personne à qui la chasse a été dédiée. Le tout agrémenté du laïus de circonstance.

 

 

Le maître d'équipage va remettre

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À compter de ce moment, la fanfare va jouer  jusqu' à la fin de la curée.

 

 

 

7/La Curée.

 

 

 

On écarte les chiens pendant qu'on dépouille l'animal.

On va procéder, d'abord au prélèvement d'un pied, on formera une tresse avec la peau, il est destiné, au moment des honneurs, à celui à qui la chasse à été dédiée, généralement il s'agit d'un invité, mais je vous en ai déjà parlé.

 

 

 

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Les morceaux de choix vont être prélevés; généralement, ils seront offerts, souvent à des hôpitaux, ou à  une maison de retraite. En tous cas pas aux chasseurs comme on aurait tendance à le penser.

 

 

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Les restes de l'animal vont être "proposés "aux chiens. Ceux-ci attendent, sagement rangés en ligne, dés qu'ils entendent (à peine murmuré) "allez". Alors là c'est la curée.

 

 

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La chasse se termine, on va procéder à "la comptée", on rentre les chiens un à un dans la camionnette du chenil

 

 

 

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Il arrive fréquemment que certains manquent à l'appel, ceux qui seront partis faire leur chasse, ça arrive particulièrement avec les jeunes chiens qui s'en seront pris à un lapin, ou un lièvre. Il va falloir refaire un grand tour dans la forêt en les appelant jusqu'à ce que le compte y soit, mais en général ça ne pose pas de problème.

  

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    A suivre si vous le voulez bien.

 

 

  Liens sur ce blog

 

 

L'art de la vénerie 1

 

 

L'art de la vénerie 3

 

 

 

 

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Je souhaitais dans ces articles vous raconter une chasse à courre, parce que la plupart des personnes qui en parlent ne savent généralement pas de quoi il s'agit.

La vénerie est une chasse ritualisée, j'aurai sans doute l'occasion de revenir sur le sujet, qui est beaucoup trop important pour être traité succinctement.

 

 

 

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La vénerie existe depuis 2.000 ans; les techniques ont très peu changé pour la bonne raison, comme je l'ai déjà dit plusieurs fois, que la chasse a été "inventée" par les chiens, et que depuis 2.000 ans les chiens n'ont pas changé (du moins les chiens courants).

 

 

 

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La vénerie est nécessaire, à une époque où il n'y a plus de prédateurs pour les grands animaux, (ne pas oublier que le cerf est un fauve), et où ceux-ci se reproduisent à la vitesse grand V.

 

 

 

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Tous les ans les grands animaux sont comptés, dans la plupart des forêts de France. C'est à la suite de ce comptage qu'il est décidé du nombre qui doit être attribué à la chasse à courre. En ce qui concerne les biches, s'il est nécessaire d'en éliminer, il y aura des battues (à tir) d'organisées, étant donné, comme je l'ai déjà précisé, qu'elles ne sont pas chassées à courre.

 

 

 

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Il existe aujourd'hui en France 38 équipages de chasse au cerf, et 31 équipages de chasse au sanglier.

Pour ma part je ne m'intéresse qu'à ce que l'on appelle "la grande vénerie", celle qui chasse le cerf et le sanglier.

Je ne comprends pas très bien l'utilité de "la petite vénerie", celle qui chasse, le lièvre, le lapin, ou même le renard, animaux pour lesquels il existe des prédateurs naturels, ne serait-ce que la chasse "classique".

 

 

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Sachez enfin que pour suivre une chasse il faut avoir une très bonne connaissance de la forêt, sinon, vous aurez beaucoup de difficultés pour anticiper le cheminement de l'animal et encore plus si, à chaque instant vous devez déplier une carte. Si vous voulez en suivre une, il est préférable d'y aller avec un habitué.

 

 

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Avant de terminer, je voudrais insister sur un sujet que généralement les détracteurs de la chasse à courre passent sous silence, c'est celui des braconniers. Il  existe des ravages considérables faits par eux. Ce sont des individus qui n'ont aucun respect de la forêt et du biotope. Ce sont des gens sans scrupule, qui à l'époque du brame, moment où les cerfs sont beaucoup plus vulnérables, n'hésitent pas à éblouir les animaux avec un puissant projecteur, pour les assassiner à bout portant, tout ça pour ramener une tête, en laissant souvent le reste de l'animal sur place.

Voir le lien suivant : Un braconnier ministre de la chasse. Cet épisode se passe chez nos amis belges, mais malheureusement ils n'en ont pas l'exclusivité.

 

Lien: Un braconnier... ministre de la chasse

 

Je n'en dirai pas plus concernant ces tristes individus.

 

 

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Et maintenant voici un minimum de termes de vénerie

qu'il est préférable de connaître:

 

 

 

 

    Bizarde   Une tête bizarde, cerf ou daguet dont les bois sont mal formés.

    Bois    Le cerf n'a pas de cornes. Ce sont des bois.

    Brame   Cris que pousse le cerf en rut (impressionnant).

    Brosse  Paquet de poils au bas des jambes arrière, qui permet au cerf de laisser son odeur sur son passage.

    Crier   Les chiens crient ils n'aboient pas.

    Daguet   Cervidé à sa première tête, environ deux ans (les bois tombent tous les ans).

    Débucher   Sortir du bois, à découvert.

    Défaut   Etre en défaut, avoir perdu la trace de l'animal.

    Déharder   Obliger un animal à quitter la harde.

    Ecuyer    Jeune cerf, qui souvent ne quitte pas un vieux cerf, celui-ci va l'initier à tous les mystères de la forêt (et des hommes); une belle histoire!

    Empaumer   Suivre une voie.

    Fanfares   Airs que l'on sonne avec la trompe de chasse.

    Se forlonger   Se dit d'un animal qui a pris beaucoup d'avance sur les chiens.

    Hallali  Lorsque le cerf est entouré par les chiens, à la fin de la chasse.

    Harde   Ensemble de plusieurs animaux, cerfs, biches, daguet, hère.

    Hère   Cerf de six mois à un an.

    Honneurs    C'est le moment où l'on remet le pied à celle ou celui en l'honneur de qui la chasse a été faite.

    Hourvari   Saut qu'effectue le cerf pour repartir dans une direction opposé.

    Larmier   Sous l'œil du cerf, sécrétion d'une glande qui lui permet de marquer son territoire.

    Limier   Chien dressé pour découvrir les animaux.

    Massacre   Tête de cerf

    Nappe   Peau du cerf que l'on retire avant la curée.

    Rameuter   Rappeler les chiens qui vont trop en avant.

    Sonner   Jouer de la trompe de chasse.

    Taïaut   Cris pour prévenir de la vue de l'animal de chasse.

    Tête   Se dit des bois du cervidé. Dix cors jeunement, dix cors, douze cors, quatorze cors, cerf royal.

    Velours   Peau grisâtre, veloutée qui entoure les nouveaux bois.

 

 

 

 

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Mon dernier article, vous l’aurez compris, avait été écrit en réaction à un changement brutal dans l’organisation de mon blog: le passage à Overblog Kiwi. Je suis comme tout le monde, je n’aime pas que l’on vienne chambouler mes petites habitudes.
Fort heureusement pour moi Overblog a eu la gentillesse de me contacter pour m’apporter son aide. J’ai pu à la suite de cela remettre certaines choses en forme, d’autre part je suis rassuré pour l’avenir. De nombreux changements sont prévus qui ne peuvent qu’améliorer la situation. (par exemple des nouveaux modules texte libre, possibilité d’en changer l’ordre, etc.)
C’est sur cette note optimiste et avec le retour des beaux jours que j’invite tout ceux qui auraient quelques difficultés avec Overblog Kiwi à faire preuve de patience.

A mes chers et fidèles internautes, je  demande de faire également preuve de persévérance le temps (il en faut) de remettre les articles et les catalogues peintures en forme.

 

L'homme à la fleur - peinture BMC

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